Was und wie viel davon braucht Musik, um gut zu klingen? Was kann ich dazu beitragen?“

"Zwei zentrale Fragen, die im musikalischen Dialog zwischen Tabea Kind am Kontrabass und Paul Walke an der Gitarre gestellt werden. Ihre minimalistische musikalische Vision verbindet weitläufige, atmosphärische Improvisationen mit sehr persönlichen Eigenkompositionen sowie bekannten musikalischen Strukturen wie dem Blues. Ursprünglich als Duo begonnen, ist ihr Projekt jetzt um Lukas Wögler am Tenorsaxophon erweitert."

Die drei Musiker*innen, die sich während ihrer gemeinsamen Zeit im Bundesjazzorchester zu schätzen lernten, präsentieren Eigenkompositionen, Jazzstandards und Evergreens in kammermusikalischem Gewand.'Ihre minimalistische musikalische Vision verbindet weitläufige, atmosphärische Improvisationen mit sehr persönlichen Eigenkompositionen sowie bekannten musikalischen Strukturen wie dem Blues. Im April 2024 wurden sie mit dem Aufnahmepreis des Vereins „2nd Floor e.V.“ des Lofts in Köln ausgezeichnet, der ihnen die Möglichkeit bot, im Juli desselben Jahres ihr Debütalbum aufzunehmen.
Das Album erschien am 14. März 2025 bei STS Records."

Konzertbeginn: 20:00h // Einlass: 19:00h

Eintrittspreise:
20 € (Normal & Solidarpreis)
10 € (Ermäßigung ohne Nachweis)
5 x kostenlos (Solidar-Tickets, ohne Nachweis)

Karten-Reservierung per mail empfohlen (Tickets an der Abendkasse):

kontakt@o-ton.koeln

Paul Walke

Paul Walke, Gitarrist, Komponist und Instrumentalpädagoge aus Köln, studierte Jazz- und Popularmusik mit Hauptfach Gitarre an der Hochschule für Musik Mainz, u.a. bei Claudius Valk, Norbert Scholly, Daniel Stelter und Thomas Sauerborn.

Nach langjähriger Mitgliedschaft im Landesjugendjazzorchester Hessen, war er von 2023 - 2024 Teil des Bundesjazzorchester, dessen Konzertreisen ihn u.a. bis nach Montenegro und Ecuador führten.

In seiner eigenen Musik, die er mit seinem aktuellen Projekt - dem kammermusikalischen Trio 'Kind/Wögler/Walke' mit Tabea Kind (Kontrabass) und Lukas Wögler (Tenorsaxophon) - zum Leben erweckt, verbindet Paul Walke Elemente der Jazztradition und freierer Improvisationsmusik mit der wohltuenden Simplizität von Genres wie Folk und Country.

Neben seiner Tätigkeit als Bandleader ist Paul Walke, vor allem im Bereich der großen Ensembles, ein gefragter Sideman und Teil von Projekten wie der 'Samuel Restle Bigband' oder  Sofia Will's Large Ensemble 'VOLO'.

Er spielte bereits mit etablierten Orchestern, wie dem Kölner 'Subway Jazz Orchestra' und der 'Tobias Becker Bigband'.

Tabea Kind

Lukas Wögler

Stuttgart-based saxophonist Lukas Wögler moves between jazz tradition and open-ended sound exploration. In his compositions and saxophone playing, Lukas Wögler explores vast emotional spaces. Authenticity and his own voice are at the forefront of his work.

Born in 2000, Wögler began his musical journey with the recorder. At age 11, he switched to the saxophone. Wögler gained his first experience with the Jazz Juniors BW, the Baden-Württemberg State Youth Jazz Orchestra under Rainer Tempel, and through early studies with Alexander Sandi Kuhn. In 2018, he began a bachelor’s degree program at the HMDK Stuttgart under Christian Weidner, which Wögler completed with honors in 2025. In addition to Weidner, Wögler studied under Fabian Arends, Heidi Bayer, Rainer Tempel, Christoph Neuhaus, Sebastian Gille, and Robert Landfermann during his studies.

Lukas Wögler was nominated for the Baden-Württemberg State Jazz Prize in 2023 and was a member of the Federal Youth Jazz Orchestra from 2022 to 2024. Since 2026, Wögler has been teaching jazz ear training at the HMDK Stuttgart.

In addition to his own quartet, he plays and has played with the Samuel Restle Big Band, the Lisa Wilhem Quartet, Eddy Sonnenschein, Sofia Wills’ VOLO, the Samuel Restle Octet, the Tobias Becker Big Band, the Sunday Night Orchestra, NEEVE, Still Sane, JazzatLarge, Bandinthebix, and others. Through these projects and more, Wögler performs across a wide variety of genres on stages, at festivals, and in clubs throughout Germany and far beyond.

Wir freuen uns auf die wunderbare Tamara, die nach Ihrem feinen und vielbeachteten „RILKE.vertont.“-Projekt im o-ton im letzten Jahr nun am 13. November mit MATRIA und ihrem Duopartner Matthias Schriefel wieder ein Konzert bei uns gibt. Diesmal mit einer „Liebeserklärung an die kulturelle Vielfalt der Alpenregion, ein Brückenschlag zwischen Volkslied, Jazz und moderner Poesie“ …

„Bergmusik, die beim Zuhörer den schönsten Echo auslösen vermag.“— Ssirus W. Pakzad, Jazzthing

‘

’Matria’’ ist eine Überraschung, ein abenteuerlicher Culture-Clash, ein Spielplatz für zwei hochtalentierte, weltoffene Originelle.’’ - Concerto, Österreich

Matria verbindet verschiedene süddeutsche Volksmusikarten (z.B. Jodler, Almlieder, Zwiefache) mit ukrainischer Volksmusik, ein groovendes Alphorn mit dem Gesang der ukrainischen Karpaten, Improvisation und Freiheit mit Tradition aus beiden Ländern.

"Wer den gebürtigen, nun schon länger im Rheinland lebenden Allgäuer Matthias Schriefl kennt, der kennt auch seinen bisweilen schrägen Humor. Kann sich der Bursche aber erlauben. Weil er ein Tausendsassa ist, göttlich Trompete und Flügelhorn spielt und dazu auch noch auf dem Alpenhorn, dem Euphonium, der Tuba oder dem Akkordeon eine gute Figur macht. Ach ja, Singen tut er auch noch.

Und seine kongeniale Partnerin Tamara Lukasheva? Die Sängerin und Musikerin aus Odessa wohnt auch längst am
Rhein, ist dank ihrer Tätigkeit als Sopranistin in den Opernhäusern ihrer Heimat derart versiert und stimmsicher, dass sie locker alle Eskapaden und spontanen Einfälle von Schriefl mitgehen kann.

So hört man auf „Matria“ eine gewitzte Musik zwischen allen Stühlen. Virtuos, verspielt, amüsant. Grenzen, die verschwimmen, große Gefühle oder überbordender Spaß, all
das gibt es hier zu hören. Und es ist zu spüren, dass sich Tamara Lukasheva und Matthias Schriefl dabei in der Kulturvielfalt des jeweils anderen wohlfühlen, dass sie sich zwischen diesen unterschiedlichen Welten fast schon telepathisch verstehen. Und dann ist da plötzlich wieder die ukrainische Liedkultur präsent, und ein alpenländisch gespieltes Horn dringt in diesen  Klangkosmos ein. Und es vermischt sich traditionelle ukrainische Folklore mit bayerischem Lebensgefühl. „Matria“ ist ein stets überraschender Kultur-Clash in Noten, der den Hörer auf abenteuerliche, farbenfrohe und viele beseelte Musikreisen mitnimmt.

Konzertbeginn: 20:00h // Einlass: 19:00h

Eintrittspreise:

25 € (Normal & Solidarpreis)

15 € (Ermäßigung ohne Nachweis)

5 x kostenlos (Solidar-Tickets, ohne Nachweis)

Karten-Reservierung per mail empfohlen (Tickets an der Abendkasse):

kontakt@o-ton.koeln

Tamara Lukasheva

Als Komponistin, Sängerin und Intstrumentalistin ist sie eine Künstlerin ersten Ranges, die Musik in all ihren Facetten lebt und liebt. Mit ihren Werken schafft sie fesselnde und tiefgründige Klanglandschaften, die alle Zuhörenden auf eine emotionale Reise mitnehmen. Ihre Kompositionen sind eine Mischung aus Kreativität, Innovation und technischer Raffinesse. Sie erweitern die grenzen der Musik und erkunden neue Horizonte. Aber nicht nur als Komponistin beeindruckt Tamara Lukasheva. Mit ihrer außergewöhnlichen Stimme, die sowohl kraftvoll als auch zart klingen kann, verliebt sie ihren Liedern einen ganz eigenen Zauber. So erzählt sie Geschichten, die uns alle bewegen. Sie geht voller Neugier und mit wachen Sinnen durch die Welt. Musik ist ihre Muttersprache – und ihr Mittel, um Eindrücke, Begegnungen, Alltag und Weltgeschehen zu verarbeiten. Und etwas Neues zu erschaffen, das wiederum andere Menschen berührt; über Grenzen und musikalische Kategorien hinweg.

Tamara Lukasheva wurde 1988 in Odessa, Ukraine, geboren. Zwischen 2003 und 2007 studiertesie am Konservatorium in Odessa, zwischen 2010 und 2015 an der Hochschule für Musik und Tanz in Köln, wo sie heute lebt.

Matthias Schriefel

Matthias Schriefl, Jahrgang 1981, wuchs am Rande der Alpen in Maria Rain auf. Von 2000 bis 2005 studierte er in Köln und Amsterdam. Seit 2006 veranstaltet er die Konzertreihe Jazz-O-Rama im Artheater Köln. Von 2008 bis 2010 tourte er mit seiner Band Shreefpunk als „Rising Star“ der European Concert Hall Organisation durch die großen Konzerthäuser Europas. Danach experimentierte er vorwiegend mit alpiner Musik. 2012 brachte er bei ACT in der Reihe „Young German Jazz“ das mehrfach preisgekrönte Album mit Six, Alps & Jazz heraus. Es folgen bis heute regelmäßig neue CD-Aufnahmen mit diversen Bands, in welchen er als Musiker und Komponist seinen jeweiligen Mitmusikern wie "maßgeschneidert" seine Stücke auf den Leib schreibt. Schriefl lebt in Köln und teilweise im Allgäu. Seine musikalische Neugierde inspiriert ihn immer wieder zu längeren Studienreisen nach Indien und Aufenthalten in afrikanischen und südamerikanischen Ländern, wo er sich mit verschiedenen musikalischen Traditionen befasst. 2016 zahlte sich sein vielseitiges Engagement mit dem Weltmusik-Preis RUTH in Rudolstadt aus. 2019 gewann er gleich doppelt in Mannheim beim Neuen Deutschen Jazzpreis, den Bandpreis mit seiner Band Shreefpunk plus Strings und den Solistenpreis. Im Corona-Jahr 2020 ging er im Sommer mit Johannes Bär im Duo zu Fuß von dessen Heimatort zu seinem und spielte auf dem Weg Open-Air-Konzerte. Diese Tour wurde von einem Kamera-Team begleitet, die 2021 den Film „Auf Tour Z’Fuaß“ in die Kinos brachte, der 2022 auf DVD erschien. Im Jahr 2021 gründete er die Band Geläut, welche live mit Kirchengeläuten interagierte, was in eine aufwändige CD-Produktion mündete. Außerdem leitete er 2021 bis 2023 das BundesJazzOrchester mit einem eigens für die Band geschriebenen Alpen-Jazz-Programm. 2023 gewann Schriefl den Deutschen Jazzpreis in der Kategorie Blechblasinstrumente. Die Jury begründete ihr Urteil, wie folgt: "Matthias Schriefl sticht durch seine unkonventionelle musikalische Vision in der deutschen Jazzszene heraus. Mit seiner unverwechselbaren Originalität und seinem mutigen Ansatz bei der Interpretation von Standards, aber auch bei der Umsetzung seiner eigenen von alpinen Sounds geprägten Kompositionen, zeigt er sich als hervorragender Instrumentalist mit einem mitreißenden, ganz eigenem Spirit. Sein Improvisationstalent und Zusammenspiel mit anderen Musiker:innen sind überragend, was sich nicht zuletzt in seinen Aufnahmen widerspiegelt. 2024 erfand sich Schriefl mit einem Solo-Kabarett-Programm neu und gewann auf Anhieb bei "Kunst Gegen Bares" in Köln den Publikumspreis "Kapitalistenschwein des Abends", welchen er dann mit allen Teilnehmenden teilte, um das selbsternannte Kommunistenschwein zu werden. 2025 gewann seine Produktion Allgäu meets India mit der hr-Bigband den Deutschen Jazzpreis als Rundfunkproduktion des Jahres. Er kennt und liebt große Bühnen und die weite Welt, legt aber Wert darauf, regelmäßig auch an kleinen, ländlichen Veranstaltungsorten Jazz nahezubringen.
genaueres Musikerportrait auf Cologne Jazz Supporters e.V.

Rheinisches Temperament trifft Argentinisches Corazon

Konzertbeginn: 19:30h // Einlass: 18:30h

Eintrittspreise:
20 € (Normal & Solidarpreis)
10 € (Ermäßigung ohne Nachweis)
5 x kostenlos (Solidar-Tickets, ohne Nachweis)

Karten-Reservierung per mail empfohlen (Tickets an der Abendkasse):

kontakt@o-ton.koeln

„Tango de Cologne“ hat sich seit seiner Gründung 2020 zu einem der gefragtesten Tango Ensembles in Deutschland entwickelt. Das liegt nicht zuletzt an der ganz eigenen Note, die das Ensemble in den Tango einbringt. Hier erklingen nicht nur argentinische Tangos in höchster Brillanz, sondern auch der rheinische Tango, der von diesem Ensemble aus Köln kreiert wurde. Mit so viel Corazon hat man das kölsche Liedgut noch nie gehört.

In einer Zeit, in der nationale Grenzen zunehmend spürbar werden, wagt die Konzertreihe Folk Stories eine Gegenperspektive: Improvisation ist der gemeinsame Boden. Dieses Mal mit Folk aus Schottland.

Mit Fiddle und Pedalboard ausgerüstet, begegnet Aidan O’Rourke an diesem Abend (Konzert II) der Kölner Saxophonistin Luise Volkmann. Gemeinsam lassen sie eine mit Effekten und Loops angereicherte akustische Klangwelt entstehen.

Aidan O’Rourke ist einer der bekanntesten Fiddle-Spieler der schottischen Musik. Diese Musik hat er immer wieder ins Heute geholt und belebt, indem er mit vielen Musiker:innen aus Jazz und experimenteller Musik kooperiert hat, oder mit besonderen Projekten wie 365, für das er ein Jahr lang jeden Tag ein Stück zu einem Gedicht eines schottischen Poeten geschrieben hat. „Aidan O’Rourkes Werk hat mich sofort beeindruckt – so viel Tiefe und Herz. Ich finde, das ist ein tolles Beispiel für sehr lebendigen Folk“, sagt Volkmann.

Konzertbeginn: 20:00h // Einlass: 19:00h

Eintrittspreise:

25 € (Normal & Solidarpreis)

15 € (Ermäßigung ohne Nachweis)

5 x kostenlos (Solidar-Tickets, ohne Nachweis)

Karten-Reservierung per mail empfohlen (Tickets an der Abendkasse):

kontakt@o-ton.koeln

Luise Volkmann - Saxophon

Luise Volkmann /b. 1992/ is a musician and sound composer based in Cologne, Germany. Her favorite tool is the saxophone. Her musical project circles around the transformative potential of music – with various bands she brings and brought to life.

Luise has won several awards as a saxophonist, including a double award at the German Jazzprice 2026. Over the past decade, she has performed at renowned festivals and jazz clubs in Europe, Asia and Middle East with excursions into folk, contemporary and transtraditional music.
She completed her studies in jazz saxophone, composition and musicology in Leipzig, Paris and Cologne.

Aidan O’Rourke - Scottish Fiddle

Aidan grew up in an Irish family in Argyll and learned fiddle in the West Highland style. His roots are in Scottish and Irish music but he roams the edges of those traditions.

His trio Lau came together in 2006 and has ventured a new sound in progressive folk music. The trio has released six studio albums, multiple live albums and collaborative EPs. Lau won Best Group at the BBC 2 Folk Awards an unprecedented four times.

Elsewhere, Aidan has been part of multiple inventive traditional music bands for nearly four decades. He joined The Caledonia Ramblers aged 14 in 1989; formed the duo Tabache with Claire Mann in 1994; became a member of Blazin’ Fiddles in 1998; founded the quartet Kan with whistle player Brian Finnegan in 2010; formed a duo with jazz pianist Kit Downes in 2016; joined Donal Lunny’s Atlantic Arc in 2017. Aidan performs with Brìghde Chaimbeul and produced her celebrated debut album The Reeling in 2019. He has recently been working with Lebanese ney player Bashir Saade, and has formed a new duo with guitarist Sean Shibe.

Aidan was named Musician of the Year at the BBC Radio 2 Folk Awards in 2014. His multiple solo albums include Sirius (2006), An Tobar (2008), Hotline (2013), 365: Vol 1 (2018), Vol 2 (2019) and Iorram (2021).

Weitere Termine der Folk Stories Reihe:

Im Loft:  30.11. feat. Janick Martin (FR) // 06.12. feat. Aoife Ní Bhriain (IRE)

-> hier eine Playlist zu Folk Stories (Spotify)

Gefördert durch:

Welche Geschichten erzählt Folk Music aus verschiedenen Flecken in Europa? Wo nationale Grenzen in letzter Zeit wieder spürbarer werden, wagt die Konzertreihe Folk Stories eine Gegenperspektive: Improvisation ist der gemeinsame Boden und trifft dieses Mal auf Folk mit türkischen und kurdischen Einflüssen.

Mit Saz, Gitarre und Saxophon entsteht an diesem Abend (Konzert I) ein warm-holziges Trio mit Koray Berat Sari aus Monheim und den beiden Kölner Musiker:innen Tobias Hoffmann und Luise Volkmann.

Koray Berat Sari ist ein musikalischer Tausendsassa. Er spielt hauptsächlich Saz – die türkische Laute – aber auch Gitarre und verschiedene Flöten. Er bewegt sich in verschiedenen Folk Projekten, aber auch im Jazz und in der Klassik. „Für mich ist Koray ein besonderer Musiker, weil er immer mit so viel emotionaler Tiefe und Herz spielt, dass ich jede musikalische Begegnung mit ihm unglaublich genieße“ sagt Volkmann.

Konzertbeginn: 20:00h // Einlass: 19:00h

Eintrittspreise:

25 € (Normal & Solidarpreis)

15 € (Ermäßigung ohne Nachweis)

5 x kostenlos (Solidar-Tickets, ohne Nachweis)

Karten-Reservierung per mail empfohlen (Tickets an der Abendkasse):

kontakt@o-ton.koeln

Luise Volkmann - Saxophon

Luise Volkmann /b. 1992/ is a musician and sound composer based in Cologne, Germany. Her favorite tool is the saxophone. Her musical project circles around the transformative potential of music – with various bands she brings and brought to life.

Luise has won several awards as a saxophonist, including a double award at the German Jazzprice 2026. Over the past decade, she has performed at renowned festivals and jazz clubs in Europe, Asia and Middle East with excursions into folk, contemporary and transtraditional music.
She completed her studies in jazz saxophone, composition and musicology in Leipzig, Paris and Cologne.

Tobias Hoffmann - Gitarre

Tobias Hoffmann was born in 1982 in Remscheid
Beginning in 1998, took guitar lessons in classical and jazz guitar at the Bonn Music School
Young student at the Cologne University of Music and Dance (HfMT) in 2001
Diploma in jazz guitar in 2007, Cologne University of Music and Dance (HfMT)
City of Cologne Jazz Prize (Horst & Gretl Will Scholarship) in 2010
New German Jazz Prize in 2009 with the Frederik Köster Quartet and in 2013 with Max Andrzejewski’s HÜTTE
ECHO Jazz Award in 2015 (National Guitar)
WDR Jazz Prize 2016 (Improvisation)
Recordings for nearly all German radio stations
Various CD productions as a bandleader and sideman
Guest performer at numerous national and international festivals
Various concert tours around the world
Organized the “Zockpalast” concert series in Cologne for 6 years
Member of the KLAENG Jazz Collective Cologne
Instructor at the Offene Jazz Haus Schule in Cologne, teaching jazz guitar (2007–2021), and at the University of Music, Drama, and Media in Hanover (2017–2021). Since 2021, professor of jazz and pop guitar and ensemble at the Trossingen University of Music

Koray Berat Sari - Saz /türkische Laute

Koray Berat Sari is a multi-instrumentalist and composer from Monheim am Rhein with Alevi-Kurdish roots. He studied classical guitar at the Cologne University of Music and Dance, where he also specialized in West Asian instruments and musical traditions. Sari performs both as a soloist and in various ensembles, and he directs the youth ensemble mondomuziko nrw. He is additionally involved in a range of music and theater projects. As a lecturer, he teaches at the Cologne University of Music and Dance, the Association of Music Schools in North Rhine-Westphalia, and the State Music Academy of North Rhine-Westphalia. His main areas of focus are bağlama, guitar, and transcultural ensemble work. With the Duisburg Philharmonic, he contributes as a community music artist to numerous concerts and projects.

Weitere Termine der Folk Stories Reihe:

Im Loft:  30.11. feat. Janick Martin (FR) // 06.12. feat. Aoife Ní Bhriain (IRE)

Im o-ton: 13.12. feat.  Aidan O’Rourke (UK-SCT) more infos to come...

-> hier eine Playlist zu Folk Stories (Spotify)

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Exklusives Gastspiel im o-ton:

Kunstlieder aus Lateinamerika:

ein Programm aus Welt- und Deutschlandpremieren mit Musik von:

C. Sofia Alvarez • Tomas Brantmayer • Dinora de Carvalho • A. García Caturla • Carlos Chávez • R. Marino Arcaro

Unter der Leitung des Komponisten Rafael Marino Arcaro bringen die Sopranistin Hannah Dienes-Williams und das Ensemble Utak ein  außergewöhnliches Konzert nach Deutschland, das vollständig aus Uraufführungen besteht und ein Jahrhundert lateinamerikanischer Musik zwischen 1927 und 2026 umspannt. Werke aus Brasilien, Chile, Peru, Kuba und Mexiko verbinden frühen Modernismus mit zeitgenössischen Stimmen in einer generationenübergreifenden kulturellen Begegnung.

Zwei Liederzyklen der brasilianischen Komponistin Dinorá de Carvalho (1895–1980), neu arrangiert für Sopran und Ensemble, verfolgen ihre Entwicklung vom Modernismus hin zu einer markant individuellen atonalen Sprache. Die Lieder von A. García Caturla (1906–1940) entstanden nach seinem Studium bei Nadia Boulanger in Paris und sind geprägt von rhythmischer Vitalität und kühner Harmonik im Zeichen des Afrokubanismus. Carlos Chávez’ Invention III (1967) für Soloharfe bietet einen eleganten Einblick in eine geheimnisvolle Welt. Neuere Werke des chilenischen Komponisten Tomás Brantmayer und der peruanischen Komponistin Sofía Alvarez setzen diese Linie in die Gegenwart fort: Brantmayer greift auf Melodien der indigenen Yaghan-Gemeinschaft zurück, während Alvarez die Resonanz des Klangs selbst erforscht – eine zeitgenössische Neubetrachtung des Mantra-Gedankens. Im Zentrum steht die Uraufführung von 'what i learned from manoel de barros: / o que aprendi com manoel de barros:’, Marino Arcaros Vertonung von Manoel de Barros’ Gedichtband aus dem Jahr 1998. Dieses neue Werk verwandelt die Sprache des Dichters – geprägt von Fragilität – in eine kühne vokale Klanglandschaft und macht die stilleren ländlichen Regionen Brasiliens erfahrbar.

Kunstlieder aus Lateinamerika

Konzertbeginn: 19.30h

Einlass: 18:30h

Eintritt: 28€ (Normalpreis - Solidarpreis)

Ermässigt: 10€ (Ermäßigung - ohne Nachweis!)

Vorreservierung per mail wird dringend empfohlen:

 kontakt@o-ton.koeln

Tickets nur an der Abendkasse

R. Marino Arcaro: Dirigent, künstlerischer Leiter, Komponist 

Hannah Dienes-Williams: Sopran

Ensemble Utak:

Cara Dawson, Harfe

Ingvild Ness – Flöte

Anna Jurriaanse, Viola

Gastsolisten:

James Girling, Gitarre, E-Bass und Viola Caipira  

Emilia Turkanik,  Violine

Stefano Cucuzzella, Cello

Dinorá de Carvalho (1895–1980) [arr. Marino Arcaro]
suite der späteren werke: anguish fire water, op.26b (arr. 2025-26)
drei Stücke, komponiert zwischen 1963 und 1972, für Sopran und sechs Solisten *

Tomás Brantmayer (1992–)
Mamihlapinatapai (2022)
für Flöte, Harfe und Viola **

Sofía Alvarez (1991–)
M.A.N.-T.R.A. 5.0 (2023)
für Violine und Viola **

Dinorá de Carvalho [arr. Marino Arcaro]
suite der volksweisen: play sleep / sleep play, op.26a (arr. 2025-26)
vier Stücke, komponiert zwischen 1948 und 1955, für Sopran und sechs Solisten *

R. Marino Arcaro (1990–)
what i learned from manoel de barros: / o que aprendi com manoel de barros:, op.28 (2026)
for Sopran und sechs Solisten * [MusikFonds-Auftragswerk]

Carlos Chávez (1899–1978)
Invention III (1967)
für Soloharfe **

A. García Caturla (1906–1940) [arr. Marino Arcaro]
zwei afrocubanische lieder, wwo.5 (arr. 2026)
zwei Lieder, komponiert zwischen 1927 und 1931, für Sopran und fünf Solisten *

* Weltpremiere
** Deutschlandremiere

Rafael Marino Arcaro

Der brasilianische Komponist Rafael Marino Arcaro, der zwischen Berlin und London lebt und arbeitet, erhielt Aufträge vom London Symphony Orchestra und dem London Philharmonic Orchestra, die seine Werke auch zur Uraufführung brachten. Als ehemaliger Student George Benjamins spiegelt seine Musik sowohl seine ländliche Kindheit im Bundesstaat São Paulo als auch die Auseinandersetzung mit seiner brasilianischen künstlerischen Identität wider.

Rafael ist derzeit einer der Finalisten des 80. Internationalen Kompositionswettbewerbs des Concours de Genève 2026

Brazilian composer Rafael Marino Arcaro, based between Berlin and London, has been commissioned and premiered by the London Symphony Orchestra and the London Philharmonic Orchestra. A pupil of George Benjamin in London, his music reflects his rural upbringing in São Paulo and an exploration of Brazilian artistic identity.

Rafael is currently one of the finalists in the 80th Concours de Genève Internationational Composition Competition 2026.

Hannah Dienes-Williams

Die britische Sopranistin Hannah Dienes-Williams ist spezialisiert auf zeitgenössische Musik

Hannah die europaweit als Solistin und Ensemblesängerin tätig ist schloss ihr Masterstudium an der Royal Academy of Music mit Auszeichnung ab, wo sie für ihr Abschlusskonzert mit dem DipRam, dem Edlee-Preis für Gesang sowie dem Edwin-Samuel-Dove-Preis ausgezeichnet wurde, der aus dem gesamten Akademiestudium ausgewählt wurde.

Ab 2026 ist sie „Equilibrium Young Artist“, gefördert von Barbara Hannigan.

Zu ihren zukünftigen Engagements zählen eine Deutschlandtournee mit einer eigens für sie komponierten Uraufführung, zwei neue Solokonzerte sowie eine Rückkehr zu den Salzburger Festspielen mit Cantando Admont und PHACE.

Hannah Dienes-Williams is a London based soprano working across Europe as a soloist and ensemble singer, specialising in contemporary music.

She graduated with Distinction in her MA from the Royal Academy of Music, where she was awarded the DipRam for her final recital, the Edlee Prize for Singing and the Edwin Samuel Dove Prize, selected from the whole of the Academy. From 2026 she is an Equilibrium Young Artist, sponsored by Barbara Hannigan.

​Future engagements include a tour of Germany featuring a premiere written for her, two new solo shows and returning to Salzburger Festspiele with Cantando Admont and PHACE.

Ensemble Utak

Das in Berlin ansässige Ensemble Utak (Flöte, Viola, Harfe) ist bekannt für seinen feinsinnigen, lebendigen Klang und seine ideenreiche Programmgestaltung.

2024 wurde Ensemble Utak in die Young Ensemble Academy des Ensemble Modern aufgenommen. Gemeinsam mit Gastsolisten an Gitarre, Violine und Violoncello wird dieses besondere Konzert auf deutsche Bühnen gebracht.

Rafael Marino Arcaros Violinkonzert, Op. 14, (Kate Oswin - Violin) wurde 2022 vom London Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Brett Dean in der Queen Elizabeth Hall in London uraufgeführt. Weitere Musik von Marino Arcaro ist hier zu finden

Nach intensiven Jahren auf den Bühnen Europas beginnt für Norman Keil ein weiteres Kapitel. Die EXPERIMENTE TOUR 27|28 ist mehr als eine Konzertreihe. Sie ist eine Einladung, gemeinsam Neuland zu betreten.

Mit seiner letzten Tour „Willst du mit mir gehen“ stellte Norman Keil sein Publikum vor eine Aussage. Die Antwort kam mit unvergesslichen Konzertmomenten, wachsender Verbundenheit und einer immer engeren Gemeinschaft. Jetzt wird aus dieser Verbindung ein gemeinsamer Weg zelebriert.

Die EXPERIMENTE TOUR 27|28 steht für Mut, Kreativität und die Lust auf das Unvorhersehbare. Bekannte Songs erhalten neue Perspektiven, spontane Momente werden Teil der Show und jeder Abend entwickelt seine eigene Dynamik. Nicht Perfektion steht im Mittelpunkt, sondern die Magie des Augenblicks.

Norman Keil zählt zu den markantesten deutschsprachigen Singer-Songwritern seiner Generation. Seine Songs verbinden emotionale Tiefe, ehrliche Geschichten und eine außergewöhnliche Nähe zum Publikum. Gemeinsam mit seinem Publikum entwickelt er seit Jahren eine besondere Konzertkultur, in der echte Begegnungen, Vertrauen und gemeinsame Erlebnisse im Mittelpunkt stehen.

Die EXPERIMENTE TOUR 27|28 richtet den Blick konsequent nach vorne. Sie verzichtet bewusst auf Nostalgie und Wiederholung. Stattdessen entstehen neue Klangwelten, neue Begegnungen und neue Geschichten.

Wer Teil dieser Tour wird, besucht nicht einfach ein Konzert.
Er wird Teil eines Experiments.
Teil eines Abends, der genau so nur einmal stattfinden wird.

Norman Keil
EXPERIMENTE TOUR 27|28

19. Februar 2027
Konzertbeginn: 20h
Tickets nur über
EVENTIM

Norman Keil - Gesang & Gitarre

Der Chronist der ungeschminkten Emotion.

Norman Keil gilt seit Jahren als einer der profiliertesten, authentischsten Songwriter und Live-Performer im deutschsprachigen Raum. Seine Stimme besitzt die seltene Gabe, Narben in Poesie zu verwandeln; seine Gitarrenriffs tragen die Wucht des echten Lebens. Er ist kein Pop-Produkt, sondern ein Geschichtenerzähler, der die Brüche des Menschseins zelebriert. Mit der Fähigkeit, binnen Sekunden eine unsichtbare, aber unzerreißbare Brücke zu hunderten von Menschen im Raum zu schlagen, hat er sich einen absoluten Ausnahmestatus erspielt. Wo andere die perfekte Illusion verkaufen, schenkt Norman Keil seinem Publikum den echten, ungeschminkten Moment.

HER:
itage

HER:itage

bringt drei außergewöhnliche Musikerinnen zusammen und verbindet klassische Musik, Jazz und Singer-Songwriter Elemente zu einem genreübergreifenden Konzerterlebnis.

Die polnische Mezzosopranistin Marta Wryk, die deutsch-afghanische Jazzsängerin und Komponistin Simin Tander und die Pianistin Sina Kloke treffen auf Werke von Komponistinnen aus verschiedenen Zeiten und Kulturen und bringen sie in einen neuen musikalischen Dialog.

So macht HER:itage marginalisierte Stimmen der Musikgeschichte sichtbar und verbindet sie mit aktuellen Perspektiven.

HER:itage

brings together three extraordinary female musicians and blends classical music, jazz, and singer-songwriter elements into a cross-genre concert experience.

Polish mezzo-soprano Marta Wryk, German-Afghan jazz singer and composer Simin Tander, and pianist Sina Kloke explore works by female composers from different eras and cultures, bringing them into a new musical dialogue.

In this way, HER:itage brings marginalized voices from music history to the forefront and connects them with contemporary perspectives.

Konzertbeginn: 20:00h // Einlass: 19:00h

Eintrittspreise:

25 € (Normalpreis, Solidarzuschlag möglich = 30€)

15 € (Ermäßigt ohne Nachweis)

5 x kostenlos (Solidarität-Tickets, ohne Nachweis)

Karten-Reservierung per mail empfohlen (Tickets an der Abendkasse):

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Sina Kloke // Pianist:in

“A magnificent pianist” (Fono Forum)

Pianist Sina Kloke performs regularly on international stages. Highlights of her young career include concerts at the Elbphilharmonie in Hamburg, the Tonhalle in Düsseldorf, the Philharmonie im Gasteig in Munich, the Semperoper in Dresden, Carnegie Hall in New York, the Konzerthaus in Berlin, the Musikverein in Vienna, and the KKL in Lucerne. She is a regular guest at major festivals such as the Schleswig-Holstein Music Festival, the Beethovenfest in Bonn, the Moritzburg Festival in Dresden, and the George Enescu Festival in Bucharest.
As a versatile artist, she is active not only as a soloist but also as a sought-after chamber music partner, collaborating with members of the Vienna Philharmonic, the WDR Symphony Orchestra, and the Staatskapelle Dresden, among others.
For the upcoming 2026/27 season, she is scheduled to make her debut at venues including the Vienna State Opera as part of the Vienna Philharmonic’s chamber music series.

In addition to her concert activities, Sina Kloke regularly serves as a juror at international competitions and gives master classes.

She studied piano with Pavel Gililov and Arbo Valdma (HfMT Cologne) as well as Matti Raekallio (The Juilliard School, New York).

The pianist’s artistic work is characterized by a particular interest in innovative concert formats and socially conscious programming. The press describes her unconventional concepts as an enrichment to contemporary concert life.

Together with mezzo-soprano Marta Wryk and jazz singer Simin Tander, the pianist is committed to raising the profile of female composers.

Her commitment—including her work for UNICEF and in refugee aid—as well as the founding of the association “Glow Up · Strengthening Democracy” and her artistic direction of the eponymous democracy festival, which combines culture with political education, underscore her belief that art should be understood not only as a creative force but also as a social one.

Marta Wryk // Mezzosopranistin

After her successful American debut as Aglaonice in Philip Glass’ Orphée at the Virginia Opera in 2011, young Polish mezzo-soprano Marta Wryk came to the attention of European audiences and the press when she stepped in the role of Smeton in Anna Bolena at Oper Köln. Critics praised her for having “the most promising voice with spectacular high notes” (ResMusica) and for her “remarkable Italianitá” (Der neue Merker). While still a member of the Oper Köln Opera Studio, she was featured in several leading roles, including Cherubino in Le Nozze di Figaro, Hänsel in Hänsel und Gretel, Oberto in Alcina and Gianetta in L’elisir d’Amore. She then joined the ensemble of Oper Köln and added to her reportoire the roles of Mercédès in Carmen, Second Lady in The Magic Flute and Laura in Tschaikovsky’s Jolantha. For her guest appearance in the demanding role of Ascanio in Berlioz’s Benvenuto Cellini at Oper Bonn in November 2015, she received great critical acclaim, being called “the astonishment of the evening” (Der Neue Merker) and “a singer at a start of a remarkable career” (Kölner Stadtanzeiger).
She has since sung numerous operatic roles while also enjoying a successful concert career which took her to concert venues such as Concertgebouw Amsterdam, Philharmonie Luxembourg, Düsseldorf Tonhalle, Kölner Philharmonie, Polish National Radio Symphony Orchestra Concert Hall in Katowice and Symphony Space in New York.

Simin Tander // Singer/Vocalist

Award winning and ECM recording artist Simin Tander is one of the most amazing voices in European jazz; she „balances on the boarders of pain and beauty, of gracefulness and passion.“ (Augsburger Allgemeine Zeitung, GE) and sings with an intensity that is rare to find.
With her enchantingly tender and equally expressive voice Simin builds bridges between occidental jazz and arabesque-like vocal flights, between rich songwriting and freely improvised textures. She draws a fascinating route to her Mid- Eastern heritage by also singing in Afghaani / Pashto, the language of her late father.
After a number of international festivals and two highly acclaimed albums with her former Dutch quartet, Simin Tander released her joint ECM record „What was said“ (Annual German Critics Award, 2016) with star pianist Tord Gustavsen and toured the world.

Her current project „Simin Tander new quartet: Unfading“ (Jazzhaus Records) combines rich songwriting with female poetry from Afghanistan and elsewhere, paying homage to inspiring, creative women across cultures and epoches, performed by a quartet of 4 exceptional musicians. Simin’s unique approach to vocal improvisation remains a trademark of hers. Echoing her rich cultural heritage and creating her own language- full of life-enhanced freedom. The result is „utterly hypnotic (…) highly unconventional“ (*****Concerto, AUT) and „extraordinary beautiful“(Norwegian Financial Times).

Simin teaches jazz & pop vocals at the „Hochschule für Musik Köln“, Germany and gives worldwide workshops.

Gefördert durch Mittel des Generalkonsulats Polen

„Albert Göring? – Nie gehört. Hermann Göring, ja den kenne ich, aber Albert? Nein.“

"Das war die Standardantwort – und sie ist es bis heute – wenn ich jemanden fragte, ob er oder sie Albert Göring kenne. Und offen gestanden: Es ging mir genauso, bis mir vor einiger Zeit das Buch „Hermanns Bruder – Wer war Albert Göring?“ des jungen australischen Ökonomen William Hastings Burke in die Hände fiel. An sich ein wenig spektakulärer Titel, der kaum mehr versprach, als ein weiteres biographisches Werk über ein Mitglied des erweiterten Kreises der Nazientourage zu sein. Albert Göring, der Bruder Hermann Görings eben. Ich las das Buch trotzdem und entdeckte ein bisher fast unbekanntes und atemberaubendes Stück Zeitgeschichte auf der einen und die Geschichte eines ungleich - gleichen Brüderpaares auf der anderen Seite". M.T. Wehrhan (Regisseur)

Unterschiedlicher können zwei Brüder nicht sein. Der eine, Hermann Göring, schließt sich begeistert Hitler an und macht in dem mörderischen Regime der Nationalsozialisten Karriere. Der andere, sein Bruder Albert Göring, verachtet die Unmenschlichkeit der Nazis. William Hastings Burke hat sich auf die Spuren des 1966 in München verstorbenen Albert Göring begeben und akribisch seine weitgehend unbekannte Lebensgeschichte recherchiert. Albert Göring hat während des Nazi-Regimes mit dem tschechischen Widerstand zusammengearbeitet und vierunddreißig Menschen das Leben gerettet, indem er ihre Ausreise aus Deutschland oder Österreich organisierte und nicht selten auch finanzierte.

Beginn: 18:00h // Einlass: 17:00h

Eintrittspreise:

15 € (Normalpreis, Solidarzuschlag möglich = 20€)

10 € (Ermäßigt ohne Nachweis)

5 x kostenlos (Solidarität-Tickets, ohne Nachweis)

Karten-Reservierung per mail empfohlen (Tickets an der Abendkasse):

kontakt@o-ton.koeln

Die Lesung dauert etwas mehr als eine Stunde. Es liest Olaf Reitz, der auch den Hauptteil des Hörbuches eingesprochen hat. Moderiert wird die Lesung von Michael T. Wehrhan. Nach der Lesung stehen Regisseur und Sprecher für ein Gespräch zur Verfügung.

Sprache braucht Raum. Körper. Zeit. Das ist keine Theorie – das ist die Grundlage, auf der Olaf Reitz seit Jahrzehnten arbeitet.
Als Sprecher, Schauspieler und Theatermacher bewegt er sich zwischen Studio, Bühne und öffentlichem Raum, arbeitet konsequent an den Rändern. Nicht im Sinne von Nische, sondern im Sinne von Grenzraum – zwischen Literatur und Performance, zwischen Bühne und Straße, zwischen Stimme und Raum – genau diese Zwischenräume interessieren ihn. Wo Sprache auf Architektur trifft. Wo ein Text plötzlich eine Straßenecke bewohnt. Wo eine Stimme mehr ist als ein Klang. Olaf Reitz nimmt sein Handwerk ernst und ist bereit, die naheliegende Lösung in Frage zu stellen.

Palmblatt trifft auf indigenes Wissen der KhoiSan

Mit diesem Konzert setzen die Musiker ihre Zusammenarbeit fort. Garth Erasmus und Andreas O. Hirsch traten auf eine Initiative von Georg Dietzler / gerngesehen und gefördert von der Kunststiftung NRW zum ersten Mal im April/Mai 2026 gemeinsam beim Entanglements Festival in Johannesburg und Kapstadt auf. 

With this concert, the musicians are continuing their collaboration. Garth Erasmus and Andreas O. Hirsch performed together for the first time in April/May 2026 at the Entanglements Festival in Johannesburg and Cape Town, as part of an initiative by Georg Dietzler/gerngesehen and with the support of the Kunststiftung NRW.

Garth Erasmus und Andreas O. Hirsch verbindet eine Begeisterung für das Konstruieren elektroakustischer Instrumente, Improvisation und eine experimentell-forschende Herangehensweise. Durch die Kombination ihres Instrumentariums entsteht eine eigenwillige, ungeschliffene Musik an der Grenze zwischen Natur und elektronischer Transformation. Garth Erasmus entwickelt und konstruiert seine Instrumente basierend auf dem indigenen Wissen der KhoiSan: Zentral dabei ist neben der traditionellen Windpyp, Mouth Bows und diversen Blasinstrumenten die Ghôrrah, ein einsaitiger Bogen, der gestrichen, geklöppelt und gezupft werden kann. Andreas O. Hirsch’s Elektrifiziertes Palmblatt beruht auf dem Prinzip der afrikanischen Kalimba und öffnet in Verbindung mit Effekten einen Raum zwischen experimenteller Elektronik und elektroakustischer Musik mit einem Hang zu Fluxus, archaischen Elementen und eskapistischen Ausflügen.

Garth Erasmus and Andreas O. Hirsch share a passion for designing electroacoustic instruments, improvisation, and an experimental, exploratory approach. The combination of their instruments gives rise to a unique, raw sound that straddles the line between nature and electronic transformation. Garth Erasmus develops and builds his instruments based on the indigenous knowledge of the KhoiSan: central to this, alongside the traditional windpyp, mouth bows, and various wind instruments, is the Ghôrrah, a single-stringed bow that can be bowed, tapped, and plucked. Andreas O. Hirsch’s electrified palm leaf is based on the principle of the African kalimba and, in combination with effects, opens up a space between experimental electronics and electroacoustic music with a penchant for Fluxus, archaic elements, and escapist excursions.

Konzertbeginn: 19:30h // Einlass: 18:30h

Eintritt: Auf Spendenbasis

Karten-Reservierung per mail empfohlen

kontakt@o-ton.koeln

Instrumentarium

Andreas O. Hirsch (Köln) ist Musiker, Erfinder elektroakustischer Instrumente und bildender Künstler. „Sein Stil lässt sich als Teil einer kleinen, aber lebendigen Nische beschreiben: Musik, die klingt, als handle es sich um Volksmusik einer verlorenen Zivilisation, eine Art fremdartiger, postindustrieller Musik, die ebenso Science-Fiction zu sein scheint wie etwas, das aus der Urzeit stammen könnte, und sie ist so anschaulich, dass sie zu einem Soundtrack wird – ohne dass es dazu einen Film bräuchte.“  Josh Landry / musiquemachine.com (UK).

 bandcamp.com // homepage// www.makiphon.de

Andreas O. Hirsch (Cologne) is a musician, inventor of electroacoustic instruments, and visual artist. “His style can be described as part of a small but vibrant niche: music that sounds like the folk music of a lost civilization, a kind of otherworldly, post-industrial music that seems as much like science fiction as it does something that could have come from prehistoric times, and it is so vivid that it becomes a soundtrack—without needing a film to go with it.” Josh Landry / musiquemachine.com (UK).

Instrumentarium

Garth Erasmus (Kapstadt) ist ein südafrikanischer Künstler und Musiker. Seit 1985 hat sich sein Interesse von der Malerei herkommend auf die Musikproduktion sowie den Entwurf und Bau eigener Instrumente in Verbindung mit dem kulturellen Erbe der KhoiSan erweitert. Von 1999 bis 2012 war er Mitglied der südafrikanischen Aktivistengruppe Khoi Khonnexion. Seine musikalischen Werke sind vor allem durch eine unruhige Suche nach alternativen Ausdrucksformen und Materialien gekennzeichnet, darunter neben den selbstgebauten Instrumenten auch Field Recordings und Elektronik.

soundcloud // bandcamp // projects

Garth Erasmus (Cape Town) is a South African artist and musician. Since 1985, his interests—which originated in painting—have expanded to include music production as well as the design and construction of his own instruments, all in connection with the cultural heritage of the KhoiSan. From 1999 to 2012, he was a member of the South African activist group Khoi Khonnexion. His musical works are characterized above all by a restless search for alternative forms of expression and materials, including not only his self-built instruments but also field recordings and electronics.

Unterstützt durch den IFM e.V. | Initiative Freie Musik in Köln, gefördert mit Mitteln der Stadt Köln, Kulturamt.