HER:
itage

HER:itage

bringt drei außergewöhnliche Musikerinnen zusammen und verbindet klassische Musik, Jazz und Singer-Songwriter Elemente zu einem genreübergreifenden Konzerterlebnis.

Die polnische Mezzosopranistin Marta Wryk, die deutsch-afghanische Jazzsängerin und Komponistin Simin Tander und die Pianistin Sina Kloke treffen auf Werke von Komponistinnen aus verschiedenen Zeiten und Kulturen und bringen sie in einen neuen musikalischen Dialog.

So macht HER:itage marginalisierte Stimmen der Musikgeschichte sichtbar und verbindet sie mit aktuellen Perspektiven.

HER:itage

brings together three extraordinary female musicians and blends classical music, jazz, and singer-songwriter elements into a cross-genre concert experience.

Polish mezzo-soprano Marta Wryk, German-Afghan jazz singer and composer Simin Tander, and pianist Sina Kloke explore works by female composers from different eras and cultures, bringing them into a new musical dialogue.

In this way, HER:itage brings marginalized voices from music history to the forefront and connects them with contemporary perspectives.

Konzertbeginn: 20:00h // Einlass: 19:00h

Eintrittspreise:

25 € (Normalpreis, Solidarzuschlag möglich = 30€)

15 € (Ermäßigt ohne Nachweis)

5 x kostenlos (Solidarität-Tickets, ohne Nachweis)

Karten-Reservierung per mail empfohlen (Tickets an der Abendkasse):

kontakt@o-ton.koeln

Sina Kloke // Pianist:in

“A magnificent pianist” (Fono Forum)

Pianist Sina Kloke performs regularly on international stages. Highlights of her young career include concerts at the Elbphilharmonie in Hamburg, the Tonhalle in Düsseldorf, the Philharmonie im Gasteig in Munich, the Semperoper in Dresden, Carnegie Hall in New York, the Konzerthaus in Berlin, the Musikverein in Vienna, and the KKL in Lucerne. She is a regular guest at major festivals such as the Schleswig-Holstein Music Festival, the Beethovenfest in Bonn, the Moritzburg Festival in Dresden, and the George Enescu Festival in Bucharest.
As a versatile artist, she is active not only as a soloist but also as a sought-after chamber music partner, collaborating with members of the Vienna Philharmonic, the WDR Symphony Orchestra, and the Staatskapelle Dresden, among others.
For the upcoming 2026/27 season, she is scheduled to make her debut at venues including the Vienna State Opera as part of the Vienna Philharmonic’s chamber music series.

In addition to her concert activities, Sina Kloke regularly serves as a juror at international competitions and gives master classes.

She studied piano with Pavel Gililov and Arbo Valdma (HfMT Cologne) as well as Matti Raekallio (The Juilliard School, New York).

The pianist’s artistic work is characterized by a particular interest in innovative concert formats and socially conscious programming. The press describes her unconventional concepts as an enrichment to contemporary concert life.

Together with mezzo-soprano Marta Wryk and jazz singer Simin Tander, the pianist is committed to raising the profile of female composers.

Her commitment—including her work for UNICEF and in refugee aid—as well as the founding of the association “Glow Up · Strengthening Democracy” and her artistic direction of the eponymous democracy festival, which combines culture with political education, underscore her belief that art should be understood not only as a creative force but also as a social one.

Marta Wryk // Mezzosopranistin

After her successful American debut as Aglaonice in Philip Glass’ Orphée at the Virginia Opera in 2011, young Polish mezzo-soprano Marta Wryk came to the attention of European audiences and the press when she stepped in the role of Smeton in Anna Bolena at Oper Köln. Critics praised her for having “the most promising voice with spectacular high notes” (ResMusica) and for her “remarkable Italianitá” (Der neue Merker). While still a member of the Oper Köln Opera Studio, she was featured in several leading roles, including Cherubino in Le Nozze di Figaro, Hänsel in Hänsel und Gretel, Oberto in Alcina and Gianetta in L’elisir d’Amore. She then joined the ensemble of Oper Köln and added to her reportoire the roles of Mercédès in Carmen, Second Lady in The Magic Flute and Laura in Tschaikovsky’s Jolantha. For her guest appearance in the demanding role of Ascanio in Berlioz’s Benvenuto Cellini at Oper Bonn in November 2015, she received great critical acclaim, being called “the astonishment of the evening” (Der Neue Merker) and “a singer at a start of a remarkable career” (Kölner Stadtanzeiger).
She has since sung numerous operatic roles while also enjoying a successful concert career which took her to concert venues such as Concertgebouw Amsterdam, Philharmonie Luxembourg, Düsseldorf Tonhalle, Kölner Philharmonie, Polish National Radio Symphony Orchestra Concert Hall in Katowice and Symphony Space in New York.

Simin Tander // Singer/Vocalist

Award winning and ECM recording artist Simin Tander is one of the most amazing voices in European jazz; she „balances on the boarders of pain and beauty, of gracefulness and passion.“ (Augsburger Allgemeine Zeitung, GE) and sings with an intensity that is rare to find.
With her enchantingly tender and equally expressive voice Simin builds bridges between occidental jazz and arabesque-like vocal flights, between rich songwriting and freely improvised textures. She draws a fascinating route to her Mid- Eastern heritage by also singing in Afghaani / Pashto, the language of her late father.
After a number of international festivals and two highly acclaimed albums with her former Dutch quartet, Simin Tander released her joint ECM record „What was said“ (Annual German Critics Award, 2016) with star pianist Tord Gustavsen and toured the world.

Her current project „Simin Tander new quartet: Unfading“ (Jazzhaus Records) combines rich songwriting with female poetry from Afghanistan and elsewhere, paying homage to inspiring, creative women across cultures and epoches, performed by a quartet of 4 exceptional musicians. Simin’s unique approach to vocal improvisation remains a trademark of hers. Echoing her rich cultural heritage and creating her own language- full of life-enhanced freedom. The result is „utterly hypnotic (…) highly unconventional“ (*****Concerto, AUT) and „extraordinary beautiful“(Norwegian Financial Times).

Simin teaches jazz & pop vocals at the „Hochschule für Musik Köln“, Germany and gives worldwide workshops.

Gefördert durch Mittel des Generalkonsulats Polen

„Albert Göring? – Nie gehört. Hermann Göring, ja den kenne ich, aber Albert? Nein.“

"Das war die Standardantwort – und sie ist es bis heute – wenn ich jemanden fragte, ob er oder sie Albert Göring kenne. Und offen gestanden: Es ging mir genauso, bis mir vor einiger Zeit das Buch „Hermanns Bruder – Wer war Albert Göring?“ des jungen australischen Ökonomen William Hastings Burke in die Hände fiel. An sich ein wenig spektakulärer Titel, der kaum mehr versprach, als ein weiteres biographisches Werk über ein Mitglied des erweiterten Kreises der Nazientourage zu sein. Albert Göring, der Bruder Hermann Görings eben. Ich las das Buch trotzdem und entdeckte ein bisher fast unbekanntes und atemberaubendes Stück Zeitgeschichte auf der einen und die Geschichte eines ungleich - gleichen Brüderpaares auf der anderen Seite". M.T. Wehrhan (Regisseur)

Unterschiedlicher können zwei Brüder nicht sein. Der eine, Hermann Göring, schließt sich begeistert Hitler an und macht in dem mörderischen Regime der Nationalsozialisten Karriere. Der andere, sein Bruder Albert Göring, verachtet die Unmenschlichkeit der Nazis. William Hastings Burke hat sich auf die Spuren des 1966 in München verstorbenen Albert Göring begeben und akribisch seine weitgehend unbekannte Lebensgeschichte recherchiert. Albert Göring hat während des Nazi-Regimes mit dem tschechischen Widerstand zusammengearbeitet und vierunddreißig Menschen das Leben gerettet, indem er ihre Ausreise aus Deutschland oder Österreich organisierte und nicht selten auch finanzierte.

Beginn: 18:00h // Einlass: 17:00h

Eintrittspreise:

15 € (Normalpreis, Solidarzuschlag möglich = 20€)

10 € (Ermäßigt ohne Nachweis)

5 x kostenlos (Solidarität-Tickets, ohne Nachweis)

Karten-Reservierung per mail empfohlen (Tickets an der Abendkasse):

kontakt@o-ton.koeln

Die Lesung dauert etwas mehr als eine Stunde. Es liest Olaf Reitz, der auch den Hauptteil des Hörbuches eingesprochen hat. Moderiert wird die Lesung von Michael T. Wehrhan. Nach der Lesung stehen Regisseur und Sprecher für ein Gespräch zur Verfügung.

Sprache braucht Raum. Körper. Zeit. Das ist keine Theorie – das ist die Grundlage, auf der Olaf Reitz seit Jahrzehnten arbeitet.
Als Sprecher, Schauspieler und Theatermacher bewegt er sich zwischen Studio, Bühne und öffentlichem Raum, arbeitet konsequent an den Rändern. Nicht im Sinne von Nische, sondern im Sinne von Grenzraum – zwischen Literatur und Performance, zwischen Bühne und Straße, zwischen Stimme und Raum – genau diese Zwischenräume interessieren ihn. Wo Sprache auf Architektur trifft. Wo ein Text plötzlich eine Straßenecke bewohnt. Wo eine Stimme mehr ist als ein Klang. Olaf Reitz nimmt sein Handwerk ernst und ist bereit, die naheliegende Lösung in Frage zu stellen.

Palmblatt trifft auf indigenes Wissen der KhoiSan

Mit diesem Konzert setzen die Musiker ihre Zusammenarbeit fort. Garth Erasmus und Andreas O. Hirsch traten auf eine Initiative von Georg Dietzler / gerngesehen und gefördert von der Kunststiftung NRW zum ersten Mal im April/Mai 2026 gemeinsam beim Entanglements Festival in Johannesburg und Kapstadt auf. 

With this concert, the musicians are continuing their collaboration. Garth Erasmus and Andreas O. Hirsch performed together for the first time in April/May 2026 at the Entanglements Festival in Johannesburg and Cape Town, as part of an initiative by Georg Dietzler/gerngesehen and with the support of the Kunststiftung NRW.

Garth Erasmus und Andreas O. Hirsch verbindet eine Begeisterung für das Konstruieren elektroakustischer Instrumente, Improvisation und eine experimentell-forschende Herangehensweise. Durch die Kombination ihres Instrumentariums entsteht eine eigenwillige, ungeschliffene Musik an der Grenze zwischen Natur und elektronischer Transformation. Garth Erasmus entwickelt und konstruiert seine Instrumente basierend auf dem indigenen Wissen der KhoiSan: Zentral dabei ist neben der traditionellen Windpyp, Mouth Bows und diversen Blasinstrumenten die Ghôrrah, ein einsaitiger Bogen, der gestrichen, geklöppelt und gezupft werden kann. Andreas O. Hirsch’s Elektrifiziertes Palmblatt beruht auf dem Prinzip der afrikanischen Kalimba und öffnet in Verbindung mit Effekten einen Raum zwischen experimenteller Elektronik und elektroakustischer Musik mit einem Hang zu Fluxus, archaischen Elementen und eskapistischen Ausflügen.

Garth Erasmus and Andreas O. Hirsch share a passion for designing electroacoustic instruments, improvisation, and an experimental, exploratory approach. The combination of their instruments gives rise to a unique, raw sound that straddles the line between nature and electronic transformation. Garth Erasmus develops and builds his instruments based on the indigenous knowledge of the KhoiSan: central to this, alongside the traditional windpyp, mouth bows, and various wind instruments, is the Ghôrrah, a single-stringed bow that can be bowed, tapped, and plucked. Andreas O. Hirsch’s electrified palm leaf is based on the principle of the African kalimba and, in combination with effects, opens up a space between experimental electronics and electroacoustic music with a penchant for Fluxus, archaic elements, and escapist excursions.

Konzertbeginn: 19:30h // Einlass: 18:30h

Eintritt: Auf Spendenbasis

Karten-Reservierung per mail empfohlen

kontakt@o-ton.koeln

Instrumentarium

Andreas O. Hirsch (Köln) ist Musiker, Erfinder elektroakustischer Instrumente und bildender Künstler. „Sein Stil lässt sich als Teil einer kleinen, aber lebendigen Nische beschreiben: Musik, die klingt, als handle es sich um Volksmusik einer verlorenen Zivilisation, eine Art fremdartiger, postindustrieller Musik, die ebenso Science-Fiction zu sein scheint wie etwas, das aus der Urzeit stammen könnte, und sie ist so anschaulich, dass sie zu einem Soundtrack wird – ohne dass es dazu einen Film bräuchte.“  Josh Landry / musiquemachine.com (UK).

 bandcamp.com // homepage// www.makiphon.de

Andreas O. Hirsch (Cologne) is a musician, inventor of electroacoustic instruments, and visual artist. “His style can be described as part of a small but vibrant niche: music that sounds like the folk music of a lost civilization, a kind of otherworldly, post-industrial music that seems as much like science fiction as it does something that could have come from prehistoric times, and it is so vivid that it becomes a soundtrack—without needing a film to go with it.” Josh Landry / musiquemachine.com (UK).

Instrumentarium

Garth Erasmus (Kapstadt) ist ein südafrikanischer Künstler und Musiker. Seit 1985 hat sich sein Interesse von der Malerei herkommend auf die Musikproduktion sowie den Entwurf und Bau eigener Instrumente in Verbindung mit dem kulturellen Erbe der KhoiSan erweitert. Von 1999 bis 2012 war er Mitglied der südafrikanischen Aktivistengruppe Khoi Khonnexion. Seine musikalischen Werke sind vor allem durch eine unruhige Suche nach alternativen Ausdrucksformen und Materialien gekennzeichnet, darunter neben den selbstgebauten Instrumenten auch Field Recordings und Elektronik.

soundcloud // bandcamp // projects

Garth Erasmus (Cape Town) is a South African artist and musician. Since 1985, his interests—which originated in painting—have expanded to include music production as well as the design and construction of his own instruments, all in connection with the cultural heritage of the KhoiSan. From 1999 to 2012, he was a member of the South African activist group Khoi Khonnexion. His musical works are characterized above all by a restless search for alternative forms of expression and materials, including not only his self-built instruments but also field recordings and electronics.

Unterstützt durch den IFM e.V. | Initiative Freie Musik in Köln, gefördert mit Mitteln der Stadt Köln, Kulturamt.

Exklusives Gastspiel im o-ton:

Kunstlieder aus Lateinamerika:

ein Programm aus Welt- und Deutschlandpremieren mit Musik von:

C. Sofia Alvarez • Tomas Brantmayer • Dinora de Carvalho • A. García Caturla • Carlos Chávez • R. Marino Arcaro

Unter der Leitung des Komponisten Rafael Marino Arcaro bringen die Sopranistin Hannah Dienes-Williams und das Ensemble Utak ein  außergewöhnliches Konzert nach Deutschland, das vollständig aus Uraufführungen besteht und ein Jahrhundert lateinamerikanischer Musik zwischen 1927 und 2026 umspannt. Werke aus Brasilien, Chile, Peru, Kuba und Mexiko verbinden frühen Modernismus mit zeitgenössischen Stimmen in einer generationenübergreifenden kulturellen Begegnung.

Zwei Liederzyklen der brasilianischen Komponistin Dinorá de Carvalho (1895–1980), neu arrangiert für Sopran und Ensemble, verfolgen ihre Entwicklung vom Modernismus hin zu einer markant individuellen atonalen Sprache. Die Lieder von A. García Caturla (1906–1940) entstanden nach seinem Studium bei Nadia Boulanger in Paris und sind geprägt von rhythmischer Vitalität und kühner Harmonik im Zeichen des Afrokubanismus. Carlos Chávez’ Invention III (1967) für Soloharfe bietet einen eleganten Einblick in eine geheimnisvolle Welt. Neuere Werke des chilenischen Komponisten Tomás Brantmayer und der peruanischen Komponistin Sofía Alvarez setzen diese Linie in die Gegenwart fort: Brantmayer greift auf Melodien der indigenen Yaghan-Gemeinschaft zurück, während Alvarez die Resonanz des Klangs selbst erforscht – eine zeitgenössische Neubetrachtung des Mantra-Gedankens. Im Zentrum steht die Uraufführung von 'what i learned from manoel de barros: / o que aprendi com manoel de barros:’, Marino Arcaros Vertonung von Manoel de Barros’ Gedichtband aus dem Jahr 1998. Dieses neue Werk verwandelt die Sprache des Dichters – geprägt von Fragilität – in eine kühne vokale Klanglandschaft und macht die stilleren ländlichen Regionen Brasiliens erfahrbar.

Kunstlieder aus Lateinamerika

Konzertbeginn: 19.30h

Einlass: 18:30h

Eintritt: 28€ (Normalpreis - Solidarpreis)

Ermässigt: 10€ (Ermäßigung - ohne Nachweis!)

Kostenlos: begrenzt auf 5 Plätze (ohne Nachweis!)

Vorreservierung per mail wird dringend empfohlen:

 kontakt@o-ton.koeln

Tickets nur an der Abendkasse

R. Marino Arcaro: Dirigent, künstlerischer Leiter, Komponist 

Hannah Dienes-Williams: Sopran

Ensemble Utak:

Cara Dawson, Harfe

Ingvild Ness – Flöte

Anna Jurriaanse, Viola

Gastsolisten:

Vitor Noah,  Gitarre / e-bass / viola caipira

Emilia Turkanik,  Violine

Stefano Cucuzzella, Cello

Dinorá de Carvalho (1895–1980) [arr. Marino Arcaro]
suite der späteren werke: anguish fire water, op.26b (arr. 2025-26)
drei Stücke, komponiert zwischen 1963 und 1972, für Sopran und sechs Solisten *

Tomás Brantmayer (1992–)
Mamihlapinatapai (2022)
für Flöte, Harfe und Viola **

Sofía Alvarez (1991–)
M.A.N.-T.R.A. 5.0 (2023)
für Violine und Viola **

Dinorá de Carvalho [arr. Marino Arcaro]
suite der volksweisen: play sleep / sleep play, op.26a (arr. 2025-26)
vier Stücke, komponiert zwischen 1948 und 1955, für Sopran und sechs Solisten *

R. Marino Arcaro (1990–)
what i learned from manoel de barros: / o que aprendi com manoel de barros:, op.28 (2026)
for Sopran und sechs Solisten * [MusikFonds-Auftragswerk]

Carlos Chávez (1899–1978)
Invention III (1967)
für Soloharfe **

A. García Caturla (1906–1940) [arr. Marino Arcaro]
zwei afrocubanische lieder, wwo.5 (arr. 2026)
zwei Lieder, komponiert zwischen 1927 und 1931, für Sopran und fünf Solisten *

* Weltpremiere
** Deutschlandremiere

Rafael Marino Arcaro

Der brasilianische Komponist Rafael Marino Arcaro, der zwischen Berlin und London lebt und arbeitet, erhielt Aufträge vom London Symphony Orchestra und dem London Philharmonic Orchestra, die seine Werke auch zur Uraufführung brachten. Als ehemaliger Student George Benjamins spiegelt seine Musik sowohl seine ländliche Kindheit im Bundesstaat São Paulo als auch die Auseinandersetzung mit seiner brasilianischen künstlerischen Identität wider.

Rafael ist derzeit einer der Finalisten des 80. Internationalen Kompositionswettbewerbs des Concours de Genève 2026

Brazilian composer Rafael Marino Arcaro, based between Berlin and London, has been commissioned and premiered by the London Symphony Orchestra and the London Philharmonic Orchestra. A pupil of George Benjamin in London, his music reflects his rural upbringing in São Paulo and an exploration of Brazilian artistic identity.

Rafael is currently one of the finalists in the 80th Concours de Genève Internationational Composition Competition 2026.

Hannah Dienes-Williams

Die britische Sopranistin Hannah Dienes-Williams ist spezialisiert auf zeitgenössische Musik

Hannah die europaweit als Solistin und Ensemblesängerin tätig ist schloss ihr Masterstudium an der Royal Academy of Music mit Auszeichnung ab, wo sie für ihr Abschlusskonzert mit dem DipRam, dem Edlee-Preis für Gesang sowie dem Edwin-Samuel-Dove-Preis ausgezeichnet wurde, der aus dem gesamten Akademiestudium ausgewählt wurde.

Ab 2026 ist sie „Equilibrium Young Artist“, gefördert von Barbara Hannigan.

Zu ihren zukünftigen Engagements zählen eine Deutschlandtournee mit einer eigens für sie komponierten Uraufführung, zwei neue Solokonzerte sowie eine Rückkehr zu den Salzburger Festspielen mit Cantando Admont und PHACE.

Hannah Dienes-Williams is a London based soprano working across Europe as a soloist and ensemble singer, specialising in contemporary music.

She graduated with Distinction in her MA from the Royal Academy of Music, where she was awarded the DipRam for her final recital, the Edlee Prize for Singing and the Edwin Samuel Dove Prize, selected from the whole of the Academy. From 2026 she is an Equilibrium Young Artist, sponsored by Barbara Hannigan.

​Future engagements include a tour of Germany featuring a premiere written for her, two new solo shows and returning to Salzburger Festspiele with Cantando Admont and PHACE.

Ensemble Utak

Das in Berlin ansässige Ensemble Utak (Flöte, Viola, Harfe) ist bekannt für seinen feinsinnigen, lebendigen Klang und seine ideenreiche Programmgestaltung.

2024 wurde Ensemble Utak in die Young Ensemble Academy des Ensemble Modern aufgenommen. Gemeinsam mit Gastsolisten an Gitarre, Violine und Violoncello wird dieses besondere Konzert auf deutsche Bühnen gebracht.

Rafael Marino Arcaros Violinkonzert, Op. 14, (Kate Oswin - Violin) wurde 2022 vom London Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Brett Dean in der Queen Elizabeth Hall in London uraufgeführt. Weitere Musik von Marino Arcaro ist hier zu finden

EMERGING FROM THE SHADOWS - REDISCOVERING THE LEGACIES OF WEINBERG AND KORNGOLD

Born in Warsaw and Vienna, bound by their Jewish heritage, composers Mieczysław Weinberg and Erich Wolfgang Korngold were both forced to flee the Holocaust, Weinberg finding refuge in the USSR, Korngold reinventing himself as a Hollywood film composer. Director Veronika Emily Pohl traces their contrasting lives and neglected legacies, through the efforts of conductor Constantine Orbelian and cellist Kristina Reiko Cooper to bring their music the recognition it deserves.

Screening @o-ton.koeln // Kyllstraße 7A // 50678 Köln

Wednesday, 7/15/2026 at 19:30

The film director, Veronika Emily Pohl will be in attendance for a Q&A following the screening.

Entrance: 5.00 € VAT incl. // Tickets: link here: SeeTheSound

(accredited can attend with their badges):

GRAMMY®-nominated US-conductor Constantine Orbelian, chief conductor of the Kaunas City Symphony Orchestra, and Israel-based cellist Kristina Reiko Cooper who hope to facilitate the transcendence of the two composers’ legacy: Out of the shadows and towards the recognition their music deserves.

In adjacent segments we delve into the history of Weinberg’s and Korngold’s very contrasting lives. Born respectively in Warsaw and Vienna and bound by their Jewish heritage, both composers were forced to flee the horrors of the Holocaust during World War II: Weinberg finding refuge in the far eastern part of the U.S.S.R. before resettling to Moscow, while Korngold fled to the USA and established himself as a film score composer in Hollywood.

In today's turbulent times, 80 years after the end of World War II, the documentary "Emerging from the Shadows" reminds us how artistic resilience and integrity are values worth fighting as much as ever.

The film's director is Veronika Emily Pohl is a US-German journalist and documentary filmmaker. She specializes on artist portraits, music documentaries and multi-camera directing of concert and stage productions.

Directed by: Veronika Emily Pohl
Composer (Original Score): Erich Wolfgang Korngold - Composer of the opera „Die tote Stadt“; „Das Wunder der Heliane“; Oscar winning Film Score for „Robin Hood“ | Mieczyslaw Weinberg - Composer of the Cello Concerto in c minor op 43; Opera "The Passenger"; 26 symphonies
Sounddesign: Vilius Keras, Baltic Mobile Recordings
Edited by: Veronika Emily Pohl

Cast: Constantine Orbelian - four time GRAMMY®-nominated conductor; Music Director and Principal Conductor New York City Opera; Chief Conductor Kaunas City Symphony Orchestra Kristina Reiko Cooper - American cellist; Musical Director Israel Chamber Music Society, Vice President of the America-Israel Cultural Foundation; Board Mmember of the Charney Forum for New Diplomacy; Visiting Professor Tel Aviv University Erich Wolfgang Korngold - Composer of the opera „Die tote Stadt“; „Das Wunder der Heliane“; Oscar winning Film Score for „Robin Hood“ Mieczyslaw Weinberg - Composer of the Cello Concerto in c minor op 43; Opera "The Passenger"; 26 symphonies

Soundtrackcologne & Mediamusic e.V. als langjährige Partner veranstalten gemeinsam auch dieses Jahr im Rahmen der SoundTrack_Cologne 23 wieder einen Empfang hier im o-ton. Ab 21:30h Uhr wird zu Getränken und Snacks im o-ton Studiosaal und  auf die Terrasse eingeladen.

Im Vorfeld des Empfangs,  um 19:30h,  wird im Rahmen des "See The Sound Festivals" der Film: "Emerging from the Shadows: Rediscovering the Legacies of Weinberg and Korngold" mit Musik der beiden Komponisten gezeigt. Mehr Infos dazu hier:

Ausserdem zeigen die Workshop-Teilnehmer der "Sonic Improvibing" von Nathan Larson während des Empfangs im o-ton ihre Präsentation der Workshop-Arbeit  mit Larson.

Das o-ton liegt nur ca. 10 Gehminuten vom zentralen Veranstaltungsort COMEDIA in der Südstadt entfernt (Adresse: o-ton im K7a // 50678 Köln Kyllstrasse 7A // google-maps-link

Soundtrackcologne & Mediamusic e.V., as long-standing partners, are once again co-hosting a reception here at o-ton as part of SoundTrack_Cologne 23. Starting at 9:30 p.m., guests are invited to enjoy drinks and snacks in the o-ton studio hall and on the terrace.

Prior to the reception, at 7:30 p.m., as part of the “See The Sound Festival,” the film “Emerging from the Shadows: Rediscovering the Legacies of Weinberg and Korngold” will be screened, featuring music by both composers. More information here:

In addition, participants in Nathan Larson’s “Sonic Improvibing” workshop will present their workshop work with Larson during the reception at o-ton.

The o-ton is only a 10-minute walk from the central venue COMEDIA in Südstadt. (Address: o-ton im K7a // 50678 Köln Kyllstrasse 7A // google-maps-link)

"Emerging from the Shadows: Rediscovering the Legacies of Weinberg and Korngold"

The Film will be screened at o-ton at 19:30h just before the reception.

Here is the link for the tickets of that event (accredited can attend with their badges)

Kinofilm + Konzert im o-ton: "Talking to  you: Christof Lauer"  2023 / Deutschland / 92 min

Samstag. 18.07.2026 Filmvorführung + Konzert + Talk

Beginn: 18:00h
Eintrittspreis: 15,00 € Tickets an der Abendkasse oder Kartenvorverkauf hier bei SeeTheSound

"Saxophon, Magie und Intensität. Christof Lauer, einer der großen Jazz-Saxophonisten Europas, war 25 Jahre lang NDR-Solist, spielte weitere Jahrzehnte im Ensemble des Hessischen Rundfunks und war Mitglied des Quintetts von Albert Mangelsdorff. „Talking to You" zeigt, wie dieser eigenwillige Musiker seine Geschichte durch Klänge erzählt und warum er nie aufhören wird, nach neuen Formen zu suchen."

Die Filmvorführung Im Rahmen des SEE THE SOUND Festivals wird von einem Saxophonkonzert von Christof Lauer begleitet. Im Anschluss an die Vorführung findet ein Gespräch mit dem Künstler und der Regisseurin des Films, Lucie Herrmann statt.

Christof Lauers Odyssea Sonorum Album (An:Bruch) ist nominiert für den Vierteljahrespreis der dt. Schallplattenkritik (Jazz II)

Christof Lauers Soloalbum bei An:Bruch

Seit den 1970er Jahren hat Christof Lauer in den unterschiedlichsten Formationen seine Virtuosität, Originalität und Vielseitigkeit auf seinem Instrument, dem Saxophon, demonstriert, ob im Duo, Trio, Quartett, Quintett oder bei der NDR-Bigband.

Mit der am 22.05.2026 erscheinenden Solo-Saxophon-Einspielung Odyssea Sonorum, seit mehr als zehn Jahren die erste unter seinem eigenen Namen, betritt Lauer ein für ihn neues Terrain. Ohne instrumentale Begleitung kreiert er mit Tenor- und Sopransaxophon einen Klangraum, den er ganz allein musikalisch gestaltet. Das Album enthält Liveaufnahmen aus einer Konzertreihe, die Christof Lauer zusammen mit der Jazz-Initiative Frankfurt 2019 ins Leben gerufen hat.

Alle Konzerte wurden mitgeschnitten, und letztendlich entschied sich Lauer für drei Stücke aus dem Jahr 2025 mit insgesamt 52 Minuten Laufzeit. Sie kommen gänzlich ohne thematischen Rahmen aus, sind rein spontan entstandene Improvisationen. Dabei sind sie alles andere als Monologe eines großen Musikers, sondern vielmehr musikalische Zwiegespräche mit sich selbst, den im Kirchenschiff resonierenden Tönen und dem Publikum vor Ort. Spontaneität im Spiel setzt Risikobereitschaft voraus. Ein Teil des Reizes dieser Konzertreihe, den das Publikum bei jedem Ton spürt. „Es hat für mich einen besonderen Reiz in dem weiten Kirchenraum zu spielen“, sagt Christof Lauer“, „Aus dem Moment heraus entsteht eine Klang- und Motivreise, auf die ich meine Zuhörer mitnehmen will.“

Über den Film

Es geht um die Liebe zum Jazz und besonders um die Liebe zum Saxophon, jenem magischen Instrument.
"Ich erzähle etwas von mir, indem ich spiele und Töne zusammensetze. Das ist meine Geschichte", sagt Christof Lauer. Er zählt zu den großen Jazz-Saxophonisten Europas, hat mit den Stars der internationalen Jazzszene gespielt, z.B. mit Carla Bley, Joachim Kühn, Palle Danielsson, Daniel Humair. Er war Mitglied in Albert Mangelsdorffs Quintett und im "United Jazz + Rock Ensemble", in der NDR-Bigband und Solist im Jazzensemble des Hessischen Rundfunks.

Wie lässt sich die Magie erklären, die vom Tenor- oder Sopransaxophon ausgeht? Wer stellt eigentlich diese Instrumente her? Und wie hat es Christof Lauer geschafft, seine Liebe zum Jazz über Jahrzehnte immer wieder neu zu entfachen?
"Talking To You" dringt ein in den musikalischen Kosmos eines eigenwilligen Musikers, der jegliche Routine ablehnt und beharrlich an neuen Formen arbeitet. Hauptsache: "Intensiv muss es sein".

"Endlich nimmt hier ein Musikporträt seinen Gegenstand ernst und blendet einzelne Stücke nicht schon nach wenigen Sekunden aus. Lucie Herrmann, die bereits mit dem Porträt 'Oh Horn!' dem Frankfurter 'Posaunen-Weltmeister' Albert Mangelsdorff ein Denkmal gesetzt hat, und ihrem großartigen Kamera- und Schnittpartner Bert Schmidt ist mit 'Talking To You' nicht nur ein Hymnus auf einen der wichtigsten Verfechter zeitgenössischer Improvisationskunst gelungen. Dieser Film ist viel mehr als ein Musikerporträt. Er ist eine leidenschaftliche Liebeserklärung an den Jazz."
(Peter Kemper, FAZ, 21.4.2023)

An diesem frühen Sonntagabend (und noch vor dem WM-Finale) kommen im o-ton drei große argentinische Musiker zusammen, um Interpretationen des argentinischen Repertoires und Originalkompositionen zu präsentieren. Wieder eine außergewöhnliche Gelegenheit, ein Trio von internationalem Format in unserem intimen Studiosaal hautnah kennenzulernen!

En esta temprana tarde de domingo (y aún antes de la final del Mundial), tres grandes músicos argentinos se dan cita en el o-ton para presentar interpretaciones del repertorio argentino y composiciones originales. ¡Otra oportunidad excepcional para conocer de cerca a un trío de talla internacional en nuestra íntima sala de ensayo!

Julia Sanjurjo: Gesang, Arrangements und Komposition
Martín Sued: Bandoneon, Arrangements und Komposition
Quique Sinesi: Gitarre, Arrangements und Komposition

Konzertbeginn: 17h // Einlass: 16h

Eintrittspreise:

25 € (Normalpreis, Solidarzuschlag 30€)

15 € (Ermäßigt ohne Nachweis

5 x kostenlos (Solidarität-Tickets, ohne Nachweis)

Karten-Reservierung per mail empfohlen (Tickets an der Abendkasse):

kontakt@o-ton.koeln

Quique Sinesi und Martín Sued bilden bereits seit mehreren Jahren ein Duo und stehen kurz vor der Veröffentlichung ihres ersten Albums. Bei dieser Gelegenheit kommen sie mit Julia Sanjurjo zusammen, um die Ausdrucksmöglichkeiten des Trios zu erweitern, die Stimme als Instrument einzubeziehen und in die Poesie der Texte des Tangos und der Folklore einzutauchen.

"Quique Sinesi y Martín Sued forman un dúo desde hace más de una década y están próximos a publicar su primer álbum de música original. Con este motivo de celebración, se unen a Julia Sanjurjo para ampliar las posibilidades expresivas del repertorio, incorporar la voz como instrumento y sumergirse en la poesía de los textos de la música original, incorporando repertorio del tango y el folclore argentino.
«Un concierto que ofrecerá el encuentro entre el sonido inconfundible de la música argentina y la improvisación».”

Julia Sanjurjo

Julia Sanjurjo (Mar del Plata, Argentinien) ist Komponistin und Arrangeurin arbeitete sie mit verschiedenen Ensembles wie dem Nationalen Orchester für Argentinische Musik, dem Akademischen Orchester ISA des Teatro Colón, dem Tropi Ensemble, dem Streicherensemble SurdelSur und im Rahmen von Residenzen für das Experimentierzentrum des Teatro Colón zusammen. Sie schloss ihr Kompositionsstudium an der Nationalen Universität in Argentinien ab und ist derzeit Studentin im Masterstudiengang Jazzkomposition/Arrangement an der Hochschule für Musik und Tanz Köln.

Als Sängerin trat sie in verschiedenen Projekten als Solistin auf und arbeitete mit Musikern wie Heiner Goebbels, Sebastian Gramss, Valentín Garvie, Joëlle Léandre, Juan Pablo Navarro, Graciela Jiménez, Ernesto Jodos und vielen anderen zusammen. Kürzlich trat sie im IRCAM – Centre Pompidou auf, wo sie mit Agustín Issidoro und Pierre Jodlowski zusammenarbeitete.

Sie war Mitglied des Nationalen Poliphonischen Chors Argentiniens, des Vokalensembles „Cámara XXI“ und des Universitäts-Kammerchors Mar del Plata sowie Stipendiatin des Nationalen Fonds für die Künste (2015, 2017, 2020) und des Mozarteums Argentinien (2022).

Sie studierte Jazz und Improvisation mit Musikern aus Buenos Aires und der internationalen Szene. Darüber hinaus besuchte sie die SIM (School for Improvisational Music) am Brooklyn Conservatory in New York (2019).

Sie nahm an Festivals wie dem BA International Jazz Festival, der Contemporary Music Series des San Martín Theaters und des Cervantes National Theaters, dem CCM Haroldo Conti Jazz Festival und der CCK Jazz Series teil, um nur einige zu nennen.

Ihre künstlerische Tätigkeit entfaltet sich in den Bereichen zeitgenössische Musik, Jazz und improvisierte Musik.

Julia Sanjurjo (Mar del Plata, Argentina) es compositora y arreglista; ha colaborado con diversas formaciones, como la Orquesta Nacional de Música Argentina, la Orquesta Académica ISA del Teatro Colón, el Tropi Ensemble, el conjunto de cuerdas SurdelSur y, en el marco de residencias, con el Centro de Experimentación del Teatro Colón. Se licenció en Composición en la Universidad Nacional de Argentina y actualmente cursa el máster en Composición y Arreglos de Jazz en la Escuela Superior de Música y Danza de Colonia.

Como cantante, ha actuado como solista en diversos proyectos y ha colaborado con músicos como Heiner Goebbels, Sebastian Gramss, Valentín Garvie, Joëlle Léandre, Juan Pablo Navarro, Graciela Jiménez, Ernesto Jodos y muchos otros. Recientemente actuó en el IRCAM – Centre Pompidou, donde colaboró con Agustín Issidoro y Pierre Jodlowski.
Fue miembro del Coro Polifónico Nacional de Argentina, del conjunto vocal «Cámara XXI» y del Coro de Cámara Universitario de Mar del Plata, además de becaria del Fondo Nacional de las Artes (2015, 2017, 2020) y del Mozarteum de Argentina (2022).
Estudió jazz e improvisación con músicos de Buenos Aires y del panorama internacional. Además, asistió a la SIM (School for Improvisational Music) del Conservatorio de Brooklyn, en Nueva York (2019).
Ha participado en festivales como el BA International Jazz Festival, la Serie de Música Contemporánea del Teatro San Martín y del Teatro Nacional Cervantes, el Festival de Jazz CCM Haroldo Conti y la Serie de Jazz del CCK, por citar solo algunos.
Su actividad artística se desarrolla en los ámbitos de la música contemporánea, el jazz y la música improvisada.

Martín Sued

Martín Sued ist Bandoneonist, Komponist und Arrangeur, einer der herausragendsten argentinischen Instrumentalisten seiner Generation. Als Komponist hat er das Repertoire des Bandoneons erneuert, eines traditionellen Instruments, das in der Folklore und Identität der argentinischen Musik präsent ist. Seine Kompositionen haben einen fröhlichen Charakter, mit zeitgenössischen Farben und vielfältigen Einflüssen, aber mit klaren Wurzeln in der populären Musik seines Landes. Kürzlich veröffentlichte Martín sein erstes Album für ein Solo-Bandoneon-Projekt „Iralidad“, das bereits in den Vereinigten Staaten, Deutschland, Holland, Brasilien, Paraguay und Argentinien vorgestellt wurde. Sued hat bei Konzerten und Aufnahmen in Projekten mit Künstlern wie Guillermo Klein, Yamandú Costa, Seamus Blake, Diego Schissi, Magic Malik, Liliana Herrero, Silvia Iriondo, Mono Fontana, Quique Sinesi und vielen anderen zusammengearbeitet. Martin Sueds Kompositionen haben einen spielerischen, sensiblen und kraftvollen Charakter, mit einer Persönlichkeit, die sich sowohl in ihrer harmonischen Subtilität als auch in ihrer rhythmischen Kraft manifestiert. In ihnen findet man eine Vielzahl von Referenzen wie Jazz, zeitgenössische Musik und sogar Rock, wobei immer eine starke und klare Verbindung zur traditionellen argentinischen Musik besteht.

Martín Sued es bandoneonista, compositor y arreglista, uno de los instrumentistas argentinos más destacados de su generación. Como compositor, ha renovado el repertorio del bandoneón, un instrumento tradicional presente en el folclore y la identidad de la música argentina. Sus composiciones tienen un carácter alegre, con matices contemporáneos e influencias diversas, pero con claras raíces en la música popular de su país. Recientemente, Martín ha publicado su primer álbum para un proyecto de bandoneón solista, «Iralidad», que ya se ha presentado en Estados Unidos, Alemania, Países Bajos, Brasil, Paraguay y Argentina. Sued ha colaborado en conciertos y grabaciones en proyectos con artistas como Guillermo Klein, Yamandú Costa, Seamus Blake, Diego Schissi, Magic Malik, Liliana Herrero, Silvia Iriondo, Mono Fontana, Quique Sinesi y muchos otros. Las composiciones de Martín Sued tienen un carácter lúdico, sensible y enérgico, con una personalidad que se manifiesta tanto en su sutileza armónica como en su fuerza rítmica. En ellas se encuentran múltiples referencias, como el jazz, la música contemporánea e incluso el rock, aunque siempre con un vínculo fuerte y claro con la música tradicional argentina.

Quique Sinesi

Aufgrund seiner umfangreichen nationalen und internationalen Karriere gilt er als einer der bedeutendsten Gitarristen und
Komponisten der aktuellen Szene in Argentinien.
In seine Musik lässt er Elemente aus Folklore, Rio de la Plata, Tango, Jazz und  zeitgenössischer Klassik einfließen. Seine Werke wurden in Frankreich, Japan, Belgien, Deutschland und Argentinien veröffentlicht und von bedeutenden argentinischen und internationalen Gitarristen aufgeführt, darunter Victor Villadangos, Berta Rojas, Sharon Isbin, Stanley Jordan, Luz Maria Bobadilla, Nora Buschmann, Silvina Lopez, Yasuji Ohagi, Juan Carlos Laguna, Zsofia Boros, Stephanie Jones usw.

Sinesi hat bereits seit seiner Jugend mit renommierten Musikern der lokalen
und internationalen Szene gespielt und Aufnahmen gemacht, darunter:
Dino Saluzzi, Alfombra Mágica, Paquito de Rivera, Raíces, Pablo Ziegler, Marcelo Moguilevsky,
Carlos Aguirre, Juan Falu, Silvia Iriondo, Nora Sarmoria, Carlos Dorado, Javier Girotto, Charlie Mariano, Michel Godard, Markus Stockhausen, Joe Lovano, Enrico Rava, Erling Kroner, Angelika Niescier,
das Metropol-Orchester, das WDR-Orchester, Yamandu Costa, Marco Pereira und viele andere.
Seine erste internationale Tournee unternahm er gemeinsam mit dem Quartett von Dino Saluzzi in Europa,
wo er bei den Jazzfestivals in Berlin, Zürich, Köln und anderen Städten in Deutschland und der Schweiz auftrat.

Seitdem reist er um die Welt und wirkt an verschiedenen Projekten mit.
Im Jahr 2005 gewann er einen Latin Grammy mit dem Projekt zusammen mit Pablo Ziegler
und Walter Castro als Special Guest; außerdem wurden sie für denselben Preis nominiert.

Gracias a su dilatada carrera nacional e internacional, se le considera uno de los guitarristas y compositores más destacados del panorama actual en Argentina. En su música incorpora elementos del folclore, el Río de la Plata, el tango, el jazz y la música clásica contemporánea. Sus obras se han publicado en Francia, Japón, Bélgica, Alemania y Argentina, y han sido interpretadas por destacados guitarristas argentinos e internacionales, entre los que se encuentran Víctor Villadangos, Berta Rojas, Sharon Isbin, Stanley Jordan, Luz María Bobadilla, Nora Buschmann, Silvina López, Yasuji Ohagi, Juan Carlos Laguna, Zsofia Boros, Stephanie Jones, etc.
Desde su juventud, Sinesi ha tocado y grabado con músicos de renombre del panorama local
e internacional, entre los que se encuentran:
Dino Saluzzi, Alfombra Mágica, Paquito de Rivera, Raíces, Pablo Ziegler, Marcelo Moguilevsky,
Carlos Aguirre, Juan Falu, Silvia Iriondo, Nora Sarmoria, Carlos Dorado, Javier Girotto, Charlie Mariano, Michel Godard, Markus Stockhausen, Joe Lovano, Enrico Rava, Erling Kroner, Angelika Niescier,
la Orquesta Metropol, la Orquesta de la WDR, Yamandu Costa, Marco Pereira y muchos otros.
Realizó su primera gira internacional por Europa junto al cuarteto de Dino Saluzzi,
donde actuó en los festivales de jazz de Berlín, Zúrich, Colonia y otras ciudades de Alemania y Suiza. Desde entonces, viaja por todo el mundo y colabora en diversos proyectos.
En 2005 ganó un Grammy Latino con el proyecto en el que participaron Pablo Ziegler
y Walter Castro como invitado especial; además, fueron nominados al mismo premio.

Gefördert durch

Julia Vargas ist eine der großen Stimmen Brasiliens. Die Sängerin, Komponistin und Percussionistin begeistert weltweit ihr Publikum.

Sie ist Latin-Grammy-Nominee, Finalistin bei „The Voice Brazil“ und „Assista Comportamento Geral“ und derzeit auf Europatournee. Ihr neues Album „D’água“ ist jetzt erhältlich. Exklusiv ist Julia bei uns im Kölner o-ton zu Gast.

Eine außergewöhnliche Gelegenheit, diese Künstlerin mit ihrem Trio im intimen Rahmen des o-ton kennenzulernen!

Julia Vargas é uma das grandes vozes do Brasil. A cantora, compositora e percussionista encanta o seu público em todo o mundo.Foi nomeada para o Grammy Latino, foi finalista nos programas «The Voice Brasil» e «Assista Comportamento Geral» e encontra-se atualmente em turnê pela Europa. O seu novo álbum, «D’água», já está disponível nas principais plataformas de streaming de música como Spotify e Apple Music. Julia será nossa convidada exclusiva no o-ton, em Colônia.
Uma oportunidade excecional para conhecer esta artista e o seu trio em uma atmosfera intima e ambiente exclusivo que a sala acústica do o-ton nos proporciona.

Konzertbeginn: 19:30h

Einlass: 18:30h

 Eintrittspreise:

25 € (Normalpreis, Solidarzuschlag 30€)

15 € (Ermäßigt ohne Nachweis

5 x kostenlos (Solidarität-Tickets, ohne Nachweis)

Karten-Reservierung per mail empfohlen (Tickets an der Abendkasse):

kontakt@o-ton.koeln

Julia Vargas ist Sängerin, Komponistin und Percussionistin und begeistert weltweit ihr Publikum. Nach einer Laufbahn an der Seite von Größen wie Milton Nascimento, Zélia Duncan und Ivan Lins hat sie ihr neuestes Album veröffentlicht: „D’Água“ 

"...ein zutiefst emotionales Werk, das vor Sensibilität und Widerstandskraft strotzt. Es enthält Eigenkompositionen, neue Kooperationen und Neuinterpretationen von Werken weiblicher Komponistinnen und bietet ein lyrisches Erlebnis, in dem Liebe und Emotionen frei fließen. Julia hat zudem den Klassiker „Comportamento Geral“ von Gonzaguinha interpretiert und damit ihre einzigartige Fähigkeit unter Beweis gestellt, das musikalische Erbe Brasiliens zu würdigen."

Julia Vargas é cantora, compositora e percussionista e encanta o seu público em todo o mundo. Após uma carreira ao lado de grandes nomes como Milton Nascimento, Zélia Duncan e Ivan Lins, lançou o seu mais recente álbum, «D’Água»:

"...uma obra profundamente emotiva, repleta de sensibilidade e resiliência. Inclui composições próprias, novas colaborações e reinterpretações de obras de compositoras, proporcionando uma experiência lírica em que o amor e as emoções fluem livremente. Julia interpretou ainda o clássico «Comportamento Geral», de Gonzaguinha, demonstrando assim a sua capacidade única de homenagear o património musical do Brasil.»

Arthus Fochi: Gesang, Akustikgitarre, musikalische Leitung, Arrangements

Arthus Fochi ist ein vielseitiger Künstler und Musikproduzent. Er lebt in Dänemark und ist Gründer der Musiklabel „Cantores Del Mundo“, das sich auf die Förderung lateinamerikanischer und Weltmusik spezialisiert hat, sowie „Ka'a Music“, das in Zusammenarbeit mit großen Akteuren wie der Virgin Music Group (UMG) den Vertrieb übernimmt. Er war als Künstlermanager, Musikproduzent und Berater für Musiker:innen wie Clarissa Bruns, Lucas Bezerra und Cajupitanga tätig.

Arthus Fochi, voz + guitarra acústica, direção musical, arranjos.

Arthus Fochi é um artista versátil e produtor musical. Vive na Dinamarca e é fundador da «Cantores Del Mundo», uma editora discográfica especializada na promoção da música latino-americana e da música mundial, bem como da «Ka'a Music», que se encarrega da distribuição em colaboração com grandes nomes como o Virgin Music Group (UMG). Trabalhou como agente artístico, produtor musical e consultor para músicos como Clarissa Bruns, Lucas Bezerra e Cajupitanga

Fernando Lyra: brasilianischer Percussionist & Multiinstrumentalist.

Er begann seine musikalische Laufbahn im Alter von 18 Jahren mit dem Saxophon und der Klarinette und widmete sich dann einer Vielzahl unterschiedlicher Musikstile und Instrumente und spielt verschiedene Perkussions- und Holzblasinstrumente wie Handpan, Kaval, Ney, Darbouka, Def, Pandeiro, Didgeridoo, Maultrommeln, Asalato, Cajón, Hulusi und viele andere.
Er trat bereits auf verschiedenen Bühnen in ganz Europa auf und leitete zudem verschiedene Workshops und Meisterkurse zu unterschiedlichen Instrumenten wie Didgeridoo, Pandeiro, Handpan, Obertongesang und indischer Rhythmik.

Fernando Lyra, percussionista e multi-instrumentista brasileiro.

Iniciou a sua carreira musical aos 18 anos com o saxofone e o clarinete, tendo-se depois dedicado a uma grande variedade de estilos musicais e instrumentos, tocando diversos instrumentos de percussão e de sopro, como o handpan, o kaval, o ney, a darbouka, o def, o pandeiro, o didgeridoo, os tambores de boca, o asalato, o cajón, o hulusi e muitos outros.
Já atuou em diversos palcos por toda a Europa e, além disso, ministrou vários workshops e masterclasses sobre diversos instrumentos, tais como o didgeridoo, o pandeiro, o handpan, o canto harmónico e a rítmica indiana

Die chilenische Sängerin, Akkordeonistin und Komponistin Pascuala Ilabaca und der Pianist, Komponist und Produzent Luciano Laterra präsentieren ein neues Programm, das speziell für ihre europäische Sommer-Tour entstanden ist – mit Auftritten in Köln, Berlin, Bremen, Kassel und Madrid.

La cantante chilena, acordeonista y compositora Pascuala Ilabaca y el pianista, compositor y productor Luciano Laterra presentan un nuevo espectáculo creado especialmente para su gira de verano europeo, con presentaciones en Colonia, Berlín, Bremen, Kassel y Madrid.

Als mehrfach ausgezeichnete Künstlerin („Pulsar“-Preis, Chile, 2025 und 2016; „Songlines Magazine“, 2015; „Independent Music Awards“, New York, 2013) hat Ilabaca eine starke internationale Karriere als Singer-Songwriterin aufgebaut. Sie besticht durch die Bandbreite ihrer musikalischen Sprache sowie durch ihre jüngsten Projekte, die mit Jazz-Bigband und darstellender Kunst verbunden sind. Laterra wiederum hat seinen Fokus auf die Erforschung von Rhythmus und Klavier in der zeitgenössischen Musik gelegt und arbeitet dabei interdisziplinär mit Tanz, Klangexperimenten und audiovisueller Kunst zusammen.

Artista premiada en múltiples ocasiones (Premio "Pulsar", Chile, 2025 y 2016 ; "Songlines Magazine", 2015 ;  'Independent Music Awards", New York, 2013), Ilabaca ha desarrollado una sólida trayectoria internacional como cantautora destacando por la amplitud de su lenguaje musical y sus recientes proyectos vinculados a Big Band de Jazz y artes escénicas. Laterra, por su parte, ha centrado su trabajo en la investigación del ritmo y el piano dentro de la música contemporánea, articulando colaboraciones con la danza, la experimentación sonora y el arte audiovisual.

Konzertbeginn: 20.00h
Einlass: 19:00h

Eintrittspreise:

A) 20€ (Normalpreis)

B) 15€ (Ermässigung - ohne Nachweis)

C) 0€  (5 Plätze frei - ohne Nachweis)

Vorreservierung per mail wird empfohlen:

productionkolnpl@gmail.com

Inicio del concierto: 20.00h
Apertura de puertas: 19:00h

Precios de las entradas:

A) 20€ (precio normal)

B) 15€ (descuento, sin necesidad de acreditarlo)

C) 0€  (5 plazas gratuitas, sin necesidad de acreditarlo)

Se recomienda realizar una reserva previa por correo electrónico:

productionkolnpl@gmail.com

El concierto reúne composiciones originales interpretadas con piano, voz y electrónica, proponiendo un formato íntimo y dinámico que explora nuevas texturas y relaciones entre lo acústico y lo digital.

La propuesta musical cruza lenguajes contemporáneos con poéticas y sonoridades de raíz, construyendo un repertorio que dialoga entre tradición y experimentación, y que se presenta como una experiencia escénica cálida, ritual, actual y abierta a distintos públicos.

Pascuala Ilabaca

meet Pascuala Ilabaca (y "Fauna") on following channels