Exklusives Gastspiel im o-ton:

Kunstlieder aus Lateinamerika:

ein Programm aus Welt- und Deutschlandpremieren mit Musik von:

C. Sofia Alvarez • Tomas Brantmayer • Dinora de Carvalho • A. García Caturla • Carlos Chávez • R. Marino Arcaro

Unter der Leitung des Komponisten Rafael Marino Arcaro bringen die Sopranistin Hannah Dienes-Williams und das Ensemble Utak ein  außergewöhnliches Konzert nach Deutschland, das vollständig aus Uraufführungen besteht und ein Jahrhundert lateinamerikanischer Musik zwischen 1927 und 2026 umspannt. Werke aus Brasilien, Chile, Peru, Kuba und Mexiko verbinden frühen Modernismus mit zeitgenössischen Stimmen in einer generationenübergreifenden kulturellen Begegnung.

Zwei Liederzyklen der brasilianischen Komponistin Dinorá de Carvalho (1895–1980), neu arrangiert für Sopran und Ensemble, verfolgen ihre Entwicklung vom Modernismus hin zu einer markant individuellen atonalen Sprache. Die Lieder von A. García Caturla (1906–1940) entstanden nach seinem Studium bei Nadia Boulanger in Paris und sind geprägt von rhythmischer Vitalität und kühner Harmonik im Zeichen des Afrokubanismus. Carlos Chávez’ Invention III (1967) für Soloharfe bietet einen eleganten Einblick in eine geheimnisvolle Welt. Neuere Werke des chilenischen Komponisten Tomás Brantmayer und der peruanischen Komponistin Sofía Alvarez setzen diese Linie in die Gegenwart fort: Brantmayer greift auf Melodien der indigenen Yaghan-Gemeinschaft zurück, während Alvarez die Resonanz des Klangs selbst erforscht – eine zeitgenössische Neubetrachtung des Mantra-Gedankens. Im Zentrum steht die Uraufführung von 'what i learned from manoel de barros: / o que aprendi com manoel de barros:’, Marino Arcaros Vertonung von Manoel de Barros’ Gedichtband aus dem Jahr 1998. Dieses neue Werk verwandelt die Sprache des Dichters – geprägt von Fragilität – in eine kühne vokale Klanglandschaft und macht die stilleren ländlichen Regionen Brasiliens erfahrbar.

Kunstlieder aus Lateinamerika

Konzertbeginn: 19.30h

Einlass: 18:30h

Eintritt: 28€ (Normalpreis - Solidarpreis)

Ermässigt: 10€ (Ermäßigung - ohne Nachweis!)

Vorreservierung per mail wird dringend empfohlen:

 kontakt@o-ton.koeln

Tickets nur an der Abendkasse

R. Marino Arcaro: Dirigent, künstlerischer Leiter, Komponist 

Hannah Dienes-Williams: Sopran

Ensemble Utak:

Cara Dawson, Harfe

Ingvild Ness – Flöte

Anna Jurriaanse, Viola

Gastsolisten:

James Girling, Gitarre, E-Bass und Viola Caipira  

Emilia Turkanik,  Violine

Stefano Cucuzzella, Cello

Dinorá de Carvalho (1895–1980) [arr. Marino Arcaro]
suite der späteren werke: anguish fire water, op.26b (arr. 2025-26)
drei Stücke, komponiert zwischen 1963 und 1972, für Sopran und sechs Solisten *

Tomás Brantmayer (1992–)
Mamihlapinatapai (2022)
für Flöte, Harfe und Viola **

Sofía Alvarez (1991–)
M.A.N.-T.R.A. 5.0 (2023)
für Violine und Viola **

Dinorá de Carvalho [arr. Marino Arcaro]
suite der volksweisen: play sleep / sleep play, op.26a (arr. 2025-26)
vier Stücke, komponiert zwischen 1948 und 1955, für Sopran und sechs Solisten *

R. Marino Arcaro (1990–)
what i learned from manoel de barros: / o que aprendi com manoel de barros:, op.28 (2026)
for Sopran und sechs Solisten * [MusikFonds-Auftragswerk]

Carlos Chávez (1899–1978)
Invention III (1967)
für Soloharfe **

A. García Caturla (1906–1940) [arr. Marino Arcaro]
zwei afrocubanische lieder, wwo.5 (arr. 2026)
zwei Lieder, komponiert zwischen 1927 und 1931, für Sopran und fünf Solisten *

* Weltpremiere
** Deutschlandremiere

Rafael Marino Arcaro

Der brasilianische Komponist Rafael Marino Arcaro, der zwischen Berlin und London lebt und arbeitet, erhielt Aufträge vom London Symphony Orchestra und dem London Philharmonic Orchestra, die seine Werke auch zur Uraufführung brachten. Als ehemaliger Student George Benjamins spiegelt seine Musik sowohl seine ländliche Kindheit im Bundesstaat São Paulo als auch die Auseinandersetzung mit seiner brasilianischen künstlerischen Identität wider.

Rafael ist derzeit einer der Finalisten des 80. Internationalen Kompositionswettbewerbs des Concours de Genève 2026

Brazilian composer Rafael Marino Arcaro, based between Berlin and London, has been commissioned and premiered by the London Symphony Orchestra and the London Philharmonic Orchestra. A pupil of George Benjamin in London, his music reflects his rural upbringing in São Paulo and an exploration of Brazilian artistic identity.

Rafael is currently one of the finalists in the 80th Concours de Genève Internationational Composition Competition 2026.

Hannah Dienes-Williams

Die britische Sopranistin Hannah Dienes-Williams ist spezialisiert auf zeitgenössische Musik

Hannah die europaweit als Solistin und Ensemblesängerin tätig ist schloss ihr Masterstudium an der Royal Academy of Music mit Auszeichnung ab, wo sie für ihr Abschlusskonzert mit dem DipRam, dem Edlee-Preis für Gesang sowie dem Edwin-Samuel-Dove-Preis ausgezeichnet wurde, der aus dem gesamten Akademiestudium ausgewählt wurde.

Ab 2026 ist sie „Equilibrium Young Artist“, gefördert von Barbara Hannigan.

Zu ihren zukünftigen Engagements zählen eine Deutschlandtournee mit einer eigens für sie komponierten Uraufführung, zwei neue Solokonzerte sowie eine Rückkehr zu den Salzburger Festspielen mit Cantando Admont und PHACE.

Hannah Dienes-Williams is a London based soprano working across Europe as a soloist and ensemble singer, specialising in contemporary music.

She graduated with Distinction in her MA from the Royal Academy of Music, where she was awarded the DipRam for her final recital, the Edlee Prize for Singing and the Edwin Samuel Dove Prize, selected from the whole of the Academy. From 2026 she is an Equilibrium Young Artist, sponsored by Barbara Hannigan.

​Future engagements include a tour of Germany featuring a premiere written for her, two new solo shows and returning to Salzburger Festspiele with Cantando Admont and PHACE.

Ensemble Utak

Das in Berlin ansässige Ensemble Utak (Flöte, Viola, Harfe) ist bekannt für seinen feinsinnigen, lebendigen Klang und seine ideenreiche Programmgestaltung.

2024 wurde Ensemble Utak in die Young Ensemble Academy des Ensemble Modern aufgenommen. Gemeinsam mit Gastsolisten an Gitarre, Violine und Violoncello wird dieses besondere Konzert auf deutsche Bühnen gebracht.

Rafael Marino Arcaros Violinkonzert, Op. 14, (Kate Oswin - Violin) wurde 2022 vom London Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Brett Dean in der Queen Elizabeth Hall in London uraufgeführt. Weitere Musik von Marino Arcaro ist hier zu finden

HER:
itage

HER:itage

bringt drei außergewöhnliche Musikerinnen zusammen und verbindet klassische Musik, Jazz und Singer-Songwriter Elemente zu einem genreübergreifenden Konzerterlebnis.

Die polnische Mezzosopranistin Marta Wryk, die deutsch-afghanische Jazzsängerin und Komponistin Simin Tander und die Pianistin Sina Kloke treffen auf Werke von Komponistinnen aus verschiedenen Zeiten und Kulturen und bringen sie in einen neuen musikalischen Dialog.

So macht HER:itage marginalisierte Stimmen der Musikgeschichte sichtbar und verbindet sie mit aktuellen Perspektiven.

HER:itage

brings together three extraordinary female musicians and blends classical music, jazz, and singer-songwriter elements into a cross-genre concert experience.

Polish mezzo-soprano Marta Wryk, German-Afghan jazz singer and composer Simin Tander, and pianist Sina Kloke explore works by female composers from different eras and cultures, bringing them into a new musical dialogue.

In this way, HER:itage brings marginalized voices from music history to the forefront and connects them with contemporary perspectives.

Konzertbeginn: 20:00h // Einlass: 19:00h

Eintrittspreise:

25 € (Normalpreis, Solidarzuschlag möglich = 30€)

15 € (Ermäßigt ohne Nachweis)

5 x kostenlos (Solidarität-Tickets, ohne Nachweis)

Karten-Reservierung per mail empfohlen (Tickets an der Abendkasse):

kontakt@o-ton.koeln

Sina Kloke // Pianist:in

“A magnificent pianist” (Fono Forum)

Pianist Sina Kloke performs regularly on international stages. Highlights of her young career include concerts at the Elbphilharmonie in Hamburg, the Tonhalle in Düsseldorf, the Philharmonie im Gasteig in Munich, the Semperoper in Dresden, Carnegie Hall in New York, the Konzerthaus in Berlin, the Musikverein in Vienna, and the KKL in Lucerne. She is a regular guest at major festivals such as the Schleswig-Holstein Music Festival, the Beethovenfest in Bonn, the Moritzburg Festival in Dresden, and the George Enescu Festival in Bucharest.
As a versatile artist, she is active not only as a soloist but also as a sought-after chamber music partner, collaborating with members of the Vienna Philharmonic, the WDR Symphony Orchestra, and the Staatskapelle Dresden, among others.
For the upcoming 2026/27 season, she is scheduled to make her debut at venues including the Vienna State Opera as part of the Vienna Philharmonic’s chamber music series.

In addition to her concert activities, Sina Kloke regularly serves as a juror at international competitions and gives master classes.

She studied piano with Pavel Gililov and Arbo Valdma (HfMT Cologne) as well as Matti Raekallio (The Juilliard School, New York).

The pianist’s artistic work is characterized by a particular interest in innovative concert formats and socially conscious programming. The press describes her unconventional concepts as an enrichment to contemporary concert life.

Together with mezzo-soprano Marta Wryk and jazz singer Simin Tander, the pianist is committed to raising the profile of female composers.

Her commitment—including her work for UNICEF and in refugee aid—as well as the founding of the association “Glow Up · Strengthening Democracy” and her artistic direction of the eponymous democracy festival, which combines culture with political education, underscore her belief that art should be understood not only as a creative force but also as a social one.

Marta Wryk // Mezzosopranistin

After her successful American debut as Aglaonice in Philip Glass’ Orphée at the Virginia Opera in 2011, young Polish mezzo-soprano Marta Wryk came to the attention of European audiences and the press when she stepped in the role of Smeton in Anna Bolena at Oper Köln. Critics praised her for having “the most promising voice with spectacular high notes” (ResMusica) and for her “remarkable Italianitá” (Der neue Merker). While still a member of the Oper Köln Opera Studio, she was featured in several leading roles, including Cherubino in Le Nozze di Figaro, Hänsel in Hänsel und Gretel, Oberto in Alcina and Gianetta in L’elisir d’Amore. She then joined the ensemble of Oper Köln and added to her reportoire the roles of Mercédès in Carmen, Second Lady in The Magic Flute and Laura in Tschaikovsky’s Jolantha. For her guest appearance in the demanding role of Ascanio in Berlioz’s Benvenuto Cellini at Oper Bonn in November 2015, she received great critical acclaim, being called “the astonishment of the evening” (Der Neue Merker) and “a singer at a start of a remarkable career” (Kölner Stadtanzeiger).
She has since sung numerous operatic roles while also enjoying a successful concert career which took her to concert venues such as Concertgebouw Amsterdam, Philharmonie Luxembourg, Düsseldorf Tonhalle, Kölner Philharmonie, Polish National Radio Symphony Orchestra Concert Hall in Katowice and Symphony Space in New York.

Simin Tander // Singer/Vocalist

Award winning and ECM recording artist Simin Tander is one of the most amazing voices in European jazz; she „balances on the boarders of pain and beauty, of gracefulness and passion.“ (Augsburger Allgemeine Zeitung, GE) and sings with an intensity that is rare to find.
With her enchantingly tender and equally expressive voice Simin builds bridges between occidental jazz and arabesque-like vocal flights, between rich songwriting and freely improvised textures. She draws a fascinating route to her Mid- Eastern heritage by also singing in Afghaani / Pashto, the language of her late father.
After a number of international festivals and two highly acclaimed albums with her former Dutch quartet, Simin Tander released her joint ECM record „What was said“ (Annual German Critics Award, 2016) with star pianist Tord Gustavsen and toured the world.

Her current project „Simin Tander new quartet: Unfading“ (Jazzhaus Records) combines rich songwriting with female poetry from Afghanistan and elsewhere, paying homage to inspiring, creative women across cultures and epoches, performed by a quartet of 4 exceptional musicians. Simin’s unique approach to vocal improvisation remains a trademark of hers. Echoing her rich cultural heritage and creating her own language- full of life-enhanced freedom. The result is „utterly hypnotic (…) highly unconventional“ (*****Concerto, AUT) and „extraordinary beautiful“(Norwegian Financial Times).

Simin teaches jazz & pop vocals at the „Hochschule für Musik Köln“, Germany and gives worldwide workshops.

Gefördert durch Mittel des Generalkonsulats Polen

Im Oktober 2025 gab Tamara Lukasheva bei uns im o-ton ein inniges und berührendes Konzert bei dem sie Ihre Vertonungen von Rilke-Texte vorstellte. Wir haben das Konzert für sie aufgenommen und nun hat sie im Mai 2026 die Aufnahmen veröffentlicht:

"Rilke.Vertont.Solo" das auf dem Label "Wolfhunter" auf Bandcamp erscheint.

Wir freuen uns sehr über diese Veröffentlichung! Ihre sehr feinsinnigen und gefühlvollen Vertonungen und Ihre oft zarte, nuancierte und immer hoch-musikalische Gesangs- und Interpretationskunst entfaltet auch auf diesem Album ihren eigenen Zauber.

RILKE VERTONT.SOLO hier auf Bandcamp

Hans-Jürgen Linke // Jazzthetik 2026:

„Rilke. Jeder kennt den Panther, aber wer weiß schon, dass Rilke improvisiert hat? Zumindest behauptet das der Sammeltitel Improvisationen aus dem Capreser Winter für eine Sequenz titelloser Gedichte. Es sind Gedichte, die größte Aufmerksamkeit auf Klang und Rhythmus richten. Tamara Lukasheva ist dieser Spur gefolgt und hat kundig gewählte Passagen aus Rilkes Improvisationen vertont.
Sie begleitet sich selbst am Klavier, findet Melodien für Verse oder spricht sie unbegleitet, mit präziser Intonation und ohne feierliches Pathos. Sie findet Annäherungen und Verbindungen von Klang und Bedeutung, die für sie eine sekundäre  Unmittelbarkeit bekommen.
Innenlebenssätze wie Und wir: Zuschauer, immer überall, / dem allen zugewandt und nie hinaus!“ haben im Ausdruck ihrer persönlichen Interpretation ganz eigene Gewichte und Perspektiven. Im Dezember steht Rilkes 100. Todestag an.

Dieses Album öffnet und bietet neue Blicke auf Gedichte eines ruhelosen Menschen aus dem Jahrzehnt, bevor er gezwungen wurde, Kriegsteilnehmer zu werden.“

Musik - Tamara Lukasheva
Text - Rainer Maria Rilke
25.10.2025 Live @o-ton Studio, Köln
Recording - Andreas Hanten
Mix & Master - Jonophon Aufnahmen
Erschienen auf Bandcamp // Label: "Wolf Hunter" music

AEQUORA

ist das neue, kammermusikalische Jazz-Quartett um die Komponistin und Pianistin Brigitte Angerhausen.


"In einem organischen Spannungsfeld zwischen klarer komponierter Struktur und freier Improvisation entfaltet das Ensemble einen eigenständigen Klangkosmos – geprägt von lyrischem Jazz sowie klassischer Musik, Rhythmen jenseits des Viervierteltakts, Mehrstimmigkeit, freien Klangflächen und spontanen Dialogen.


Die Musik von Aequora ist fließend und kraftvoll zugleich, variiert zwischen filmischen Stimmungen von spannungsgeladen bis extrem sanft und zart hin zu weiten Klanglandschaften. Sie spürt Resonanzen des gegenwärtigen Weltgeschehens ebenso nach wie Strömungen der Natur,
sucht nach Momenten, in denen Klang zu einer Form zwischenmenschlicher Verständigung wird.
"

Saxophon: Peter Dahm
 // Violoncello: Ulrike Zavelberg
 // Percussion: Till Menzer
 

Piano/Komposition: Brigitte Angerhausen

Konzertbeginn: 20h // Einlass: 19h

Eintritt: 20 € (Normalpreis / Solidar-Aufschlag willkommen)

Ermässigt 10 € (ohne Nachweis)

Solidarplätze: 0 € (freier Eintritt ohne Nachweis - begrenzt auf 10 Plätze )

Vorreservierungen per mail wird empfohlen: brigitte@angerhausen.org

Das Konzert wird live in Bild und Ton aufgezeichnet

AEQUORAs weitere Konzert Termine :

18.4. Düsseldorf, 16 Uhr Residenz, Schlosspark

18.4. Düsseldorf 19 Uhr Residenz, Paulushaus

19.4. Düsseldorf, 17Uhr Residenz, Grafenberg

05.5. Spiekeroog, 20 Uhr Kursaal

07.5. Bremen, 20 Uhr Westend

09.5. Köln, 20 Uhr o-Ton

10.5. Hürth, Matinee 11 Uhr gelbe Villa

T I E D E M A T O S

Yaniel Matos - Cello Piano Vocals
Gunther Tiedemann - Cello

"Kubanischer Frohsinn trifft rheinischen Tiefsinn – oder umgekehrt."

Konzert und live Recording Samstag 7. März im o-ton

Konzertbeginn 19 // Einlass: 18h

Tickets 15€ (nur an der Abendkasse)

Eine Vorreservierung per mail wird empfohlen: mail@gunther-tiedemann.de

Das Duo Yaniel Matos und Gunther Tiedemann verbindet zwei musikalische Welten, zwei Biografien und eine gemeinsame Neugier auf Klang, Rhythmus und Ausdruck. Kennengelernt haben sich die beiden 2017 beim New Directions Cello Festival in Ithaca (New York). Aus der sofortigen persönlichen und musikalischen Sympathie entwickelte sich eine kontinuierliche Zusammenarbeit, u. a. beim Rio Cello Festival in Brasilien sowie in verschiedenen Projekten in Deutschland. Im Duo tiedematos treffen eigene Kompositionen auf neu interpretierte Stücke anderer Herkunft. Südamerikanische Klangfarben begegnen Jazz und Rock – offen, furchtlos und mit persönlicher Handschrift. Das Violoncello steht dabei im Zentrum, erweitert durch Piano und Gesang, rhythmisch, melodisch und überraschend vielseitig. Ein Duo, das Dialog statt Stilpflege betreibt – lebendig, vielschichtig und unmittelbar.

Yaniel Matos, geboren in Santiago de Cuba und lange in Brasilien lebend, bringt Einflüsse afro-kubanischer und brasilianischer Musik ebenso ein wie eine europäisch geprägte Ausbildung. Gunther Tiedemann ergänzt diese Perspektive mit seinem tief verwurzelten, suchenden Zugriff auf das Cello. Gemeinsam entsteht Musik, die Grenzen überschreitet und Räume öffnet.

Gunther Tiedemann ist Cellist, Komponist, Arrangeur, Ensembleleiter, Dozent, Autor und Produzent. Konzerte führten ihn durch Europa, USA, Brasilien, West-Afrika und Pakistan. Er spielt als Solist Konzerte mit renommierten Jazz- und Sinfonieorchestern. Darüber hinaus arbeitete er bereits mit so unterschiedlichen Musikern wie Markus Stockhausen, Ernst Reijseger, Jeremy Harman, José Feliciano, Nelly Furtado und weiteren Duos mit Thomas Rückert, David Plate und Michael Villmow (Kreuzüber Bach). In Köln geht er zudem vielen Lehrtätigkeiten nach.

Treffen sich eine Ondistin und ein Palmwedler – im o-ton!

Was sich anhört wie ein skurriles Wortspiel, ist ein spannendes, einzigartiges, experimentelles Aufeinandertreffen von zwei außergewöhnlichen Musikern und Klangtüftlern.

Cécile haben wir bei Proben des Neue Musik-Ensembles Emex im o-ton kennen und schätzen gelernt. Sie beherrscht ein weltweit einzigartiges und seltenes Instrumentarium u.a. das  „Onde Martenot“ und spielte als gefragte Interpretin bereits mit so renommierten Ensembles wie den Wiener Philharmonikern, dem Boston Symphony Orchestra und den Berliner Philharmonikern. Wir konnten Cécile im Januar 2024 für ein eigenes Konzert im o-ton gewinnen, bei dem sie dann unsere Zuhörer im Saal mit Ihrem aussergewöhnlichem Spiel in Staunen versetzte. 

Zum Schluss Ihres Konzerts bei uns haben wir ihr damals noch den befreundeten Musiker und Instrumentenerfinder Andreas Oskar Hirsch vor- und an die Seite gestellt und es ergab sich ein sehr feines, spontanes „Pas de deux“ der beiden auf ihren so selten gehörten, originellen Instrumenten.

Fast auf den Tag genau zwei Jahre später verabreden sich nun die beiden Klangkünstler, um ein gemeinsames Album-Projekt zu entwickeln und aufzuführen:

Am Dienstag den 20.01.2026 gestalten sie – exklusiv nur bei uns im o-ton – ihr erstes gemeinsames Konzert:

Musik an der Schnittstelle zwischen zeitgenössischer Musik und experimenteller Improvisation, performt auf den eventuell seltensten (und originellsten) Elektro-akustischen Instrumenten des Planeten.

Wir raten interessierten Menschen: nicht verpassen und besser vorher Karten reservieren.

Das „Onde Martenot“, auch „onde musicale“ genannt, ist ein frühes elektronisches Musikinstrument, das 1928 von Maurice Martenot erfunden wurde. Es bezaubert bis heute mit seinen „musikalischen Wellen“ vor allem als feines elektro-akustisches Erlebnis. Cécile Lartigau die darauf sowohl Neue Musik-Werke aufführt als auch improvisiert gehört zu den ganz wenigen „Ondisten“ weltweit.

Der Musiker und Instrumentenerfinder Andreas Oskar Hirsch entwickelt seit vielen Jahren selbst eigenwillige Instrumente wie das „Carbophon“ oder den „elektrifizierten Palmwedel“ Die eigenen Instrumente bieten ihm besondere und  eigenständige musikalische Ausdrucksmöglichkeiten jenseits von bekannten Instrumenten und herkömmlichen Klangerzeugern.

Dienstag 20.1.2026

Beginn: 19:00h // Einlass 18:00h

Eintritt 12€ / 10€

Karten-Vorreservierung wird dringend empfohlen

per mail an: info@makiphon.de  

Cécile Lartigau

A rare ondist with a singular path, Cécile Lartigau positions her work at the crossroads of contemporary music, experimental improvisation, and the great orchestral repertoire. A sought-after performer, she has appeared alongside prestigious ensembles including the Vienna Philharmonic, Boston Symphony Orchestra, Berlin Philharmonic, Filarmonica della Scala, Israel PhilharmonicOrchestra, Orchestre symphonique de Montréal, and Orchestre de la Suisse Romande, Orchestre National du Capitole Toulouse — under the baton of conductors such as Vasily Petrenko, Esa-Pekka Salonen, Andris Nelsons, Tarmo Peltokoski, Simone Young, Maxime Pascal and Bertrand de Billy. In 2024, Cécile recorded Olivier Messiaen’s Turangalîla-Symphonie for Deutsche Grammophon - an album recently nominated for the Grammy Awards in the Best Orchestral Performance category.

Alongside her orchestral work, she is deeply engaged in cross-disciplinary projects combining music, performance, theatre, and video. From 2018 to 2025, she participated as an improviser in Heiner Goebbels’ major production Everything that happened and would happen, a hybrid stage work that toured across Europe, as well as New York, Saint Petersburg, and Taipei.

Cécile Lartigau also maintains a rich solo and chamber music career. She regularly performs in a trio for piano, ondes Martenot, and percussion, as well as in a duo for ondes and voice, exploring a repertoire that bridges past and present, often enriched by new commissions. She brings rigor and inventiveness to the defense of singular musical forms at the intersection of aesthetics.

She collaborates regularly with specialized ensembles such as Le Balcon and the Emex Ensemble, as well as with contemporary composers. With Emex, she recorded Pièces de chair II by Sylvano Bussotti for Deutschlandfunk Genuin, reflecting her commitment to avant-garde music and the revival of rarely heard works. She also contributed to the rediscovery of the first known piece for ondes Martenot and orchestra, a Poème Symphonique by Dimitri Lévidis.

Through her work, she champions a vibrant and forward-looking vision of the ondes Martenot — one deeply rooted in the music history of the 20th century and firmly oriented toward the artistic practices of tomorrow.

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Andreas Oskar Hirsch

Andreas Oskar Hirsch is a musician, instrument inventor, visual artist and producer. With his homemade instruments and the use of various effects pedals, Hirsch creates a playful space between electroacoustics, experimental electronics, downbeat and non-Western influences. In addition to the Elektrifizierter Palmwedel, a microphoned palm leaf whose thorns can be plucked, Hirsch developed the Carbophon, another electroacoustic plucked instrument that takes up and continues the principle of the African mbira or zanza. Hirsch is one third of the trio The Knob, The Finger & The It and, together with Patricia Koellges, runs makiphon, a label for experimental music and artist records, on which his album The Salamander Treaty was recently released.

In a musical landscape of endless plagiarism, re-appropriation and heavy-handed sampling it’s gotta be difficult for any artist to find their voice. Hirsch continues to fly well under the radar but his practice of inventing his own instruments (Carbophone, Electrified Palm Leaf) maintains a sound that’s both distinctive and recognisable. (…) Hirsch manages to inject a sense of fun, almost humour (!) into this music which would undeniably pair well with any lysergic accompaniment of your choosing. A perfect oneway ticket to an exotic imagery land where a different type of lizard is in charge.
All Night Flight Records (UK)

His style could be described as belonging to that small but vital niche of music that sounds as it were the folk music of a lost civilization, a kind otherworldly post-industrial music (…) It is as much science fiction as it is something from the ancient past, and is so vividly evocative that it becomes a soundtrack without an actual film required. Josh Landry / musiquemachine.com (UK)

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What sounds like a whimsical play on words is actually an exciting, unique, and experimental collaboration between two extraordinary musicians and sound innovators.

We got to know and appreciate Cécile during rehearsals of the contemporary music ensemble Emex at o-ton. She masters a range of instruments that is unique and rare worldwide, including the “Onde Martenot,” and as a sought-after performer has already played with such renowned ensembles as the Vienna Philharmonic, the Boston Symphony Orchestra, and the Berlin Philharmonic. In January 2024, we were able to secure Cécile for a solo concert at o-ton, where she amazed our audience in the hall with her extraordinary playing. 

Ce qui ressemble à un jeu de mots fantaisiste est en réalité une rencontre passionnante, unique et expérimentale entre deux musiciens et expérimentateurs sonores hors du commun.

C'est lors des répétitions de l'ensemble de musique contemporaine Emex à l'o-ton que nous avons fait la connaissance de Cécile et appris à l'apprécier. Elle maîtrise un répertoire d'instruments unique et rare au monde, notamment l'« Onde Martenot », et, en tant qu'interprète très demandée, elle a déjà joué avec des ensembles aussi prestigieux que l'Orchestre philharmonique de Vienne, l'Orchestre symphonique de Boston et l'Orchestre philharmonique de Berlin. Nous avons réussi à convaincre Cécile de donner son propre concert à l’o-ton en janvier 2024, où elle a émerveillé notre public par son jeu exceptionnel. 

Was sich anhört wie ein skurriles Wortspiel, ist ein spannendes, einzigartiges, experimentelles Aufeinandertreffen von zwei außergewöhnlichen Musikern und Klangtüftlern.

Cécile haben wir bei Proben des Neue Musik-Ensembles Emex im o-ton kennen und schätzen gelernt. Sie beherrscht ein weltweit einzigartiges und seltenes Instrumentarium u.a. das  „Onde Martenot“ und spielte als gefragte Interpretin bereits mit so renommierten Ensembles wie den Wiener Philharmonikern, dem Boston Symphony Orchestra und den Berliner Philharmonikern. Wir konnten Cécile im Januar 2024 für ein eigenes Konzert im o-ton gewinnen, bei dem sie dann unsere Zuhörer im Saal mit Ihrem aussergewöhnlichem Spiel in Staunen versetzte. 

recorded live 2026@o-ton.koeln // Audio Recording : Andreas Hanten // Video recording: Heiko Specht // Montage: A.Oskar Hirsch // Fotos: Stefan Döring

Wir freuen uns, mit unseren musikalischen Freunden Gunther und Thomas, die bei uns letztes Jahr nicht nur schöne Live-Konzerte (unter Ihren Pseudonymen "Tiedemann & Rückert") gespielt haben, sondern gleich beim allerersten „Flügel-Ausprobieren" so inspiriert aufgespielt haben, dass daraus auch ein CD-Projekt entstanden ist. Ihre CD "CON ALMA" ist nun knapp ein Jahr später, heute am 1.12.2025, erschienen. Wir gratulieren!

Live aus dem o-ton!

Gemastert hat das Ganze die famose Brigitte Angerhausen, die erst vor kurzem selbst hier bei uns im o-ton ein schönes Konzert gegeben hat. Roger Hanschel, der wiederum auch hier seine "VOTUM"-CD (mit Barbara Schachtner) selbst eingespielt hat, hat die schönen Fotos dazu gemacht…

Mehr Musikerteamarbeit geht fast nicht. Klasse.

Music for Cello and Piano

live recording at o-ton Köln 23 06 2024

recording and mixing: Gunther Tiedemann

mastering: Brigitte Angerhausen

cover art: FUXSTUDIO Art&Design, Lukas Hoefer

artist photo: Roger Hanschel

© 2025 Gunther Tiedemann, Thomas Rückert | CD published 01 12 2025 |

streaming and download: single Olha Maria album.link | website

"Gunther Tiedemann und Thomas Rückert spielen ‒ bedacht kühn ‒ ihre eigene Musik zwischen freien, unmittelbaren Improvisationen und Kompositionen. Sie sind verwurzelt in der Jazztradition und werfen einen tiefen Blick in die traditionelle und zeitgenössische Musik ihrer und anderer Welten. Sie lassen sich von den vier großen "I" leiten: Intuition, Improvisation, Intimität, Impression. Und den drei großen "K": Klang, Kühnheit, Kontakt. Und den zwei großen "E": Expression, Energie. Und zur passenden Zeit von dem einen großen "G": Groove..."

Brigitte Angerhausen – Klavier | Holger Bleck – Bassklarinette

Das Duo h2BA entwickelt Musik im Spannungsfeld von Komposition und  Improvisation. Im Zentrum steht nicht das Werk als feste Form, sondern dessen Entstehung im Moment – als hörbarer Prozess zwischen Struktur, Klang und Interaktion. Brigitte Angerhausen und Holger Bleck verfolgen einen Ansatz, in dem kompositorische Setzungen und offene Prozesse gleichwertig nebeneinanderstehen. Ausgangspunkte sind reduzierte Materialien sowie Bezugnahmen auf Motive oder Werke alter und neuer Musik: Intervalle, rhythmische Felder und klangliche Texturen, die im Spiel weiterentwickelt, verdichtet oder bewusst offengehalten werden.

Das aktuelle Programm „Time unfolding“ begreift Musik als eine hörbare Erfahrung. Die Stücke entwickeln sich nicht linear, sondern in Zuständen, Übergängen und Verdichtungen. Form ergibt sich aus der Wahrnehmung von Dauer, Veränderung und Stillstand. Die klangliche Anlage des Duos nutzt die Nähe und Differenz von  Klavier und Bassklarinette: mal unterstützen sich die beiden Instrumente in ihrer nuancenreichen Bandbreite und Dynamik, mal treten sie in einen
spannungsvollen Kontrast. Die dichten, mehrstimmigen Klangräume des Klaviers verbinden sich mit dem atemgetragenen, lebendigen Ton der Bassklarinette zu einem vielschichtigen Klangspektrum – von stark reduzierten, leisen Passagen bis zu dichten, komplexen Strukturen.

Konzertbeginn: 20h Einlass 19h Eintritt Frei Vorreservierungen empfohlen per mail: kontakt@o-ton.koeln

Tamara Lukasheva, die mehrfach preisgekrönte Sängerin, Instrumentalistin, Komponistin und Improvisatorin, wird bei uns zu Gast sein: Am 25. Oktober wird sie hier einen außergewöhnlichen Solo-Abend mit einem Doppelkonzert bei uns gestalten, der in Bild und Ton aufgezeichnet wird.

"Wie wenn ich, unter Hundertem, mein Herz, das überhäufte, lebend wiederfände und wieder nähm ich es in meine Hände, es findend unter Hundertem, mein Herz:
und hübe es hinaus aus mir, in das, was draußen ist, in grauen Morgenregen, dem Tage hin, der sich auf langen Wegen besinnt und wandelt ohne Unterlaß,
oder an Abenden, der Nacht entgegen der nahenden, der klaren Karitas . . ."

Aus: „Improvisationen aus dem Capreser Winter“ // Rainer Maria Rilke, Capri, Dezember 1906 und Februar 1907

Tamara spielt an diesem Abend zwei separate Konzerte á 45 min

Konzert 1: 18h // Einass 17h

Konzert 2:  20h

Eintritt: 5€

Reservierungen/Vorbestellungen: tamara.lukasheva@gmail.com

Ort: o-ton // Kyllstrasse 7a // 50678 Köln

Im lyrischen Werk von Rainer Maria Rilke nehmen dessen „Improvisationen aus dem Capreser Winter“ eine Sonderstellung ein. 1906 und 1907 auf Capri geschrieben, nimmt dieser Verszyklus die kurz darauf entstandenen „Ding-Gedichte“ Rilkes aber keineswegs vorweg, sondern versucht, über den Klang des gesprochenen Wortes den Sinn des Gesagten erfassen zu lassen; dafür braucht es keinen Intellekt, nur Intuition und Emotion zählen. Auch und gerade deshalb ist dieses Gedicht ein Geschenk für eine Improvisationskünstlerin wie Tamara Lukasheva. Auch dieser in Köln lebenden, 1988 im ukrainischen Odessa geborenen Sängerin und Pianistin geht es oftmals darum, mit der Stimme hinter die Dinge zu kommen und zur ursprünglichen Bedeutung einer Sache zu gelangen. Ihr Gesang ist Mittler und Medium zugleich. Die Person Tamara Lukasheva tritt in den Hintergrund, um den Wesenskern und das Grundlegende in den Versen Rilkes allein durch das Timbre der Stimme zu erfahren – pur, rein und echt.

As a composer, singer, and instrumentalist, she is an artist of the highest calibre who lives and loves music in all its facets. With her works, she creates captivating and profound soundscapes that take all listeners on an emotional journey. Her compositions are a mixture of creativity, innovation, and technical sophistication. They expand the boundaries of music and explore new horizons, but Tamara Lukasheva is not only impressive as a composer. With her extraordinary voice, which can sound both powerful and delicate, she imbues her songs with a magic all of their own. She tells stories that move us all, travelling through the world full of curiosity and with alert senses. Music is her mother tongue — and her means of processing impressions, encounters, everyday life, and world events. And to create something new that in turn touches other people; across borders and musical categories. Tamara Lukasheva was born in Odessa, Ukraine, in 1988. Between 2003 and 2007, she studied at the conservatory in Odessa, and between 2010 and 2015 at the University of Music and Dance in Cologne, where she now lives.

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Gefördert durch

Beauty,

Nevertheless.

Gesten - Kreise - Zirkulationen. Mutationen, Evolution und Osmose. Klangbilder von schlichter Schönheit – als ästhetische innere Resilienz

Wenn sich zeitgenössische klassische Musik mit einem anderen musikalischen Universum verbindet, entsteht etwas Neues. So trifft das catinblack ensemble auf den renommierten Kontrabassisten Sebastian Gramss. Gemeinsam entwickeln sie ein Programm zwischen Jazz, Improvisation und Neuer Musik, das Grenzen auflöst und neue Räume eröffnet.

In einer Welt voll abgründigem Lärm und entgleitender Parallelwelten setzt das Trio catinblack zusammen mit dem Kölner Kontrabassist und Komponist Sebastian Gramss einen klanglichen Gegenpol zum hirnverbrannten Overload, der uns alle täglich umgibt.

 Freitag, 12. September, Beginn: 20h

Einlass: 19h

Werkstattkonzert mit Aufzeichnung (Bild+Ton)

o-ton Saal 50678 Köln //Kyllstraße 7A

Eintritt frei

Um 15.30h sowie 17h finden öffentliche Generalproben statt (mit Aufzeichnung) der Eintritt ist ebenfalls frei

Das catinblack ensemble begann im Jahr 2020 seine musikalische Reise als Ensemble von Studierenden der Folkwang Universität der Künste in Essen. Der Zusammenschluss der Bratschistin Sofia von Atzingen, der Cellistin Ema Grčman und des Kontrabassisten Javad Javadzade ist geprägt von dem Wunsch, sich dem Musizieren auf höchstem Niveau sowie der Auseinandersetzung mit großen Künstlern und Themen unserer Zeit zu widmen.

Ihre ersten Auftritte absolvierten sie bereits bei bekannten Festivals wie NOW! Festival 2021. Im selben Jahr wurden sie für ein Konzert mit WDR-Livemitschnitt in der Reihe „WDR 3 Campus Konzerte” ausgewählt. Bei diesem Konzert führten sie ein neues Werk von Olga Rayeva urauf. In den Jahren 2022 und 2023 wurde das Ensemble vom Musikfonds für das NEUSTARTKULTUR-Programm „FEB-II und FEB-III – Förderung für Ensembles und Bands” ausgewählt. Im Jahr 2022 erhielten sie ein neues Werk der weltweit renommierten Komponistin Elena Firsova. 2023 uraufführte das Ensemble das Konzertstück „being-sent für singendes tief Streichtrio”, das der Komponist Jonah Haven für sie geschrieben hatte. In den Jahren 2023/2024 beteiligte sich Catinblack an Aufnahmen am IRCAM in Paris für das Werk „POETICA” von Chaya Czernowin. Im April dieses Jahres waren sie „Residence Ensemble” bei der Harvard Group for New Music (HGNM) an der Harvard University in Boston.

Für das Programm „InSzene” des Deutschen Musikrats gGmbH „Podium Gegenwart” wurde catinblack als eines der unterstützten Ensembles für das Jahr 2025 ausgewählt. Dieses Programm fördert Nachwuchsensembles, die sich auf zeitgenössische Musik spezialisiert haben.

Den drei neugierigen Musikern liegt viel daran, mit neuen Konzertformaten und -konzepten zu experimentieren und mit zeitgenössischen Künstlern zusammenzuarbeiten, um neue Klangwelten zu erschaffen.

Sofia von Atzingen

Sofia von Atzingen studierte Bratsche an der UFMG in Belo Horizonte/Brasilien und an der Musikhochschule Karlsruhe. Ihre Begeisterung für zeitgenössische Musik führte sie zum Masterstudium Neue Musik bei Barbara Maurer an der Folkwang Universität der Künste und zur Promotion über die Solosonate für Viola von B. A. Zimmermann an der Bundesuniversität von Minas Gerais (UFMG). Von 2016 bis 2018 unterrichtete sie als Professorin für Bratsche an der Staatlichen Universität Minas Gerais (UEMG) in Brasilien. Sie trat als Bratschistin und Performerin mit dem Ensemble Kollektiv3:6Koeln beim Kompositionswettbewerb des Festivals ACHT BRÜCKEN (Köln), bei der Langen Nacht der Neuen Musik (LNNM) in Düsseldorf, bei Konzerten des NOW! Festivals für Neue Musik in Essen und beim Festival Tanz im August in Berlin auf. Sie ist Gründungsmitglied des ensemble catinblack und seit 2022 Bratschistin des ensemble recherche.

Ema Grčman

Javad Javadzade

Er studierte an der Uzeyir Hajibeyli Baku Music Academy und absolvierte anschließend sein Master- und Konzertexamen an der Folkwang Universität der Künste in Essen bei Prof. Niek de Groot. Im Rahmen seines Konzertexamens spielte er die Uraufführung von Elena Firsovas Kammerkonzert für Kontrabass und Streicher mit den Bochumer Symphonikern und gab ein Rezital mit neuen Werken von Michael Edwards, Tamon Yashima, Günter Steinke und Sebastian Gramss.

Javad wurde zweimal für die Reihe WDR 3 Campus Konzert ausgewählt: 2020 mit einem Soloprogramm zeitgenössischer Werke für Kontrabass und 2021 mit seinem Trio dem catinblack ensemble, unter anderem mit der Uraufführung von Metamorphosen von Olga Rayeva.

2016 gewann er den ersten Preis beim 18. Internationalen Musikwettbewerb EUTERPE in Corato. Sein Debüt-Solo-Album Shadow Play mit Musik aserbaidschanischer Komponisten für Solokontrabass erschien 2022. Javad war Solobassist des Staatlichen Symphonieorchesters von Aserbaidschan und des Philharmonischen Orchesters von Georgien. Seit 2024 ist er Solokontrabassist des Folkwang Kammerorchesters Essen.

Sebastian Gramss

Sebastian Gramss ist ein Kölner Komponist und Kontrabassist, der seit Jahrzehnten als stilprägende Figur im Grenzbereich zwischen zeitgenössischer Musik, Kammermusik und Avantgarde-Jazz gilt. Die Frankfurter Rundschaubezeichnete ihn als „Mastermind“ der deutschen Musikszene (Hans-Jürgen Linke).

Er studierte Komposition und Kontrabass in Amsterdam und an der HfMT Köln (1989–1994) und veröffentlichte über 50 CDs unter eigenem Namen. Seine Werke entstanden u. a. für Pina Bausch, das Ensemble Modern, Theaterhäuser in Bonn, Zürich und Düsseldorf sowie für Film und Fernsehen (z. B. ARTE).

Als Bandleader prägte er bekannte Gruppen und  Ensembles wie Underkarl, Slowfox, Fossile 3, States of Play, Meteors und das internationale Kontrabassorchester BASSMASSE mit bis zu 50 Bassist:innen. 

Gramss ist Dozent für Kontrabass, Komposition und Ensembleleitung in Köln, Osnabrück und Hamburg, gibt weltweit Meisterklassen und spielte auf Tourneen in über 40 Ländern – allein ca. 100 Konzerte für das Goethe-Institut.

Auszeichnungen (Auswahl):

– 2× Echo Jazz (2013, 2018)

– 2× Deutscher Jazzpreis (2022)

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