Kunstlieder aus Lateinamerika:

ein Programm aus Welt- und Deutschlandpremieren mit Musik von:

C. Sofia Alvarez • Tomas Brantmayer • Dinora de Carvalho • A. García Caturla • Carlos Chávez • R. Marino Arcaro

Unter der Leitung des Komponisten Rafael Marino Arcaro bringen die Sopranistin Hannah Dienes-Williams und das Ensemble Utak ein außergewöhnliches Konzert nach Deutschland, das vollständig aus Uraufführungen besteht und ein Jahrhundert lateinamerikanischer Musik zwischen 1927 und 2026 umspannt. Werke aus Brasilien, Chile, Peru, Kuba und Mexiko verbinden frühen Modernismus mit zeitgenössischen Stimmen in einer generationenübergreifenden kulturellen Begegnung.

Zwei Liederzyklen der brasilianischen Komponistin Dinorá de Carvalho (1895–1980), neu arrangiert für Sopran und Ensemble, verfolgen ihre Entwicklung vom Modernismus hin zu einer markant individuellen atonalen Sprache. Die Lieder von A. García Caturla (1906–1940) entstanden nach seinem Studium bei Nadia Boulanger in Paris und sind geprägt von rhythmischer Vitalität und kühner Harmonik im Zeichen des Afrokubanismus. Carlos Chávez’ Invention III (1967)für Soloharfe bietet einen eleganten Einblick in eine geheimnisvolle Welt. Neuere Werke des chilenischen Komponisten Tomás Brantmayer und der peruanischen Komponistin Sofía Alvarez setzen diese Linie in die Gegenwart fort: Brantmayer greift auf Melodien der indigenen Yaghan-Gemeinschaft zurück, während Alvarez die Resonanz des Klangs selbst erforscht – eine zeitgenössische Neubetrachtung des Mantra-Gedankens. Im Zentrum steht die Uraufführung von biografia do orvalho, Marino Arcaros Vertonung von Manoel de Barros’ Gedichtband aus dem Jahr 1998. Dieses neue Werk verwandelt die Sprache des Dichters – geprägt von Fragilität – in eine kühne vokale Klanglandschaft und macht die stilleren ländlichen Regionen Brasiliens erfahrbar.

Konzertbeginn: 19.30h

Einlass 18:30h

Eintritt: € / ermässigt €

Vorreservierungen per mail: kontakt@o-ton.koeln

Tickets nur an der Abendkasse

R. Marino Arcaro: conductor

Hannah Dienes-Williams: Soprano

Ensemble Utak:

Cara Dawson, harp

Gabriele Mastrototaro, flute

Anna Jurriaanse, viola

guest soloists:

Vitor Noah, guitar / e-bass / “viola caipira”

Raphael Papo, violin

Stefano Cucuzzella, cello

Rafael Marino Arcaro

Der brasilianische Komponist Rafael Marino Arcaro, der zwischen Berlin und London lebt und

arbeitet, erhielt Aufträge vom London Symphony Orchestra und dem London Philharmonic

Orchestra, die seine Werke auch zur Uraufführung brachten. Als ehemaliger Student George

Benjamins spiegelt seine Musik sowohl seine ländliche Kindheit im Bundesstaat São Paulo als

auch die Auseinandersetzung mit seiner brasilianischen künstlerischen Identität wider.

Brazilian composer Rafael Marino Arcaro, based between Berlin and London, has been

commissioned and premiered by the London Symphony Orchestra and the London Philharmonic

Orchestra. A pupil of George Benjamin in London, his music reflects his rural upbringing in São

Paulo and an exploration of Brazilian artistic identity.

Hannah Dienes-Williams

Die britische Sopranistin Hannah Dienes-Williams ist spezialisiert auf zeitgenössische Musik

Hannah die europaweit als Solistin und Ensemblesängerin tätig ist schloss ihr Masterstudium an der Royal Academy of Music mit Auszeichnung ab, wo sie für ihr Abschlusskonzert mit dem DipRam, dem Edlee-Preis für Gesang sowie dem Edwin-Samuel-Dove-Preis ausgezeichnet wurde, der aus dem gesamten Akademiestudium ausgewählt wurde.

Ab 2026 ist sie „Equilibrium Young Artist“, gefördert von Barbara Hannigan.

Zu ihren zukünftigen Engagements zählen eine Deutschlandtournee mit einer eigens für sie komponierten Uraufführung, zwei neue Solokonzerte sowie eine Rückkehr zu den Salzburger Festspielen mit Cantando Admont und PHACE.

Hannah Dienes-Williams is a London based soprano working across Europe as a soloist and ensemble singer, specialising in contemporary music.

She graduated with Distinction in her MA from the Royal Academy of Music, where she was awarded the DipRam for her final recital, the Edlee Prize for Singing and the Edwin Samuel Dove Prize, selected from the whole of the Academy. From 2026 she is an Equilibrium Young Artist, sponsored by Barbara Hannigan.

​Future engagements include a tour of Germany featuring a premiere written for her, two new solo shows and returning to Salzburger Festspiele with Cantando Admont and PHACE.

Ensemble Utak

Das in Berlin ansässige Ensemble Utak (Flöte, Viola, Harfe) ist bekannt für seinen feinsinnigen,

lebendigen Klang und seine ideenreiche Programmgestaltung. 2024 wurde Ensemble Utak in die

Young Ensemble Academy des Ensemble Modern aufgenommen. Gemeinsam mit Gastsolisten an

Gitarre, Violine und Violoncello wird dieses besondere Konzert auf deutsche Bühnen gebracht.

Dinorá de Carvalho (1895–1980) [arr. Marino Arcaro]

later works suite: anguish fire water, op.26b (arr. 2025-26)

three pieces, composed between 1963 and 1972, for soprano and six soloists *

Tomás Brantmayer (1992–)

Mamihlapinatapai (2022)

for flute, harp and viola **

Sofía Alvarez (1991–)

M.A.N.-T.R.A. 5.0 (2023)

for violin and viola **

Dinorá de Carvalho [arr. Marino Arcaro]

folk songs suite: play sleep / sleep play, op.26a (arr. 2025-26)

four pieces, composed between 1948 and 1955, for soprano and six soloists *

R. Marino Arcaro (1990–)

biografia do orvalho, op.28 (2026)

for soprano and six soloists, op.28 * [MusikFonds commission]

Carlos Chávez (1899–1978)

Invention III (1967)

for solo harp **

A. García Caturla (1906–1940) [arr. Marino Arcaro]

two afrocuban songs, wwo.5 (arr. 2026)

two songs, composed between 1927 and 1931, for soprano and five soloists *

* world premiere

** German premiere

Festival für ukrainische Kammermusik

Benefiz-Konzert zur Unterstützung der Ukrainehilfe 

Konzertbeginn Sa.25.4.26 // Einlass: 18h

Eintritt frei - um Spenden wird gebeten

Alle gesammelten Gelder gehen vollständig an Hilfsprojekte in der Ukraine

Eine Vorreservierung per mail wird empfohlen: info@sounds-of-ukraine.de

Das Festival "Sound of Ukraine" bringt verschiedene Epochen, Stile und Musiker zusammen, die den gemeinsamen Wunsch teilen, die ukrainische Musik in Europa hörbar zu machen. Das Programm verbindet ukrainische und europäische Musik, um kulturelle Brücken sichtbar zu machen. Dieses Konzert widmet sich den Komponisten die oft als Meister der Stille bezeichnet wurden:

Valentin Silvestrov und Gia Kancheli: „Melodien der Augenblicke“ & „Briefe an Freunde“.

Das Konzert möchte daran erinnern, dass man nicht laut sein muss, um gehört zu werden.

Violina Petrychenko ist eine leidenschaftliche Pianistin, deren künstlerisches Schaffen der Bewahrung und weltweiten Verbreitung ukrainischer Musik gewidmet ist. Ihre international anerkannte Karriere führte sie von den Konservatorien in Kyjiw und Weimar zu bedeutenden europäischen Bühnen – darunter die Berliner Philharmonie sowie die Philharmonien von Luxemburg, Freiburg, Karlsruhe, Warschau, Kattowitz und Stettin.

In der Ukraine trat sie in nahezu allen großen Konzerthäusern auf, darunter die Philharmonien von Kyjiw, Lwiw, Iwano-Frankiwsk, Chmelnyzkyj, Odessa, Dnipro, Czerniwzi und Saporischschja.

Geboren in Saporischschja in eine Musikerfamilie, begann sie bereits im Alter von sechs Jahren mit dem Klavierspiel. Ihre musikalische Ausbildung erhielt sie an der Nationalen Musikakademie der Ukraine in Kyjiw sowie an den deutschen Hochschulen in Weimar, Köln und Essen, wo sie von Professoren wie Jacob Leuschner und Evgeny Sinaiski geprägt wurde. Meisterkurse bei namhaften Künstlern wie Pierre-Laurent Aimard, Ferenc Rados und Peter Nagy rundeten ihre Ausbildung ab.

Ihre musikalische Exzellenz wurde mit zahlreichen Preisen und Stipendien ausgezeichnet, darunter das Präsidentenstipendium der Ukraine, der DAAD-Preis, Förderungen der Werner Richard – Dr. Carl Dörken Stiftung, der Neuen Liszt Stiftung Weimar, der Anna Ruths Stiftung sowie der Gesellschaft der Freunde und Förderer der Hochschule für Musik „Franz Liszt“ Weimar.

Als Solistin und Kammermusikerin ist Violina international tätig. Sie trat mehrfach im Rundfunk auf – u. a. bei WDR, MDR, SWR, dem Bayerischen Rundfunk sowie im ZDF, und ihre Musik wurde dort regelmäßig übertragen. Ihre Festivalauftritte führten sie in zahlreiche Länder Europas, darunter nach Stockholm (Festival Ukrainischer Frühling), Kopenhagen (Copenhagen Summer Festival), Palermo (Palermo Classica), Kwidzyn (Kwidzyn Music Spring International Festival), Bayreuth (Bayreuth Piano Festival) sowie zu den renommierten Festivals Virtuosen von Lemberg und Kontraste Lemberg in der Ukraine.

Einen zentralen Schwerpunkt ihrer Arbeit bildet das ukrainische Repertoire – Musik, die sie mit Hingabe, Forschung und künstlerischer Leidenschaft wiederentdeckt und in die Gegenwart führt.

Ein zentrales Feld ihres Schaffens ist die Kammermusik. Violina wirkt in mehreren Ensembles – vom Duo bis zum Sextett – und verbindet in ihren Programmen klassisches Repertoire mit selten gespielten ukrainischen Werken. Mit ihrem Quintett „Las Damas“ widmet sie sich zudem den leidenschaftlichen Klängen von Astor Piazzolla und der Musik des 20. Jahrhunderts.

Bis heute hat Violina acht CDs aufgenommen, darunter Slavic Nobility, Ukrainian Moods, Barvinsky: Silent Voice, Mriyi (Dreams) – Ukrainian Hope (nominiert für den Opus Klassik), Winter Whispers, Passion for Ukraine (mit Lena Belkina) sowie die 2025 erscheinenden Alben Piano Concertos by Barvinsky and Kosenko und Piano Quintets by Barvinsky and Lyatoshynsky mit dem Phoenix String Quartet.

Neben ihrer Konzerttätigkeit engagiert sich Violina als künstlerische Leiterin und Gründerin des Festivals „Sounds of Ukraine“ in Köln, das sie 2023 ins Leben rief. Dieses Festival widmet sich der Vielfalt ukrainischer Musik und bringt sie in einem internationalen Dialog auf die Bühnen Europas.

Seit 2025 leitet sie in Lwiw die neue Konzertreihe „Barvinsky Salon“, die der Wiederentdeckung und Popularisierung der Musik von Vasyl Barvinsky gewidmet ist.

Seit Beginn des Krieges hat Violina Petrychenko ihre Bemühungen noch einmal verstärkt. Ihr Ziel ist es, die Vielfalt der ukrainischen Musik zu zeigen und ihr das Recht zu geben, gespielt und gehört zu werden. Wie der Musikkritiker Michael Zerban (O-Ton) schrieb: „Sie tritt nicht nur für sich, sondern für ihr Land auf – hier geht es um Gesellschaft und Freiheit.“

In jedem ihrer Konzerte erklingt seither mindestens ein Werk eines ukrainischen Komponisten – als Zeichen des Widerstands, der Erinnerung und der kulturellen Selbstbehauptung.

Derzeit ist Violina Petrychenko Solistin der Lemberger Philharmonie und weltweit als Konzertpianistin unterwegs.

Nazarii Pylatiuk zählt zu den bekanntesten Geigern der zeitgenössischen ukrainischen Musik. Er ist ein Musiker mit ausgeprägter künstlerischer Individualität und einem klaren musikalischen Denken. Er konzertiert regelmäßig in der Ukraine sowie auf internationalen Bühnen in Europa und den USA und ist als Interpret bekannt, dem nicht nur der Klang, sondern vor allem der Sinn der Musik wichtig ist.

Er ist Professor an der Mykola-Lysenko-Nationalen Musikakademie in Lwiw, Solist des Nationalen Hauses für Orgel- und Kammermusik der Ukraine, Träger bedeutender staatlicher Auszeichnungen und Volkskünstler der Ukraine. Ein besonderer Schwerpunkt seiner Tätigkeit liegt auf der Kammermusik. Sein Repertoire reicht von Bach bis Piazzolla und ist stets als geschlossene künstlerische Dramaturgie konzipiert. Einen zentralen Platz nimmt zudem die zeitgenössische ukrainische Musik ein: Er ist Erstinterpret und engagierter Vermittler von Werken u. a. von Myroslav Skoryk und Bohdana Frolyak.

Ein wesentlicher Teil seines Konzertlebens ist die langjährige Zusammenarbeit mit der Pianistin Violina Petrychenko. Zu ihren markantesten Projekten zählt ein Programm mit Musik von Valentin Silvestrov, darunter die erste vollständige Aufführung des Zyklus „Melodien der Augenblicke“ in Lwiw in einem durchgehenden Konzert ohne Pausen, ganz im Sinne der Konzeption des Komponisten. Diese Interpretation wurde von Musikkritikern sehr positiv aufgenommen und gilt als ein bedeutendes Ereignis für das Lwiwer Musikleben.

Valentyn Silvestrov & Giya Kancheli

Beide Komponisten spürten sehr deutlich, dass die heutige Welt immer schneller und lauter wird. Ihre Antwort darauf war leise Musik — Musik, die keine große Lautstärke braucht, um gehört zu werden. Im Programm erklingen zwei Zyklen: „Melodien der Augenblicke“ von Valentin Silvestrov und „Briefe an Freunde“ von Gia Kancheli.

Beide handeln von Momenten, die schnell vergehen, und von Menschen, die uns ein Leben lang begleiten.

„Melodien der Augenblicke“ sind Bagatellen, in denen die Melodie niemals stillsteht: Sie atmet frei, weicht aus, kehrt zurück und lebt im Raum des Rubato und innerer Freiheit.

„Briefe an Freunde“ ist Musik, die aus Theater und Film hervorgegangen ist und sich in eine sehr persönliche Ansprache verwandelt hat — schlicht, lichtvoll und zutiefst menschlich.

Sowohl Valentin Silvestrov als auch Gia Kancheli sind unsere Zeitgenossen.

Silvestrov lebt heute in Berlin, nachdem er die Ukraine infolge des Krieges verlassen musste. Kancheli ist nicht mehr unter uns, doch seine Musik bleibt als lebendige Präsenz — als eine Stimme, die die Zeit überdauert.

Dieses Konzert erinnert daran, dass man nicht laut sein muss, um gehört zu werden.

Es ist eine Musik der inneren Balance, der Aufmerksamkeit und der Würde.

 Daymé Arocena - Songbook- *Exklusives Sonderkonzert*

Die bereits für einen Grammy nominierte kubanische Latin-Sängerin Daymé Arocena gibt am Dienstag, den 5. Mai, ein außergewöhnliches Sonderkonzert bei uns o-ton Studio-Saal. Daymé, die sonst auf den wirklich ganz großen Bühnen der Welt unterwegs ist, präsentiert bei uns einen intimen und äußerst exklusiven Konzertabend. Sie spielte bereits bei den von uns so sehr vereehrten "NPR Music Tiny Desk Concerts" und nun ist sie tatsächlich auch bei uns: Nur am Flügel begleitet stellt sie ihr neues Songbook vor. Die Sängerin und Violinistin Claudia Ramos Barreto, die dieses Konzert ermöglicht hat, wird Daymé an diesem Abend für ein paar Stücke begleiten.
Wer Daymé Arocena noch nicht kennt, sollte unbedingt in die Links (siehe unten) reinhören und reinschauen ...und sie dann bei uns hier auf keinen Fall verpassen wollen: Daymés aussergewöhnliche Stimme und Musik löst sich aus den Grenzen Lateinamerikanischer Klischees und erweitert das Genre kunstvoll mit jazz- und Popelementen.
Wir erwarten mit Spannung einen wirklich außergewöhnlichen Abend hier.

Wegen des begrenzten Platzangebots (ca. 60 Plätze) raten wir an diesem Abend dringend zu Vorreservierungen per E-Mail: kontakt@o-ton.koeln

La cantante latina cubana Daymé Arocena, ya nominada a un Grammy, ofrecerá el martes 5 de mayo un concierto especial y excepcional en nuestra sala o-ton Studio. Daymé, que suele actuar en los escenarios más importantes del mundo, nos presenta una velada musical íntima y sumamente exclusiva. Ya ha actuado en los «NPR Music Tiny Desk Concerts», que tanto admiramos, y ahora por fin está aquí con nosotros: acompañada únicamente por un piano de cola, presentará su nuevo repertorio. La cantante y violinista Claudia Ramos Barreto, quien hizo posible este concierto, acompañará a Daymé en algunas piezas durante la velada.
Quien aún no conozca a Daymé Arocena debería sin duda escuchar y echar un vistazo a los enlaces (ver más abajo)... y luego no perderse bajo ningún concepto su actuación aquí con nosotros: la extraordinaria voz y música de Daymé traspasa los límites de los clichés latinoamericanos y amplía el género con elementos de jazz y pop.
Estamos muy emocionados por lo que promete ser una velada verdaderamente excepcional aquí.
Debido al aforo limitado (aprox. 60 plazas), recomendamos encarecidamente hacer una reserva previa por correo electrónico: kontakt@o-ton.koeln

Konzertbeginn: 19.30h

Einlass 18:30h

Eintritt: 25€ / ermässigt 18€

Vorreservierungen per mail: kontakt@o-ton.koeln

Tickets nur an der Abendkasse

HAVANA’S DAYMÉ AROCENA BRIDGES GAP BETWEEN CUBAN & AMERICAN MUSIC: Daymé Arocena's vocal repertoire encompasses scatting, Afro-Cuban chanting, scratchy-throated whispers, and a deep, gusty laugh.

Billboard magazin

Relying on instinct and intuition is how Arocena has managed her career since she burst in the international scene with Nueva Era, her prodigious debut album, in 2015. Now, she has fully reinvented her sound with Al-Kemi (Brownswood Recordings), a revolutionary – and transformative – fusion of neo soul singing, Afro-Caribbean beats and slick new millennium pop.

Bandcamp

AFRO-CUBAN SINGER DAYMÉ AROCENA ANNOUNCES ‘AL-KEMI,’ HER FIRST ALBUM IN FIVE YEARS
“In an indirect way, the music industry had shown me that I wasn’t welcome in that world [of pop]," she said in a press release. "I’m going to prove them wrong"
By TOMÁS MIER

Rollingstone

Daymé Arocena upcoming tour dates:

MAY.05 o-ton studio-hall / cologne
MAY.14 Lula Lounge / Toronto
OCT.03 Lehman Center for the Performing Arts / Bronx, NY

In 2021 Dayme became the youngest Latin-American musician invited to complete the “Signature Artist” program of the prestigious Berklee College of Music so far.

concord music

Daymé Arocena: Grammy Nomination for best Latin Jazz Album: The original Jazz Influencers: Dizzy, Chano & Chico

68th Annual GRAMMY Awards

Daymé Arocena Bio // deutsch (espanol)

Arocena wurde 1992 in Havanna geboren und wuchs inmitten der afro-kubanischen Volksmusik auf, hörte aber auch Kassetten von Sade Adu, der Lieblingssängerin ihres Vaters. Nach ihrem Studium am renommierten Amadeo-Roldán-Konservatorium wurde sie 2017 Mitbegründerin und Bandmitglied des kubanisch-kanadischen Jazzkollektivs „Maqueque“. Mit dem Kollektiv unternahm sie mehrere internationale Tourneen und erhielt eine GRAMMY-Nominierung. Sowohl ihre Gesangsdarbietungen als auch ihre komplexen Gesangsarrangements zeugen von außergewöhnlichem technischem Können. „In Kuba wird der Schwerpunkt auf Technik besonders stark gelegt“, erklärt sie. „Das liegt zum Teil am russischen Erbe, das die kubanische Kultur geprägt hat. Gleichzeitig sind die Möglichkeiten auf der Insel rar. Eine Karriere in der Musik bietet die Möglichkeit zur Flucht, weshalb der Wettbewerb unglaublich hart ist.“ Die für den Grammy nominierte und mit dem Juno Award ausgezeichnete afro-kubanische Powerfrau Daymé Arocena ist eine Naturgewalt, eine von ihrem Instinkt getriebene Künstlerin, die seit ihrem bahnbrechenden Debüt „Nueva Era“ die moderne lateinamerikanische Musik neu definiert hat. Als jüngste Lateinamerikanerin, die in das renommierte „Signature Artist“-Programm von Berklee aufgenommen wurde, steht sie in einer Reihe mit wahren Legenden. Wie NPR es formuliert: „Als ich die kubanische Sängerin Daymé Arocena hörte, hörte ich den Einfluss sowohl von Celia Cruz als auch von Aretha Franklin. Das mag wie eine unwahrscheinliche Kombination von Inspirationsquellen erscheinen, ist es aber nicht.“ Von einigen Kritikern wurde sie zudem als „die beste junge Sängerin aus Kuba“ beschrieben.

Nacida en La Habana en 1992, Arocena creció inmersa en el folclore afrocubano, pero también escuchando cintas de casete de Sade Adu, la cantante favorita de su padre. Tras estudiar en el prestigioso conservatorio Amadeo Roldán, se convirtió en cofundadora y miembro del colectivo de jazz cubano-canadiense «Maqueque» en 2017. Con el colectivo, realizó varias giras internacionales y obtuvo una nominación al GRAMMY. Tanto sus interpretaciones como solista como sus complejos arreglos vocales muestran un extraordinario dominio técnico. «En Cuba, el énfasis en la técnica es exagerado», explica. «Esto se debe en parte al legado ruso que influyó en la cultura cubana. Al mismo tiempo, las oportunidades son escasas en la isla. Una carrera en la música ofrece la posibilidad de escapar, por lo que la competitividad es desmesurada». Daymé Arocena, la poderosa artista afrocubana nominada al Grammy y ganadora del Premio Juno, es una fuerza de la naturaleza, una artista impulsada por el instinto que ha redefinido la música latina moderna desde su exitoso debut con Nueva Era. Es la latinoamericana más joven en ser incluida en el prestigioso programa Signature Artist de Berklee, y se encuentra entre las verdaderas leyendas. Como dice NPR: «Cuando escuché a la vocalista cubana Daymé Arocena, percibí la influencia tanto de Celia Cruz como de Aretha Franklin. Puede parecer una combinación improbable de inspiraciones, pero no lo es». Algunos críticos también la han descrito como «la mejor cantante joven de Cuba».

Claudia Ramos Barreto Dayme Bio // deutsch (espanol)

Claudia Ramos - geboren 1999 in Havanna, ist Geigerin und Sängerin mit einer beeindruckenden musikalischen Laufbahn. Bereits früh begann sie ihre klassische Violinen­ausbildung und trat schon in jungen Jahren als Solistin und in verschiedenen Ensembles in renommierten Theatern und Konzertsälen Havannas auf.

Während ihrer Ausbildung am Konservatorium Amadeo Roldán öffnete sie sich zunehmend dem Jazz, entwickelte ihre Stimme weiter und nahm an Jam-Sessions mit namhaften kubanischen Musiker*innen teil. Ihre Musik bewegt sich heute zwischen Jazz und afrokubanischen Einflüssen – virtuos, gefühlvoll und voller Ausdruck.

Seit 2017 ist Claudia auch international aktiv und trat unter anderem in Deutschland in bekannten Jazzclubs wie dem Domicil (Dortmund) und dem Sailors Pub (Essen) auf. Sie ist Teil verschiedener Jazz- und kubanischer Musikprojekte, verbindet Violine und Gesang auf einzigartige Weise und studiert derzeit Jazz an der Folkwang Universität der Künste.

Nacida en La Habana en 1999, es violinista y cantante con una impresionante trayectoria musical. Comenzó muy pronto su formación clásica en violín y, ya desde muy joven, actuó como solista y en diversos conjuntos en prestigiosos teatros y salas de conciertos de La Habana.

Durante su formación en el Conservatorio Amadeo Roldán, se fue abriendo cada vez más al jazz, desarrolló su voz y participó en jam sessions con músicos cubanos de renombre. Su música se mueve hoy entre el jazz y las influencias afrocubanas: virtuosa, emotiva y llena de expresión.

Desde 2017, Claudia también se desempeña a nivel internacional y se ha presentado, entre otros lugares, en Alemania en conocidos clubes de jazz como el Domicil (Dortmund) y el Sailors Pub (Essen). Forma parte de diversos proyectos de jazz y música cubana, combina el violín y el canto de una manera única y actualmente estudia jazz en la Universidad de las Artes Folkwang.

AEQUORA

ist das neue, kammermusikalische Jazz-Quartett um die Komponistin und Pianistin Brigitte Angerhausen.


"In einem organischen Spannungsfeld zwischen klarer komponierter Struktur und freier Improvisation entfaltet das Ensemble einen eigenständigen Klangkosmos – geprägt von lyrischem Jazz sowie klassischer Musik, Rhythmen jenseits des Viervierteltakts, Mehrstimmigkeit, freien Klangflächen und spontanen Dialogen.


Die Musik von Aequora ist fließend und kraftvoll zugleich, variiert zwischen filmischen Stimmungen von spannungsgeladen bis extrem sanft und zart hin zu weiten Klanglandschaften. Sie spürt Resonanzen des gegenwärtigen Weltgeschehens ebenso nach wie Strömungen der Natur,
sucht nach Momenten, in denen Klang zu einer Form zwischenmenschlicher Verständigung wird.
"

Saxophon: Peter Dahm
 // Violoncello: Ulrike Zavelberg
 // Percussion: Till Menzer
 

Piano/Komposition: Brigitte Angerhausen

Konzertbeginn: 20h // Einlass: 19h

Eintritt: 20 € (Normalpreis / Solidar-Aufschlag willkommen)

Ermässigt 10 € (ohne Nachweis)

Solidarplätze: 0 € (freier Eintritt ohne Nachweis - begrenzt auf 10 Plätze )

Vorreservierungen per mail wird empfohlen: brigitte@angerhausen.org

Das Konzert wird live in Bild und Ton aufgezeichnet

AEQUORAs weitere Konzert Termine :

18.4. Düsseldorf, 16 Uhr Residenz, Schlosspark

18.4. Düsseldorf 19 Uhr Residenz, Paulushaus

19.4. Düsseldorf, 17Uhr Residenz, Grafenberg

05.5. Spiekeroog, 20 Uhr Kursaal

07.5. Bremen, 20 Uhr Westend

09.5. Köln, 20 Uhr o-Ton

10.5. Hürth, Matinee 11 Uhr gelbe Villa

Das geneigte Publikum wird - gegen Geld bzw. weil es gerade vor Ort ist - erleben, wie die Akteur*innen ihre ganze Musikalität loslassen, sei es interpretatorisch, auf Hübschs Kompositionen, improvisatorisch, auf einander oder holistisch, auf den gesamten Raum und das Publikum als Vertreter der Menschheit.

Man wird sich über kleine alltägliche Melodiefetzen freuen, über abstrakte oder sehr konkrete Geräusche und Aktionen, und unweigerlich am Ende eine Musik erlebt haben, die nicht verstanden werden kann. Das ist die Weltformel.

Spieler*innen

Matthias Schubert – Saxophon - und alles andere

Elisabeth Coudoux – Cello und alles andere

Carl Ludwig Hübsch – Tuba und alles andere

Marlies Debacker – Clavinet und alles andere

Konzertbeginn: 20.00h

Einlass 19:00h

Eintritt: 10€ / ermässigt 5€ / Solidarpreis 15 €

Kartenreservierung per mail: tuba@huebsch.me

Tickets nur an der Abendkasse

Roots of Possibility

Das Roots of Possibility vereint verschiedene Werke, die sich auf sehr unterschiedliche Weise Fragen nach Identität, Struktur und Wirklichkeit stellen. Hierarchie, Erinnerung, Dialog, Erdung und Aufbruch erscheinen dabei nicht als feste Begriffe, sondern als Prozesse in Bewegung. Das Patchwork of Surprise präsentiert ein musikalisches Mosaik aus Zitaten früherer Werke des bulgarischen komponisten, die in einer eigenen Dramaturgie arrangiert wurden.

Die iranische Komponistin Shariatzadeh beschäftigt sich im Roots mit Fragen von Ursprung und Zugehörigkeit. Das tiefe Streichtrio zeigt Vergänglichkeit als Rückbindung an die Materie, wie ein langsames Ausatmen und Loslassen, und baut einen Klangraum, der die Tiefe der Erde sucht. Einen anderen Raum, gefüllt mit verschiedenen Klangflächen, tiefen sowie hochmetallischen Klängen, bietet das Stück mit dem Titel Armchair (2025) des australischen Komponisten Victor Arul. Die Musik des Abends bringt auch andere Kontraste wie Argumente und Gegenargumente, Wendungen und Annäherungen in dem Stück Pro et Contra der russischen Komponistin zum Ausdruck. Es ist ein langer, offener Prozess ohne Lösung. In diesem Prozess wird nicht nur Aktion präsentiert, sondern auch das Zögern. Die Spannung in Klang und Erfahrung des Nicht-Eintretens, ein unbeantwortetes Dasein. Eine hörbare Erwartung in dem Stück Cette porte ne s’ouvre pas chinesischer Komponistin Jiaying He. Das neu komponierte Werk von Rachel C. Walker Werk Our Meeting Is the Flight of Stars Breaking Free from Their Orbits das auf einer computergenerierten Grafik über Hierarchien basiert. Strukturen werden in Klang übersetzt, Ordnungen geraten ins Wanken und Linien verlassen ihre vorgezeichneten Bahnen. Wie Sterne, die sich aus ihren Umlaufbahnen lösen. Die Werke verbindet Spiel, Freiheit und Erinnerung in der Gegenwart. Jedes Stück hinterfragt auf seine Weise verschiedene Systeme, Formen, klangliche Hierarchien oder nur Gedanken. In Roots of Possibility öffnet catinblack einen Raum fürs Hören, Nachdenken und Erleben.

Matinee - Konzertbeginn: 11:30h 

Einlass: 10:30h (Kaffee gratis für alle)

Eintritt: 9€ (5€ ermässigt)

Vorreservierung per mail wird empfohlen: catinblackensemble@gmail.com

Tickets am Eingang

catinblack ensemble ist ein internationales tiefes Streichtrio (Bratsche, Cello und Kontrabass), das sich dem vielfältigen Spektrum und architektonischen Klangwelten der zeitgenössischen Musik widmet. Das in Essen ansässige Ensemble besteht aus Musikern mit unterschiedlichen globalen Hintergründen und hat in kurzer Zeit eine einheitliche Sprache entwickelt, die durch tieffrequente Resonanz und ein gemeinsames Bekenntnis zur Musik unserer Zeit geprägt ist.

Das Repertoire des Ensembles erforscht die klanglichen Möglichkeiten dieser besonderen Besetzung. Ihre technische Präzision und ihr Engagement für Innovation führen sie auch zu Workshop-Tätigkeiten und Ensemble-Residenzen. Im Jahr 2025 war catinblack Ensemble an der Harvard University in Boston. In diesem wegweisenden Jahr brachte das Trio zudem mehr als zehn neue Kompositionen zur Uraufführung und erweiterte damit maßgeblich den zeitgenössischen Kanon für tiefe Streicher.

Das ensemble legt den Fokus auf die enge Zusammenarbeit… mit führenden, visionären Komponisten. Im Jahr 2023 brachte catinblack das einstündige Werk being-sent für singendes tiefes Streichtrio zur Uraufführung, das der Komponist Jonah Haven für sie schrieb. Im selben Jahr arbeiteten sie mit Chaya Czernowin an ihrem Werk Poetica zusammen und nahmen dieses am renommierten IRCAM-Institut in Paris auf. Ihr breitgefächertes Repertoire umfasst zudem Werke von Komponisten wie Elena Firsova, Michael Edwards und Hans Tutschku sowie vielen anderen.

Jenseits internationaler Bühnen kuratiert das Ensemble eine eigene Konzertreihe in Essen, in der es mit neuen Aufführungsformaten experimentiert und die aktive Zusammenarbeit mit zeitgenössischen Künstlern sucht. Durch die Konzentration auf die taktilen und resonanten Qualitäten des tiefen Streicherspektrums entwickelt catinblack kontinuierlich neue Klangwelten, die ebenso präzise wie tiefgründig sind.

Sofia von Atzingen

Sofia von Atzingens Begeisterung für zeitgenössische Musik führte sie zu einem Studium im Fach Neue Musik bei Barbara Maurer an der Folkwang UdK sowie zu einer Promotion über B. A. Zimmermann an der UFMG. Seit 2022 ist sie Bratschistin des renommierten Ensembles Recherche, mit dem sie als Solistin und Kammermusikerin auftritt. Zudem ist sie Gründungsmitglied des catinblack ensemble, einem Streichtrio aus Viola, Violoncello und Kontrabass. Sie trat bei den bedeutendsten Festivals Europas auf, darunter dem Ultraschall Festival Berlin, dem Achtbrücken Festival, dem NOW! Festival, den Wittener T agen für Neue Kammermusik, den Salzburger Festspielen, der Musica Nova Helsinki, dem ECLAT Festival Neue Musik und vielen anderen. Darüber hinaus war sie auf internationalen Konzertreisen in Finnland, Korea, Japan, Griechenland, Schweden, Italien, Slowenien, Österreich und den USA unterwegs.

Ema Grčman

Ema Grčman ist eine vielseitige Musikerin und Violoncellistin aus Slowenien. Sie absolvierte ihre Ausbildung bei renommierten Cellisten und Pädagogen wie Valter Dešpalj, Julian Arp, T orleif Thedeen und Thomas Demenga. Als leidenschaftliche Kammermusikerin hat sie bereits bei einigen renommierten Musikfestivals gespielt, darunter dem Stift Festival, dem Enescu Festival, dem Ljubljana Festival und dem Davos Festival. Ema hat ein breites musikalisches Spektrum und tritt in verschiedenen Musikbereichen mit Klassikern und Jazzmusikern auf. Sie ist in der zeitgenössischen Musikszene sehr aktiv und trat in verschiedenen Ensembles auf, darunter catinblack ensemble, Trio Lys und Ensemble Aurōrae. Zu ihren denkwürdigsten Konzerten zählt ihr Debüt in Ljubljana, bei dem sie das berühmte Doppelkonzert von Johannes Brahms mit den Slowenischen Philharmonikern aufführte. Sie war Mitglied der Deutschen Kammerakademie Neuss am Rhein und spielte häufig mit dem O/Modern  Chamber Orchestra, dem Folkwang Kammerorchester , dem Symphonieorchester Bern und dem Norwegischen Rundfunkorchester.

Javad Javadzade

Javad Javadzade ist ein multidisziplinärer Künstler , der als Kontrabassist, Bassgitarrist, Improvisator und Fotograf arbeitet. Er studierte an der Uzeyir Hajibeyli Baku Music Academy und absolvierte anschließend sein Master- und Konzertexamen an der Folkwang Universität der Künste in Essen bei Prof. Niek de Groot. Im Rahmen seines Konzertexamens spielte er die Uraufführung von Elena Firsovas Kammerkonzert für Kontrabass und Streicher mit den Bochumer Symphonikern und gab ein Rezital mit neuen Werken von Michael Edwards, T amon Yashima, Günter Steinke und Sebastian Gramss. Javad wurde im Jahr 2020 mit einem Soloprogramm zeitgenössischer Werke für Kontrabass für die Reihe WDR 3 Campus Konzert ausgewählt. Seit 2024 ist er Solokontrabassist des Folkwang Kammerorchesters Essen.

Programm:

Golnaz Shariatzadeh – root (neue Fassung 2026)
Jiaying He – Cette porte ne s’ouvre pas (2025)
Rachel C. Walker – Our meeting is the flight of stars breaking free from their orbits (2026)
Victor Arul – Armchair (2025)
Firsova trio – Pro et Contra (2022)
Bojidar Spassov – Patchwork of Surprise (2026)

# 23. April 2026: Workshops mit Studierenden der Kompositionsklassen an der

Robert-Schumann-Hochschule Düsseldorf

#18. –22. Mai 2026: Zwei Konzerte mit 5 Uraufführungen im Rahmen des Baku Contemporary

Music Days Festivals und ein Workshop für Studierende der Kompositionsklassen an der Baku

Music Academy in Aserbaidschan.

# 22. Mai 2026: Konzert in der Szene 10 in Essen.

# 5.–7 . Juni 2026: Konzert mit neuer Uraufführung bei dem Sofia Music Weeks Festival in Sofia,und Workshop für Studierende der Kompositionsklassen an der Musikakademie Sofia, Bulgarien

# 13. Juni 2026: Auftritt beim open.form T ag der Neuen Musik in Düsseldorf mit drei neuenUraufführungen

# Oktober 2026: Studioaufnahmen für das Projekt is this it? in Essen.

# 30. November 2026: Premiere des Projekts is this it? is this it in der Alten Feuerwache Köln

# 1. Dezember 2026: Zweite Aufführung des Projekts is this it? is this it in der Neuen Aula der Folkwang UdK in Essen.

#Februar 2027: Konzert mit dem Werk is this it? Auf einem Festival in Deutschland zusammen mit den Ensembles SMASH.duo und Kollektive UNRUHE, der Podium-InSzene Förderung des Deutschen Musikrats.

# 26.–28. März 2027: Aufführung des Projekts is this it? beim Lisboa Incomum Festival in Portugal

# August 2027: Experimentalstudio SWR-Residenz und Uraufführung eines neuen Werkes desKomponisten Matthias Krüger.

# Herbst 2027: Aufführung des is this it? Projekts bei Arte no T empo Festival in Portugal.

NEUE // ALTE Musik // guest artists and ensembles working & rehearsing @o-ton

Dorothee Oberlinger Ensemble 1700

Ensemble Mufafem

Harmonie universelle

Altera Pars

Lukas Ligeti - Ensemble Burkina-Electric

Ensemble S201

Erma Ensemble

Ensemble Bruch

EMEX Ensemble

Kollektiv 3:6

CatInBlack

yuniya edi kwon – Monheim Triennale Ensemble

VOTUM - Rogel Hanschel+Barbara Schachtner

Ensemble Hand Werk

Sebastian Gramss STATE OF PLAY Ensemble

Samhita Ensemble

BoneCrusher

M o t h e r

„Mother“ ist Ausdruck der Auseinandersetzung der deutsch-griechischen Bassistin Athina Kontou mit der Musikkultur ihrer griechischen Heimat.

Mit ihrem Ensemble bearbeitet sie traditionelle Stücke und stellt sich die Frage, wie ihre Identität als Jazz-Musikerin und ihre griechischen Wurzeln zusammenhängen. Die traditionellen Musiken reichert sie durch zeitgenössische Klangwelten an und kreiert eine Atmosphäre, die intuitiv verständlich ist und sehr persönlich.
Athina Kontous Arbeit liegt die Suche nach dem Verbindenden aus den verschiedenen Kulturen zugrunde, eine Grenzgängerin zwischen den Musiken, tief begründet in Tradition und persönlicher Erfahrung und zugleich nach neuem Ausdruck strebend. Mit ihren drei MitmusikerInnen Luise Volkmann, Dominik Mahnig und Julius Windisch bildet sie einen lebendigen, farbenreichen Klangkörper, mit dem durch die Intensität ihres Zusammenspiels und die Sensibilität der Arrangements ein organisches, eigenständiges künstlerisches Produkt einer kulturellen Auseinandersetzung entstanden ist.

Das Debüt von Mother „Tzivaeri“ wurde für den Preis der Deutschen Schallplattenkritik und den Deutschen Jazzpreis nominiert. An diesem Abend präsentieren sie neues Material für ihr zweites Album, das im Herbst 2026 erscheinen wird.

Luise Volkmann - Altsaxofon
Julius Windisch - Piano
Athina Kontou - Bass
Dominik Mahnig - Schlagzeug

Freitag 6. März
Konzertbeginn: 19h
Einlass:18h
Tickets an der Abendkasse 15€ // 10€ ermässigt

T I E D E M A T O S

Yaniel Matos - Cello Piano Vocals
Gunther Tiedemann - Cello

"Kubanischer Frohsinn trifft rheinischen Tiefsinn – oder umgekehrt."

Konzert und live Recording Samstag 7. März im o-ton

Konzertbeginn 19 // Einlass: 18h

Tickets 15€ (nur an der Abendkasse)

Eine Vorreservierung per mail wird empfohlen: mail@gunther-tiedemann.de

Das Duo Yaniel Matos und Gunther Tiedemann verbindet zwei musikalische Welten, zwei Biografien und eine gemeinsame Neugier auf Klang, Rhythmus und Ausdruck. Kennengelernt haben sich die beiden 2017 beim New Directions Cello Festival in Ithaca (New York). Aus der sofortigen persönlichen und musikalischen Sympathie entwickelte sich eine kontinuierliche Zusammenarbeit, u. a. beim Rio Cello Festival in Brasilien sowie in verschiedenen Projekten in Deutschland. Im Duo tiedematos treffen eigene Kompositionen auf neu interpretierte Stücke anderer Herkunft. Südamerikanische Klangfarben begegnen Jazz und Rock – offen, furchtlos und mit persönlicher Handschrift. Das Violoncello steht dabei im Zentrum, erweitert durch Piano und Gesang, rhythmisch, melodisch und überraschend vielseitig. Ein Duo, das Dialog statt Stilpflege betreibt – lebendig, vielschichtig und unmittelbar.

Yaniel Matos, geboren in Santiago de Cuba und lange in Brasilien lebend, bringt Einflüsse afro-kubanischer und brasilianischer Musik ebenso ein wie eine europäisch geprägte Ausbildung. Gunther Tiedemann ergänzt diese Perspektive mit seinem tief verwurzelten, suchenden Zugriff auf das Cello. Gemeinsam entsteht Musik, die Grenzen überschreitet und Räume öffnet.

Gunther Tiedemann ist Cellist, Komponist, Arrangeur, Ensembleleiter, Dozent, Autor und Produzent. Konzerte führten ihn durch Europa, USA, Brasilien, West-Afrika und Pakistan. Er spielt als Solist Konzerte mit renommierten Jazz- und Sinfonieorchestern. Darüber hinaus arbeitete er bereits mit so unterschiedlichen Musikern wie Markus Stockhausen, Ernst Reijseger, Jeremy Harman, José Feliciano, Nelly Furtado und weiteren Duos mit Thomas Rückert, David Plate und Michael Villmow (Kreuzüber Bach). In Köln geht er zudem vielen Lehrtätigkeiten nach.

Sonntag der 22.3. ist "CHORO-TAG" im o-ton

CHOROCOELN präsentiert: Workshop und Abschlußkonzert