Im Oktober 2025 gab Tamara Lukasheva bei uns im o-ton ein berührendes und inniges Konzert bei dem sie Ihre Vertonungen von Rilke-Texte vorstellte. Wir haben das Konzert aufgenommen und nun hat sie im Mai 2026 die Aufnahmen auf Ihrem neuen Album veröffentlicht:

"Rilke.Vertont.Solo" das auf dem Label "Wolfhunter" erscheint.

Wir freuen uns sehr über diese CD Veröffentlichung! Ihre sehr feinsinnigen und gefühlvollen Vertonungen und Ihre oft zarte, nuancierte und immer hoch-musikalische Gesangs- und Interpretationskunst entfaltet auch auf diesem Album ihren eigenen Zauber.

Die CD ist hier zu erhalten

Hans-Jürgen Linke // Jazzthetik 2026:

„Rilke. Jeder kennt den Panther, aber wer weiß schon, dass Rilke improvisiert hat? Zumindest behauptet das der Sammeltitel Improvisationen aus dem Capreser Winter für eine Sequenz titelloser Gedichte. Es sind Gedichte, die größte Aufmerksamkeit auf Klang und Rhythmus richten. Tamara Lukasheva ist dieser Spur gefolgt und hat kundig gewählte Passagen aus Rilkes Improvisationen vertont.
Sie begleitet sich selbst am Klavier, findet Melodien für Verse oder spricht sie unbegleitet, mit präziser Intonation und ohne feierliches Pathos. Sie findet Annäherungen und Verbindungen von Klang und Bedeutung, die für sie eine sekundäre  Unmittelbarkeit bekommen.
Innenlebenssätze wie Und wir: Zuschauer, immer überall, / dem allen zugewandt und nie hinaus!“ haben im Ausdruck ihrer persönlichen Interpretation ganz eigene Gewichte und Perspektiven. Im Dezember steht Rilkes 100. Todestag an.

Dieses Album öffnet und bietet neue Blicke auf Gedichte eines ruhelosen Menschen aus dem Jahrzehnt, bevor er gezwungen wurde, Kriegsteilnehmer zu werden.“

Musik - Tamara Lukasheva
Text - Rainer Maria Rilke
25.10.2025 Live @o-ton Studio, Köln
Recording - Andreas Hanten
Mix & Master - Jonophon Aufnahmen
CD erschienen auf "Wolf Hunter" music

AEQUORA

ist das neue, kammermusikalische Jazz-Quartett um die Komponistin und Pianistin Brigitte Angerhausen.


"In einem organischen Spannungsfeld zwischen klarer komponierter Struktur und freier Improvisation entfaltet das Ensemble einen eigenständigen Klangkosmos – geprägt von lyrischem Jazz sowie klassischer Musik, Rhythmen jenseits des Viervierteltakts, Mehrstimmigkeit, freien Klangflächen und spontanen Dialogen.


Die Musik von Aequora ist fließend und kraftvoll zugleich, variiert zwischen filmischen Stimmungen von spannungsgeladen bis extrem sanft und zart hin zu weiten Klanglandschaften. Sie spürt Resonanzen des gegenwärtigen Weltgeschehens ebenso nach wie Strömungen der Natur,
sucht nach Momenten, in denen Klang zu einer Form zwischenmenschlicher Verständigung wird.
"

Saxophon: Peter Dahm
 // Violoncello: Ulrike Zavelberg
 // Percussion: Till Menzer
 

Piano/Komposition: Brigitte Angerhausen

Konzertbeginn: 20h // Einlass: 19h

Eintritt: 20 € (Normalpreis / Solidar-Aufschlag willkommen)

Ermässigt 10 € (ohne Nachweis)

Solidarplätze: 0 € (freier Eintritt ohne Nachweis - begrenzt auf 10 Plätze )

Vorreservierungen per mail wird empfohlen: brigitte@angerhausen.org

Das Konzert wird live in Bild und Ton aufgezeichnet

AEQUORAs weitere Konzert Termine :

18.4. Düsseldorf, 16 Uhr Residenz, Schlosspark

18.4. Düsseldorf 19 Uhr Residenz, Paulushaus

19.4. Düsseldorf, 17Uhr Residenz, Grafenberg

05.5. Spiekeroog, 20 Uhr Kursaal

07.5. Bremen, 20 Uhr Westend

09.5. Köln, 20 Uhr o-Ton

10.5. Hürth, Matinee 11 Uhr gelbe Villa

Roots of Possibility

Das Roots of Possibility vereint verschiedene Werke, die sich auf sehr unterschiedliche Weise Fragen nach Identität, Struktur und Wirklichkeit stellen. Hierarchie, Erinnerung, Dialog, Erdung und Aufbruch erscheinen dabei nicht als feste Begriffe, sondern als Prozesse in Bewegung. Das Patchwork of Surprise präsentiert ein musikalisches Mosaik aus Zitaten früherer Werke des bulgarischen komponisten, die in einer eigenen Dramaturgie arrangiert wurden.

Die iranische Komponistin Shariatzadeh beschäftigt sich im Roots mit Fragen von Ursprung und Zugehörigkeit. Das tiefe Streichtrio zeigt Vergänglichkeit als Rückbindung an die Materie, wie ein langsames Ausatmen und Loslassen, und baut einen Klangraum, der die Tiefe der Erde sucht. Einen anderen Raum, gefüllt mit verschiedenen Klangflächen, tiefen sowie hochmetallischen Klängen, bietet das Stück mit dem Titel Armchair (2025) des australischen Komponisten Victor Arul. Die Musik des Abends bringt auch andere Kontraste wie Argumente und Gegenargumente, Wendungen und Annäherungen in dem Stück Pro et Contra der russischen Komponistin zum Ausdruck. Es ist ein langer, offener Prozess ohne Lösung. In diesem Prozess wird nicht nur Aktion präsentiert, sondern auch das Zögern. Die Spannung in Klang und Erfahrung des Nicht-Eintretens, ein unbeantwortetes Dasein. Eine hörbare Erwartung in dem Stück Cette porte ne s’ouvre pas chinesischer Komponistin Jiaying He. Das neu komponierte Werk von Rachel C. Walker Werk Our Meeting Is the Flight of Stars Breaking Free from Their Orbits das auf einer computergenerierten Grafik über Hierarchien basiert. Strukturen werden in Klang übersetzt, Ordnungen geraten ins Wanken und Linien verlassen ihre vorgezeichneten Bahnen. Wie Sterne, die sich aus ihren Umlaufbahnen lösen. Die Werke verbindet Spiel, Freiheit und Erinnerung in der Gegenwart. Jedes Stück hinterfragt auf seine Weise verschiedene Systeme, Formen, klangliche Hierarchien oder nur Gedanken. In Roots of Possibility öffnet catinblack einen Raum fürs Hören, Nachdenken und Erleben.

Matinee - Konzertbeginn: 11:30h 

Einlass: 10:30h (Kaffee gratis für alle)

Eintritt: 9€ (5€ ermässigt)

Vorreservierung per mail wird empfohlen: catinblackensemble@gmail.com

Tickets am Eingang

catinblack ensemble ist ein internationales tiefes Streichtrio (Bratsche, Cello und Kontrabass), das sich dem vielfältigen Spektrum und architektonischen Klangwelten der zeitgenössischen Musik widmet. Das in Essen ansässige Ensemble besteht aus Musikern mit unterschiedlichen globalen Hintergründen und hat in kurzer Zeit eine einheitliche Sprache entwickelt, die durch tieffrequente Resonanz und ein gemeinsames Bekenntnis zur Musik unserer Zeit geprägt ist.

Das Repertoire des Ensembles erforscht die klanglichen Möglichkeiten dieser besonderen Besetzung. Ihre technische Präzision und ihr Engagement für Innovation führen sie auch zu Workshop-Tätigkeiten und Ensemble-Residenzen. Im Jahr 2025 war catinblack Ensemble an der Harvard University in Boston. In diesem wegweisenden Jahr brachte das Trio zudem mehr als zehn neue Kompositionen zur Uraufführung und erweiterte damit maßgeblich den zeitgenössischen Kanon für tiefe Streicher.

Das ensemble legt den Fokus auf die enge Zusammenarbeit… mit führenden, visionären Komponisten. Im Jahr 2023 brachte catinblack das einstündige Werk being-sent für singendes tiefes Streichtrio zur Uraufführung, das der Komponist Jonah Haven für sie schrieb. Im selben Jahr arbeiteten sie mit Chaya Czernowin an ihrem Werk Poetica zusammen und nahmen dieses am renommierten IRCAM-Institut in Paris auf. Ihr breitgefächertes Repertoire umfasst zudem Werke von Komponisten wie Elena Firsova, Michael Edwards und Hans Tutschku sowie vielen anderen.

Jenseits internationaler Bühnen kuratiert das Ensemble eine eigene Konzertreihe in Essen, in der es mit neuen Aufführungsformaten experimentiert und die aktive Zusammenarbeit mit zeitgenössischen Künstlern sucht. Durch die Konzentration auf die taktilen und resonanten Qualitäten des tiefen Streicherspektrums entwickelt catinblack kontinuierlich neue Klangwelten, die ebenso präzise wie tiefgründig sind.

Sofia von Atzingen

Sofia von Atzingens Begeisterung für zeitgenössische Musik führte sie zu einem Studium im Fach Neue Musik bei Barbara Maurer an der Folkwang UdK sowie zu einer Promotion über B. A. Zimmermann an der UFMG. Seit 2022 ist sie Bratschistin des renommierten Ensembles Recherche, mit dem sie als Solistin und Kammermusikerin auftritt. Zudem ist sie Gründungsmitglied des catinblack ensemble, einem Streichtrio aus Viola, Violoncello und Kontrabass. Sie trat bei den bedeutendsten Festivals Europas auf, darunter dem Ultraschall Festival Berlin, dem Achtbrücken Festival, dem NOW! Festival, den Wittener T agen für Neue Kammermusik, den Salzburger Festspielen, der Musica Nova Helsinki, dem ECLAT Festival Neue Musik und vielen anderen. Darüber hinaus war sie auf internationalen Konzertreisen in Finnland, Korea, Japan, Griechenland, Schweden, Italien, Slowenien, Österreich und den USA unterwegs.

Ema Grčman

Ema Grčman ist eine vielseitige Musikerin und Violoncellistin aus Slowenien. Sie absolvierte ihre Ausbildung bei renommierten Cellisten und Pädagogen wie Valter Dešpalj, Julian Arp, T orleif Thedeen und Thomas Demenga. Als leidenschaftliche Kammermusikerin hat sie bereits bei einigen renommierten Musikfestivals gespielt, darunter dem Stift Festival, dem Enescu Festival, dem Ljubljana Festival und dem Davos Festival. Ema hat ein breites musikalisches Spektrum und tritt in verschiedenen Musikbereichen mit Klassikern und Jazzmusikern auf. Sie ist in der zeitgenössischen Musikszene sehr aktiv und trat in verschiedenen Ensembles auf, darunter catinblack ensemble, Trio Lys und Ensemble Aurōrae. Zu ihren denkwürdigsten Konzerten zählt ihr Debüt in Ljubljana, bei dem sie das berühmte Doppelkonzert von Johannes Brahms mit den Slowenischen Philharmonikern aufführte. Sie war Mitglied der Deutschen Kammerakademie Neuss am Rhein und spielte häufig mit dem O/Modern  Chamber Orchestra, dem Folkwang Kammerorchester , dem Symphonieorchester Bern und dem Norwegischen Rundfunkorchester.

Javad Javadzade

Javad Javadzade ist ein multidisziplinärer Künstler , der als Kontrabassist, Bassgitarrist, Improvisator und Fotograf arbeitet. Er studierte an der Uzeyir Hajibeyli Baku Music Academy und absolvierte anschließend sein Master- und Konzertexamen an der Folkwang Universität der Künste in Essen bei Prof. Niek de Groot. Im Rahmen seines Konzertexamens spielte er die Uraufführung von Elena Firsovas Kammerkonzert für Kontrabass und Streicher mit den Bochumer Symphonikern und gab ein Rezital mit neuen Werken von Michael Edwards, T amon Yashima, Günter Steinke und Sebastian Gramss. Javad wurde im Jahr 2020 mit einem Soloprogramm zeitgenössischer Werke für Kontrabass für die Reihe WDR 3 Campus Konzert ausgewählt. Seit 2024 ist er Solokontrabassist des Folkwang Kammerorchesters Essen.

Programm:

Golnaz Shariatzadeh – root (neue Fassung 2026)
Jiaying He – Cette porte ne s’ouvre pas (2025)
Rachel C. Walker – Our meeting is the flight of stars breaking free from their orbits (2026)
Victor Arul – Armchair (2025)
Firsova trio – Pro et Contra (2022)
Bojidar Spassov – Patchwork of Surprise (2026)

# 23. April 2026: Workshops mit Studierenden der Kompositionsklassen an der

Robert-Schumann-Hochschule Düsseldorf

#18. –22. Mai 2026: Zwei Konzerte mit 5 Uraufführungen im Rahmen des Baku Contemporary

Music Days Festivals und ein Workshop für Studierende der Kompositionsklassen an der Baku

Music Academy in Aserbaidschan.

# 22. Mai 2026: Konzert in der Szene 10 in Essen.

# 5.–7 . Juni 2026: Konzert mit neuer Uraufführung bei dem Sofia Music Weeks Festival in Sofia,und Workshop für Studierende der Kompositionsklassen an der Musikakademie Sofia, Bulgarien

# 13. Juni 2026: Auftritt beim open.form T ag der Neuen Musik in Düsseldorf mit drei neuenUraufführungen

# Oktober 2026: Studioaufnahmen für das Projekt is this it? in Essen.

# 30. November 2026: Premiere des Projekts is this it? is this it in der Alten Feuerwache Köln

# 1. Dezember 2026: Zweite Aufführung des Projekts is this it? is this it in der Neuen Aula der Folkwang UdK in Essen.

#Februar 2027: Konzert mit dem Werk is this it? Auf einem Festival in Deutschland zusammen mit den Ensembles SMASH.duo und Kollektive UNRUHE, der Podium-InSzene Förderung des Deutschen Musikrats.

# 26.–28. März 2027: Aufführung des Projekts is this it? beim Lisboa Incomum Festival in Portugal

# August 2027: Experimentalstudio SWR-Residenz und Uraufführung eines neuen Werkes desKomponisten Matthias Krüger.

# Herbst 2027: Aufführung des is this it? Projekts bei Arte no T empo Festival in Portugal.

Festival für ukrainische Kammermusik

Benefiz-Konzert zur Unterstützung der Ukrainehilfe 

Konzertbeginn Sa.25.4.26 // Einlass: 18h

Eintritt frei - um Spenden wird gebeten

Alle gesammelten Gelder gehen vollständig an Hilfsprojekte in der Ukraine

Eine Vorreservierung per mail wird empfohlen: info@sounds-of-ukraine.de

Das Festival "Sound of Ukraine" bringt verschiedene Epochen, Stile und Musiker zusammen, die den gemeinsamen Wunsch teilen, die ukrainische Musik in Europa hörbar zu machen. Das Programm verbindet ukrainische und europäische Musik, um kulturelle Brücken sichtbar zu machen. Dieses Konzert widmet sich den Komponisten die oft als Meister der Stille bezeichnet wurden:

Valentin Silvestrov und Gia Kancheli: „Melodien der Augenblicke“ & „Briefe an Freunde“.

Das Konzert möchte daran erinnern, dass man nicht laut sein muss, um gehört zu werden.

Violina Petrychenko ist eine leidenschaftliche Pianistin, deren künstlerisches Schaffen der Bewahrung und weltweiten Verbreitung ukrainischer Musik gewidmet ist. Ihre international anerkannte Karriere führte sie von den Konservatorien in Kyjiw und Weimar zu bedeutenden europäischen Bühnen – darunter die Berliner Philharmonie sowie die Philharmonien von Luxemburg, Freiburg, Karlsruhe, Warschau, Kattowitz und Stettin.

In der Ukraine trat sie in nahezu allen großen Konzerthäusern auf, darunter die Philharmonien von Kyjiw, Lwiw, Iwano-Frankiwsk, Chmelnyzkyj, Odessa, Dnipro, Czerniwzi und Saporischschja.

Geboren in Saporischschja in eine Musikerfamilie, begann sie bereits im Alter von sechs Jahren mit dem Klavierspiel. Ihre musikalische Ausbildung erhielt sie an der Nationalen Musikakademie der Ukraine in Kyjiw sowie an den deutschen Hochschulen in Weimar, Köln und Essen, wo sie von Professoren wie Jacob Leuschner und Evgeny Sinaiski geprägt wurde. Meisterkurse bei namhaften Künstlern wie Pierre-Laurent Aimard, Ferenc Rados und Peter Nagy rundeten ihre Ausbildung ab.

Ihre musikalische Exzellenz wurde mit zahlreichen Preisen und Stipendien ausgezeichnet, darunter das Präsidentenstipendium der Ukraine, der DAAD-Preis, Förderungen der Werner Richard – Dr. Carl Dörken Stiftung, der Neuen Liszt Stiftung Weimar, der Anna Ruths Stiftung sowie der Gesellschaft der Freunde und Förderer der Hochschule für Musik „Franz Liszt“ Weimar.

Als Solistin und Kammermusikerin ist Violina international tätig. Sie trat mehrfach im Rundfunk auf – u. a. bei WDR, MDR, SWR, dem Bayerischen Rundfunk sowie im ZDF, und ihre Musik wurde dort regelmäßig übertragen. Ihre Festivalauftritte führten sie in zahlreiche Länder Europas, darunter nach Stockholm (Festival Ukrainischer Frühling), Kopenhagen (Copenhagen Summer Festival), Palermo (Palermo Classica), Kwidzyn (Kwidzyn Music Spring International Festival), Bayreuth (Bayreuth Piano Festival) sowie zu den renommierten Festivals Virtuosen von Lemberg und Kontraste Lemberg in der Ukraine.

Einen zentralen Schwerpunkt ihrer Arbeit bildet das ukrainische Repertoire – Musik, die sie mit Hingabe, Forschung und künstlerischer Leidenschaft wiederentdeckt und in die Gegenwart führt.

Ein zentrales Feld ihres Schaffens ist die Kammermusik. Violina wirkt in mehreren Ensembles – vom Duo bis zum Sextett – und verbindet in ihren Programmen klassisches Repertoire mit selten gespielten ukrainischen Werken. Mit ihrem Quintett „Las Damas“ widmet sie sich zudem den leidenschaftlichen Klängen von Astor Piazzolla und der Musik des 20. Jahrhunderts.

Bis heute hat Violina acht CDs aufgenommen, darunter Slavic Nobility, Ukrainian Moods, Barvinsky: Silent Voice, Mriyi (Dreams) – Ukrainian Hope (nominiert für den Opus Klassik), Winter Whispers, Passion for Ukraine (mit Lena Belkina) sowie die 2025 erscheinenden Alben Piano Concertos by Barvinsky and Kosenko und Piano Quintets by Barvinsky and Lyatoshynsky mit dem Phoenix String Quartet.

Neben ihrer Konzerttätigkeit engagiert sich Violina als künstlerische Leiterin und Gründerin des Festivals „Sounds of Ukraine“ in Köln, das sie 2023 ins Leben rief. Dieses Festival widmet sich der Vielfalt ukrainischer Musik und bringt sie in einem internationalen Dialog auf die Bühnen Europas.

Seit 2025 leitet sie in Lwiw die neue Konzertreihe „Barvinsky Salon“, die der Wiederentdeckung und Popularisierung der Musik von Vasyl Barvinsky gewidmet ist.

Seit Beginn des Krieges hat Violina Petrychenko ihre Bemühungen noch einmal verstärkt. Ihr Ziel ist es, die Vielfalt der ukrainischen Musik zu zeigen und ihr das Recht zu geben, gespielt und gehört zu werden. Wie der Musikkritiker Michael Zerban (O-Ton) schrieb: „Sie tritt nicht nur für sich, sondern für ihr Land auf – hier geht es um Gesellschaft und Freiheit.“

In jedem ihrer Konzerte erklingt seither mindestens ein Werk eines ukrainischen Komponisten – als Zeichen des Widerstands, der Erinnerung und der kulturellen Selbstbehauptung.

Derzeit ist Violina Petrychenko Solistin der Lemberger Philharmonie und weltweit als Konzertpianistin unterwegs.

Nazarii Pylatiuk zählt zu den bekanntesten Geigern der zeitgenössischen ukrainischen Musik. Er ist ein Musiker mit ausgeprägter künstlerischer Individualität und einem klaren musikalischen Denken. Er konzertiert regelmäßig in der Ukraine sowie auf internationalen Bühnen in Europa und den USA und ist als Interpret bekannt, dem nicht nur der Klang, sondern vor allem der Sinn der Musik wichtig ist.

Er ist Professor an der Mykola-Lysenko-Nationalen Musikakademie in Lwiw, Solist des Nationalen Hauses für Orgel- und Kammermusik der Ukraine, Träger bedeutender staatlicher Auszeichnungen und Volkskünstler der Ukraine. Ein besonderer Schwerpunkt seiner Tätigkeit liegt auf der Kammermusik. Sein Repertoire reicht von Bach bis Piazzolla und ist stets als geschlossene künstlerische Dramaturgie konzipiert. Einen zentralen Platz nimmt zudem die zeitgenössische ukrainische Musik ein: Er ist Erstinterpret und engagierter Vermittler von Werken u. a. von Myroslav Skoryk und Bohdana Frolyak.

Ein wesentlicher Teil seines Konzertlebens ist die langjährige Zusammenarbeit mit der Pianistin Violina Petrychenko. Zu ihren markantesten Projekten zählt ein Programm mit Musik von Valentin Silvestrov, darunter die erste vollständige Aufführung des Zyklus „Melodien der Augenblicke“ in Lwiw in einem durchgehenden Konzert ohne Pausen, ganz im Sinne der Konzeption des Komponisten. Diese Interpretation wurde von Musikkritikern sehr positiv aufgenommen und gilt als ein bedeutendes Ereignis für das Lwiwer Musikleben.

Valentyn Silvestrov & Giya Kancheli

Beide Komponisten spürten sehr deutlich, dass die heutige Welt immer schneller und lauter wird. Ihre Antwort darauf war leise Musik — Musik, die keine große Lautstärke braucht, um gehört zu werden. Im Programm erklingen zwei Zyklen: „Melodien der Augenblicke“ von Valentin Silvestrov und „Briefe an Freunde“ von Gia Kancheli.

Beide handeln von Momenten, die schnell vergehen, und von Menschen, die uns ein Leben lang begleiten.

„Melodien der Augenblicke“ sind Bagatellen, in denen die Melodie niemals stillsteht: Sie atmet frei, weicht aus, kehrt zurück und lebt im Raum des Rubato und innerer Freiheit.

„Briefe an Freunde“ ist Musik, die aus Theater und Film hervorgegangen ist und sich in eine sehr persönliche Ansprache verwandelt hat — schlicht, lichtvoll und zutiefst menschlich.

Sowohl Valentin Silvestrov als auch Gia Kancheli sind unsere Zeitgenossen.

Silvestrov lebt heute in Berlin, nachdem er die Ukraine infolge des Krieges verlassen musste. Kancheli ist nicht mehr unter uns, doch seine Musik bleibt als lebendige Präsenz — als eine Stimme, die die Zeit überdauert.

Dieses Konzert erinnert daran, dass man nicht laut sein muss, um gehört zu werden.

Es ist eine Musik der inneren Balance, der Aufmerksamkeit und der Würde.

M o t h e r

„Mother“ ist Ausdruck der Auseinandersetzung der deutsch-griechischen Bassistin Athina Kontou mit der Musikkultur ihrer griechischen Heimat.

Mit ihrem Ensemble bearbeitet sie traditionelle Stücke und stellt sich die Frage, wie ihre Identität als Jazz-Musikerin und ihre griechischen Wurzeln zusammenhängen. Die traditionellen Musiken reichert sie durch zeitgenössische Klangwelten an und kreiert eine Atmosphäre, die intuitiv verständlich ist und sehr persönlich.
Athina Kontous Arbeit liegt die Suche nach dem Verbindenden aus den verschiedenen Kulturen zugrunde, eine Grenzgängerin zwischen den Musiken, tief begründet in Tradition und persönlicher Erfahrung und zugleich nach neuem Ausdruck strebend. Mit ihren drei MitmusikerInnen Luise Volkmann, Dominik Mahnig und Julius Windisch bildet sie einen lebendigen, farbenreichen Klangkörper, mit dem durch die Intensität ihres Zusammenspiels und die Sensibilität der Arrangements ein organisches, eigenständiges künstlerisches Produkt einer kulturellen Auseinandersetzung entstanden ist.

Das Debüt von Mother „Tzivaeri“ wurde für den Preis der Deutschen Schallplattenkritik und den Deutschen Jazzpreis nominiert. An diesem Abend präsentieren sie neues Material für ihr zweites Album, das im Herbst 2026 erscheinen wird.

Luise Volkmann - Altsaxofon
Julius Windisch - Piano
Athina Kontou - Bass
Dominik Mahnig - Schlagzeug

Freitag 6. März
Konzertbeginn: 19h
Einlass:18h
Tickets an der Abendkasse 15€ // 10€ ermässigt

T I E D E M A T O S

Yaniel Matos - Cello Piano Vocals
Gunther Tiedemann - Cello

"Kubanischer Frohsinn trifft rheinischen Tiefsinn – oder umgekehrt."

Konzert und live Recording Samstag 7. März im o-ton

Konzertbeginn 19 // Einlass: 18h

Tickets 15€ (nur an der Abendkasse)

Eine Vorreservierung per mail wird empfohlen: mail@gunther-tiedemann.de

Das Duo Yaniel Matos und Gunther Tiedemann verbindet zwei musikalische Welten, zwei Biografien und eine gemeinsame Neugier auf Klang, Rhythmus und Ausdruck. Kennengelernt haben sich die beiden 2017 beim New Directions Cello Festival in Ithaca (New York). Aus der sofortigen persönlichen und musikalischen Sympathie entwickelte sich eine kontinuierliche Zusammenarbeit, u. a. beim Rio Cello Festival in Brasilien sowie in verschiedenen Projekten in Deutschland. Im Duo tiedematos treffen eigene Kompositionen auf neu interpretierte Stücke anderer Herkunft. Südamerikanische Klangfarben begegnen Jazz und Rock – offen, furchtlos und mit persönlicher Handschrift. Das Violoncello steht dabei im Zentrum, erweitert durch Piano und Gesang, rhythmisch, melodisch und überraschend vielseitig. Ein Duo, das Dialog statt Stilpflege betreibt – lebendig, vielschichtig und unmittelbar.

Yaniel Matos, geboren in Santiago de Cuba und lange in Brasilien lebend, bringt Einflüsse afro-kubanischer und brasilianischer Musik ebenso ein wie eine europäisch geprägte Ausbildung. Gunther Tiedemann ergänzt diese Perspektive mit seinem tief verwurzelten, suchenden Zugriff auf das Cello. Gemeinsam entsteht Musik, die Grenzen überschreitet und Räume öffnet.

Gunther Tiedemann ist Cellist, Komponist, Arrangeur, Ensembleleiter, Dozent, Autor und Produzent. Konzerte führten ihn durch Europa, USA, Brasilien, West-Afrika und Pakistan. Er spielt als Solist Konzerte mit renommierten Jazz- und Sinfonieorchestern. Darüber hinaus arbeitete er bereits mit so unterschiedlichen Musikern wie Markus Stockhausen, Ernst Reijseger, Jeremy Harman, José Feliciano, Nelly Furtado und weiteren Duos mit Thomas Rückert, David Plate und Michael Villmow (Kreuzüber Bach). In Köln geht er zudem vielen Lehrtätigkeiten nach.

Sonntag der 22.3. ist "CHORO-TAG" im o-ton

CHOROCOELN präsentiert: Workshop und Abschlußkonzert

"Dystostructions" - Neues für Oboe & Klavier Vicente Moronta (Caracas) und Kathrin Isabelle Klein (München)

Oboe und Klavier - was sich zunächst nach traditioneller Besetzung anhört, eröffnet in diesem Konzert ein ungeahntes Spektrum an klanglichen Möglichkeiten. Denn es erweitern nicht nur Englischhorn und Toy piano das Instrumentarium, sondern Vicente Moronta (Caracas) und Kathrin Isabelle Klein (München) stellen in ihrem Repertoire bewusst Werke des amerikanischen Kontinents europäischen Kompositionen gegenüber. Trotz eines trennenden Ozeans halten die beiden ehemaligen Akademisten der Internationalen Ensemble Modern Akademie Frankfurt ihre Zusammenarbeit aufrecht.

Highlight des Programms ist die Uraufführung eines neuen Werkes von Tamon Yashima.
 

KATHRIN ISABELLE KLEIN // KLAVIER

Die Pianistin und internationale Preisträgerin Kathrin Isabelle Klein zeichnet eine besondere Vielseitigkeit aus. Sie fühlt sich in allen Epochen, auch der zeitgenössischen Musik, zu Hause und tritt häufig als Kammermusikerin sowie Liedbegleiterin in verschiedenen Besetzungen in Erscheinung. Sie war Gast renommierter Festivals, wie z.B. des Mosel Musikfestivals, des Mozartfests Würzburg, der Sommerlichen Musiktage Hitzacker und des Festivals Acht Brücken Köln. 2017 erhielt sie den Leonhard und Ida Wolf-Gedächtnispreis der Stadt München, 2022 wurde sie zusammen mit Monika Abel (Sopran) beim Deutschen Musikwettbewerb mit einem Sonderpreis und einem Stipendium der Konzertförderung Deutscher Musikwettbewerb ausgezeichnet. Anfang 2025 ist die erste CD des Duos beim Label Hänssler Classic erscheinen und wurde seitens der Presse durchgehend positiv aufgenommen und für den Preis der Deutschen Schallplattenkritik nominiert. Neben der Solo- und Kammermusik ist das Spielen in Orchester und Ensembles eine weitere Leidenschaft Kathrin Isabelle Kleins. So war sie Pianistin im Bundesjugendorchester,der Jungen Deutschen Philharmonie und zuletzt der Ensemble Modern Akademie Frankfurt. Sie spielt regelmäßig in Orchestern wie den Münchner Philharmonikern und dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks.

Kathrin Isabelle Klein studierte an den Hochschulen von Würzburg und München bei Markus Bellheim und hat 2024 ihr Konzertexamen in der Soloklasse Klavier an der HMTM Hannover (Klasse Prof. Ewa Kupiec) erworben. Nach Lehraufträgen für Korrepetition an den Hochschulen München und Stuttgart ist sie seit 2022 Dozentin für Klavier an der HMT München.

VINCENTE MORONTA // Oboe

Vicente Moronta (Venezuela) studierte Oboe bei Ricardo Riveiro, Diethelm Jonas und Emanuel Abbühl, Musikwissenschaft an der Universidad Central de Venezuela und spezialisierte sich auf zeitgenössische Musik an der Musik Akademie Basel und in der Internationalen Ensemble Modern Akademie (IEMA) in Frankfurt.

Mehr als zwölf Jahre lang war er Mitglied des Simón Bolívar Symphony Orchestra of Venezuela, er spielte außerdem im Frankfurter Museumsorchester, im Ensemble Recherche, in der Hamburger Camerata, im Ensemble Phoenix, im Ensemble Proton und in vielen anderen Ensembles und Orchestern. Als Solist und Ensemblemitglied war er bei Festivals für zeitgenössische Musik wie ManiFeste (Paris), Lucerne Festival, Wittener Tage für Neue Musik, Time of Music (Vitaasaari), Gaudeamus Muziekweek (Utrecht) u.a. zu hören. Komponisten wie Stefano Gervasoni, Mike Svoboda, Michel Roth, Hinako Takagi, Pedro García-Velasquez, Helga Arias, Tobias Krebs, Alex Nante, Joan Magrané-Figuera, Víctor Ibarra, Arturo Fuentes, Asía Ahmetjanova und andere haben Vicente Moronta Stücke geschrieben und gewidmet.

Vicente Moronta erhielt 2001 den Nationalen Oboenpreis des Musikkonservatoriums „Simon Bolivar“ in Caracas und 2015 den Ersten Marigaux-Preis des Zentralamerikanischen und Mexikanischen Kongresses für Oboen und Fagotte (COFCAM). Derzeit ist er Direktor für zeitgenössische Musik am Teatro Teresa Carreño und Professor an der Nationalen Oboenschule in Venezuela. Außerdem ist er Mitbegründer des Ensamble Iberoamericano, des boes Migrantes Duo und des Khyma Duo und verfolgt seit 2021 sein Soloprojekt, „Songs of Reeds“

Samstag, 07.02.2026

Begin: 19:00h // Einlass 18:00h

Tickets: 9/5 €

Vorreservierung per mail wird empfohlen: kontakt@kathrin-isabelle-klein.com

o-ton Studio-Saal // Kyllstrasse 7a

Samstag 17.1.2026

Konzertbeginn: 19:00h // Einlass 18:00h

Eintritt Frei (Spenden möglich)

Kartenvorreservierung per mail wird empfohlen: kontakt@o-ton.koeln

SpHear Ensemble

Das sphear-Ensemble kombiniert Elemente konzertanter Aufführung mit elektronischer Modifizierung aufgenommener Klangfragmente in Echtzeit.

Aufgenommen und direkt transformiert werden dabei ganz unterschiedliche Klänge wie live gespielte Musikinstrumente (Bassklarinette, Querflöte, Klavier) sowie allerlei Klang-Fundstücke, Alltagsgeräusche, skurrile akustische Klangerzeuger u.ä.

Eine räumliche Abbildung des Geschehens erfolgt über mehrere Lautsprecher. Die Klänge werden mit einer ausgeklügelten eigenen Softwareprogrammierung (MAX) zudem in Bewegung versetzt.

Klangquellen & Instrumente

Unsere Klangquellen sind live eingespielte Musikinstrumente oder Gegenstände/Materialien/Geräusche aus der jeweiligen Umgebung.

Sie werden in mehreren voneinander unabhängigen Aufnahme- und Wiedergabeeinheiten gespeichert, segmentiert und beim Abspielen divers transformiert. Dabei können zunächst (wie früher bei manchen analogen Tonbändern) die Wiederegabetempi individuell reguliert werden, was sich sowohl auf die Länge der gewählten Fragmente wie auch auf deren Tonhöhe auswirkt.

So entstehen neue, oft unerwartete Rhythmus- und Klangkomplexe. Zumischbar sind durch entsprechende Algorithmen außerdem Tonhöhenverschiebungen ohne Änderung der Dauern (pitch shift) und Frequenzmanipulationen, die bei Verschiebung nach oben/unten in Stauchung/Streckung des Teiltonspektrums resultieren - Prozesse, die das ursprünglich aufgenommene Ereignis an die Grenze der Wiedererkennbarkeit bringen können oder darüber hinaus.

PIANO - freigelegter Resonanzraum

MAX Software - Sound-Manipulation & 4 Kanal Raumverteilung

Auch können beliebige Klanggruppen in Kleinstfragmente zerlegt und zu Feldern flexibler Dichte und Stimmung neukombiniert werden. Die zeitlich und spektral umgestalteten Signale speisen wählbar anteilig eine rundum angeordnete Lautsprechergruppe, so geraten diese Klänge zudem in Bewegung. Kleinste Unterschiede in den Frequenzen einzelner Komponenten bewirken bei Abstrahlung an verschiedenen Orten Schwebungen im Obertonbereich, hörbar als räumliche Verschiebung auch der Grundfrequenzen. Ein stetig sich wandelnder und wandernder Klangraum nimmt so Form an.

Treffen sich eine Ondistin und ein Palmwedler – im o-ton!

Was sich anhört wie ein skurriles Wortspiel, ist ein spannendes, einzigartiges, experimentelles Aufeinandertreffen von zwei außergewöhnlichen Musikern und Klangtüftlern.

Cécile haben wir bei Proben des Neue Musik-Ensembles Emex im o-ton kennen und schätzen gelernt. Sie beherrscht ein weltweit einzigartiges und seltenes Instrumentarium u.a. das  „Onde Martenot“ und spielte als gefragte Interpretin bereits mit so renommierten Ensembles wie den Wiener Philharmonikern, dem Boston Symphony Orchestra und den Berliner Philharmonikern. Wir konnten Cécile im Januar 2024 für ein eigenes Konzert im o-ton gewinnen, bei dem sie dann unsere Zuhörer im Saal mit Ihrem aussergewöhnlichem Spiel in Staunen versetzte. 

Zum Schluss Ihres Konzerts bei uns haben wir ihr damals noch den befreundeten Musiker und Instrumentenerfinder Andreas Oskar Hirsch vor- und an die Seite gestellt und es ergab sich ein sehr feines, spontanes „Pas de deux“ der beiden auf ihren so selten gehörten, originellen Instrumenten.

Fast auf den Tag genau zwei Jahre später verabreden sich nun die beiden Klangkünstler, um ein gemeinsames Album-Projekt zu entwickeln und aufzuführen:

Am Dienstag den 20.01.2026 gestalten sie – exklusiv nur bei uns im o-ton – ihr erstes gemeinsames Konzert:

Musik an der Schnittstelle zwischen zeitgenössischer Musik und experimenteller Improvisation, performt auf den eventuell seltensten (und originellsten) Elektro-akustischen Instrumenten des Planeten.

Wir raten interessierten Menschen: nicht verpassen und besser vorher Karten reservieren.

Das „Onde Martenot“, auch „onde musicale“ genannt, ist ein frühes elektronisches Musikinstrument, das 1928 von Maurice Martenot erfunden wurde. Es bezaubert bis heute mit seinen „musikalischen Wellen“ vor allem als feines elektro-akustisches Erlebnis. Cécile Lartigau die darauf sowohl Neue Musik-Werke aufführt als auch improvisiert gehört zu den ganz wenigen „Ondisten“ weltweit.

Der Musiker und Instrumentenerfinder Andreas Oskar Hirsch entwickelt seit vielen Jahren selbst eigenwillige Instrumente wie das „Carbophon“ oder den „elektrifizierten Palmwedel“ Die eigenen Instrumente bieten ihm besondere und  eigenständige musikalische Ausdrucksmöglichkeiten jenseits von bekannten Instrumenten und herkömmlichen Klangerzeugern.

Dienstag 20.1.2026

Beginn: 19:00h // Einlass 18:00h

Eintritt 12€ / 10€

Karten-Vorreservierung wird dringend empfohlen

per mail an: info@makiphon.de  

Cécile Lartigau

A rare ondist with a singular path, Cécile Lartigau positions her work at the crossroads of contemporary music, experimental improvisation, and the great orchestral repertoire. A sought-after performer, she has appeared alongside prestigious ensembles including the Vienna Philharmonic, Boston Symphony Orchestra, Berlin Philharmonic, Filarmonica della Scala, Israel PhilharmonicOrchestra, Orchestre symphonique de Montréal, and Orchestre de la Suisse Romande, Orchestre National du Capitole Toulouse — under the baton of conductors such as Vasily Petrenko, Esa-Pekka Salonen, Andris Nelsons, Tarmo Peltokoski, Simone Young, Maxime Pascal and Bertrand de Billy. In 2024, Cécile recorded Olivier Messiaen’s Turangalîla-Symphonie for Deutsche Grammophon - an album recently nominated for the Grammy Awards in the Best Orchestral Performance category.

Alongside her orchestral work, she is deeply engaged in cross-disciplinary projects combining music, performance, theatre, and video. From 2018 to 2025, she participated as an improviser in Heiner Goebbels’ major production Everything that happened and would happen, a hybrid stage work that toured across Europe, as well as New York, Saint Petersburg, and Taipei.

Cécile Lartigau also maintains a rich solo and chamber music career. She regularly performs in a trio for piano, ondes Martenot, and percussion, as well as in a duo for ondes and voice, exploring a repertoire that bridges past and present, often enriched by new commissions. She brings rigor and inventiveness to the defense of singular musical forms at the intersection of aesthetics.

She collaborates regularly with specialized ensembles such as Le Balcon and the Emex Ensemble, as well as with contemporary composers. With Emex, she recorded Pièces de chair II by Sylvano Bussotti for Deutschlandfunk Genuin, reflecting her commitment to avant-garde music and the revival of rarely heard works. She also contributed to the rediscovery of the first known piece for ondes Martenot and orchestra, a Poème Symphonique by Dimitri Lévidis.

Through her work, she champions a vibrant and forward-looking vision of the ondes Martenot — one deeply rooted in the music history of the 20th century and firmly oriented toward the artistic practices of tomorrow.

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Andreas Oskar Hirsch

Andreas Oskar Hirsch is a musician, instrument inventor, visual artist and producer. With his homemade instruments and the use of various effects pedals, Hirsch creates a playful space between electroacoustics, experimental electronics, downbeat and non-Western influences. In addition to the Elektrifizierter Palmwedel, a microphoned palm leaf whose thorns can be plucked, Hirsch developed the Carbophon, another electroacoustic plucked instrument that takes up and continues the principle of the African mbira or zanza. Hirsch is one third of the trio The Knob, The Finger & The It and, together with Patricia Koellges, runs makiphon, a label for experimental music and artist records, on which his album The Salamander Treaty was recently released.

In a musical landscape of endless plagiarism, re-appropriation and heavy-handed sampling it’s gotta be difficult for any artist to find their voice. Hirsch continues to fly well under the radar but his practice of inventing his own instruments (Carbophone, Electrified Palm Leaf) maintains a sound that’s both distinctive and recognisable. (…) Hirsch manages to inject a sense of fun, almost humour (!) into this music which would undeniably pair well with any lysergic accompaniment of your choosing. A perfect oneway ticket to an exotic imagery land where a different type of lizard is in charge.
All Night Flight Records (UK)

His style could be described as belonging to that small but vital niche of music that sounds as it were the folk music of a lost civilization, a kind otherworldly post-industrial music (…) It is as much science fiction as it is something from the ancient past, and is so vividly evocative that it becomes a soundtrack without an actual film required. Josh Landry / musiquemachine.com (UK)

Oskar auf INSTAGRAM

What sounds like a whimsical play on words is actually an exciting, unique, and experimental collaboration between two extraordinary musicians and sound innovators.

We got to know and appreciate Cécile during rehearsals of the contemporary music ensemble Emex at o-ton. She masters a range of instruments that is unique and rare worldwide, including the “Onde Martenot,” and as a sought-after performer has already played with such renowned ensembles as the Vienna Philharmonic, the Boston Symphony Orchestra, and the Berlin Philharmonic. In January 2024, we were able to secure Cécile for a solo concert at o-ton, where she amazed our audience in the hall with her extraordinary playing. 

Ce qui ressemble à un jeu de mots fantaisiste est en réalité une rencontre passionnante, unique et expérimentale entre deux musiciens et expérimentateurs sonores hors du commun.

C'est lors des répétitions de l'ensemble de musique contemporaine Emex à l'o-ton que nous avons fait la connaissance de Cécile et appris à l'apprécier. Elle maîtrise un répertoire d'instruments unique et rare au monde, notamment l'« Onde Martenot », et, en tant qu'interprète très demandée, elle a déjà joué avec des ensembles aussi prestigieux que l'Orchestre philharmonique de Vienne, l'Orchestre symphonique de Boston et l'Orchestre philharmonique de Berlin. Nous avons réussi à convaincre Cécile de donner son propre concert à l’o-ton en janvier 2024, où elle a émerveillé notre public par son jeu exceptionnel. 

Was sich anhört wie ein skurriles Wortspiel, ist ein spannendes, einzigartiges, experimentelles Aufeinandertreffen von zwei außergewöhnlichen Musikern und Klangtüftlern.

Cécile haben wir bei Proben des Neue Musik-Ensembles Emex im o-ton kennen und schätzen gelernt. Sie beherrscht ein weltweit einzigartiges und seltenes Instrumentarium u.a. das  „Onde Martenot“ und spielte als gefragte Interpretin bereits mit so renommierten Ensembles wie den Wiener Philharmonikern, dem Boston Symphony Orchestra und den Berliner Philharmonikern. Wir konnten Cécile im Januar 2024 für ein eigenes Konzert im o-ton gewinnen, bei dem sie dann unsere Zuhörer im Saal mit Ihrem aussergewöhnlichem Spiel in Staunen versetzte. 

recorded live 2026@o-ton.koeln // Audio Recording : Andreas Hanten // Video recording: Heiko Specht // Montage: A.Oskar Hirsch // Fotos: Stefan Döring